¡Felices Fiestas!


No quería dejar de saludar en estas fechas a los que me siguen y leen aquí, desearles por supuesto que hayan pasado una feliz navidad, y sobre todo que tengan un increíble año nuevo.
Intentaremos en el 2011 como siempre seguir con el blog, con las fluctuaciones en los tiempos de publicación que impone la vida misma, pero con el infaltable amor por el cine que abrió este espacio en primer lugar.

Para los que les gustan los números, éste es el post número 99 (ya veremos en qué deviene el famoso nº 100), y por otra parte hemos llegado a 24 seguidores. ¡Gracias a ellos y a ustedes, y FELIZ 2011 para todos!

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... Olhos azuis (2009)


Me había quedado pendiente contarles sobre la última noche en que fuimos al festival Aruanda, cuando vimos el corto Doce de coco, de Allan Deberton, y el largometraje Olhos azuis:
 
OJOS AZULES
de José Joffily; con David Rasche, Frank Grillo e Irandhir Santos. 
[En el VI Fest Aruanda]
Sin ser un espectáculo de otro mundo, ésta es una película bastante recomendable sobre la inmigración a los Estados Unidos, enfocada en un grupo de latinoamericanos (argentinos, hondureños, brasileros, etc.) que intenta ingresar a ese país. El tema es bien tratado, las actuaciones (excepto la de los argentinos!) son muy convincentes, y el guión se desenvuelve a un ritmo como para no aburrirse nunca, aunque tampoco despierte pasiones.
Acá hay un blog sobre la película, con reseñas y entrevistas (en portugués) para los interesados.

Por cierto, el protagonista brasilero de Olhos azuis es Irandhir Santos, la contrafigura del personaje de Wagner Moura en Tropa de Elite 2. Este último film, sobre la policía militarizada en las favelas de Río de Janeiro (secuela de una exitosa y excelente primera parte), ha sido un boom acá en Brasil, con récord de taquilla y gran aceptación del público (no sé de la crítica). 
La cuestión es que habíamos ido a verla (a Tropa de Elite 2) al cine la noche anterior, y nos sentimos en pleno Hollywood (?) cuando apareció el mismísimo Santos para presentar Olhos azuis en el festival (de lila en la primera foto, con el director José Joffily y la actriz Zezita Matos). Un actor con mucha expresividad, aunque algo repetitivo en su expresión, quien nos entretuvo en la que fue nuestra última noche de cine Aruanda. Aplaudimos fuerte como para que también apareciera Wagner Moura, pero no hubo suerte. 

... más del VI Festival Aruanda


El día sábado 11, en el festival Aruanda vimos un bastante decente cortometraje llamado "Azul", de Eric Laurence. El largo que íbamos a ver originalmente se reprogramó y nos clavamos con más homenajes. 
Pero, como anécdota de la noche, uno de los homenajeados fue el actor paraibano José Dumont, que antes de ser anunciado yo no sabía quién era... Y resultó ser aquél de 2 filhos de Francisco, la famosa película del colectivo! (¿se acuerdan?) Creo que no me reconoció (?) como su quejosa detractora, mientras era aclamado por el público; por otra parte, el hombre resultó ser toda una figura del cine nacional, así que fue interesante conocerlo.

GODARD, TRUFFAUT Y LA NOUVELLE VAGUE (2010) 
de Emmanuel Laurent. 
http://www.imdb.com/title/tt1528224/ 
[En el VI Fest Aruanda]
El domingo 12, el festival le rindió tributo a los 50 años de la Nouvelle Vague mediante un seminario y también con un documental llamado Deux de la Vague (Godard, Truffaut y la Nouvelle Vague), realizado por Emmanuel Laurent. El documental en sí mismo no está muy bien hecho, con una edición cuestionable y un relato variable y a veces no tan atractivo; pero como el tema es de por sí interesantísimo, eso no tuvo para mí ningún efecto negativo.
Como se desprende de su nombre, Deux de la Vague... relata la amistad entre los grandes del cine francés, Godard y Truffaut, desde sus inicios como críticos en los Cahiers du Cinéma hasta su distanciamiento a nivel personal, político y artístico. Además de lo que aporta a nivel informativo, rescato de esta película  la descripción que hace de lo que conforma una verdadera amistad: la capacidad de ver el mundo desde un mismo lugar, simplificado en que te gusten las mismas películas, ampliado a hacer cine por un mismo motivo. Actualmente parece haberse impuesto la noción de "tolerancia" en las amistades, como si se pudiera ser amigo de alguien que ve otro universo allí donde uno ve el propio. Estos dos grandes demostraron, al juntarse y luego separarse por divergencias en cuanto al rol social del cine, que sólo cuando es posible compartir ideas y universos puede nacer el afecto verdadero.

Por último, y cruzándonos de tema diametralmente, ¡qué bueno que nominaron a Carlos a los Globos de Oro! Yo no estuve enterada de los premios de la crítica yanqui que viene ganando, y por eso ha sido una gran sorpresa (y alegría) saber que compite por mejor actor y como miniserie o película para TV.
El resto de las nominaciones a estos premios han sido bastante predecibles, con poco énfasis en la genialísima Inception y demasiado -para mi gusto- en la sobrevalorada Red social. Pero así parece que viene la cosa, de aquí hasta los Oscar, para deleite de Fincher y sus seguidores.

... Uma noite em 67 (2010)


Ayer comenzó en João Pessoa la sexta edición del Festival Aruanda de cine brasilero, que se extenderá del 10 al 15 de diciembre. Como no podía ser de otra forma, nos sumamos a la apertura de anoche, que incluyó un homenaje al film que le da nombre a este festival, Aruanda, el cual cumple 50 años. Después de algunos otros homenajes y una simpática premiación al director de Aruanda, el festival abrió con el documental Uma noite em 67, presentado por uno de sus realizadores.

UNA NOCHE EN EL 67
de Renato Terra y Ricardo Calil.
http://www.imdb.com/title/tt1754803/
[En el VI Fest Aruanda]


Este documental se armó en torno a un histórico festival de música realizado en 1967 por el canal de televisión Record, en el cual competían jóvenes artistas brasileros que luego se convertirían en íconos de la MPB. La película recupera las participaciones de cada uno de ellos en la final del programa, y es así como nos encontramos con graciosos, apasionados e irreconocibles Caetano Veloso, Chico Buarque, Gilberto Gil con Os mutantes, el ganador Edu Lobo con Marília Medalha, y Roberto Carlos, entre otros.
Pero si bien la excusa es esa tercera edición del Festival de Música Popular Brasileira de TV Record, gran parte del valor de la película se lo da el poder transmitir la esencia de una época clave para toda una generación, en términos músicales pero también políticos y culturales. Los sumamente disfrutables extractos del festival van acompañados también de entrevistas actuales a los músicos, entrevistas divertidas y directas que ayudan a comprender (a quienes no estuvimos por esas épocas ni en esos lugares) parte de lo que estaba en juego en años donde comenzaba la larga dictadura militar brasilera.
Durante la proyección, el público de este festival disfrutó tanto como el de aquel otro ocurrido más de 40 años atrás, y se podía ver a los más grandecitos recordar las letras de canciones como Alegria, Alegria, Roda viva o Ponteio; personalmente fue un placer sentirme en atmósfera brasilera mientras observábamos aquello que hizo de este país un enjambre de poesía, alegría y pura saudade.

... Tutta la vita davanti (2008)

TODA LA VIDA POR DELANTE
de Paolo Virzì; con Isabella Ragonese.
http://www.imdb.com/title/tt1075114/
[En el canal MovieCity]
La de hoy es una película italiana chica, para nada un peliculón, pero de ésas que si te agarran con la disposición justa pueden recrear la hermosa sensación de ver las cosas desde otro lado. 
Sin que éste sea el mejor ejemplo, una buena señal acerca de la calidad de un film es que cuando termina, a pesar de haberse inmerso uno en el universo particular de la ficción, ese vistazo del mundo con otros ojos (los del director) nos dan más ganas aún de salir a vivirlo con los nuestros, tal vez impregnados de alguna nueva perspectiva. No sé si a todos les pasa, pero es algo que a mí generalmente sí, y mi querido actor/director Louis Garrel, suele referirse a este fenómeno en sus entrevistas, reafirmando mi opinión de que el cine puede conllevar una experiencia mágica que se extiende más allá de la duración de la obra.
Pero volviendo a Tutta la vita davanti, ya les he aclarado que no se trata de un gran exponente de la mencionada experiencia mágica, pero casi. Es un film que parece más simple de lo que es, tal vez con más pretensiones de lo que logra, pero un paquete agradable en su conjunto.
El argumento nos presenta a una lindísima actriz principal, una filósofa que al graduarse se encuentra con el mundo post-universitario y las problemáticas de la cuestión laboral. Por un lado está el planteo a lo Fair Play acerca de la competitividad y lo inhumano del sistema capitalista a nivel empleo: A diferencia de Fair Play, aquí la testigo de la crueldad del sistema va siendo gradualmente consciente de lo que implican las reglas del juego, aunque no por ello libre de escaparles (y menos aún con la solución para enfrentarlas).
Por otro lado, hay una cuestión más humanista en cuanto a qué hace alguien con una formación intelectual que excede las necesidades del entorno, y la creatividad en cómo traducir esa comprensión mayor de las cosas en el trato cotidiano. Ese conflicto, de encarnar el conocimiento para que no sólo sea un título sino un lugar desde donde ubicarse, puede no tener una solución clara y tal vez no sea a lo que apunta la película, pero me parece que esta última sí sirve para describir la confusión que causa el desequilibrio entre los mundos académico y laboral. En este sentido, algo que sí se transluce del film es que no parece quedar más opción que aprender a sobrevivir en los dos y convertirse en puente entre estos ámbitos (conocimiento y trabajo) que uno desearía mejor entrelazados.


Todos estos análisis, incluyendo el problema del desempleo en Europa a partir de la crisis del 2008, son cubiertos (ciertamente no con una maestría estilo Ken Loach) con un ligero tono de comedia y bastante sensibilidad, lo que ayuda a convertir Tutta la vita davanti en una película amena y original, digna de ser vista.

... La vida secreta de las palabras (2005)

THE SECRET LIFE OF WORDS
de Isabel Coixet; con Sarah Polley y Tim Robbins.
http://www.imdb.com/title/tt0430576/
[Bajada de internet, pero se consigue fácil en video]
La vida secreta de las palabras es un drama de la realizadora española Isabel Coixet, el cual reúne a dos personas que han atravesado un gran sufrimiento en su vida: un trabajador de una plataforma de petróleo (Tim Robbins) y la enfermera (Sarah Polley) que lo cuida luego de un grave accidente.
El planteo de la película en su inicio es mucho mejor a gran parte de lo que sigue después. La alta expectativa que crea la presentación de los personajes y de los escenarios donde se desarrolla la acción (en la plataforma de petróleo en alta mar, con un puñado de personajes secundarios muy atrayentes), contribuye a que la dramatiquísima resolución de la historia sea casi inconcebible para quien la estuvo acompañando con empatía.
Me gustaría recomendarla tanto como me hubiera gustado que mantuviera el tono sobrio con que arrancó.
Entiendo la necesidad de poner en palabras un llamado de atención sobre la guerra en Bosnia de los '90, pero artísticamente la cuestión no resulta, con unos diálogos excesivamente explicativos para mi gusto, y un intento moralizador que la situación no acompaña (mejores películas sobre el tema, que ahora me vienen a la cabeza: la visualmente hermosa Nieve, y la más cruda No man's land; estoy segura que existen varias otras).
De todas formas, aunque hay un par de cosas para recriminarle a la Coixet, no puedo enojarme con Sarah Polley, mujer de cine como pocas; y rescato el ambiente general y la fotografía imponente de un film que parece haberse hecho con buenas intenciones, en todo sentido.


Dos notas positivas aparte: Una simpática alusión al cuento de Cortázar "La señorita Cora" y algunas buenas canciones arrojadas en ciertas escenas.
Una última nota negativa: La tétrica (¿se supone que es tierna?) voz en off de la niña, ¿a quién se le ocurrió?.

... menos películas que libros

 
Me quedo pasmado cuando termino algo. Me quedo pasmado y desolado. Mi instinto de perfección debería impedirme acabar; debería impedirme incluso empezar. Pero me distraigo y obro. Lo que obtengo es un producto que no resulta de una aplicación de mi voluntad, sino de una concesión que ella hace de sí misma. Empiezo porque no tengo fuerza para pensar; termino porque no tengo alma para interrumpir. Este libro es mi cobardía.

[Extracto del fragmento 152 del Libro del desasosiego, de Bernardo Soares o quizás Fernando Pessoa]

... The social network (2010)

LA RED SOCIAL
de David Fincher; con Jesse Eisenberg y varios.
[En Cinemacenter San Luis - de visita en Argentina!]
*Una breve reseña del film, a pedido de mi acompañante en el cine (¡más te vale que comentes!)*

The social network no es el peliculón que muchos anuncian. Es una película amena, concisa y pasable, pero en sí misma no tiene cuerpo de "obra de arte contemporánea" o como sea que la hayan llamado.
Argumentalmente, se basa en dos juicios legales hechos contra Mark Zuckerberg, el creador de Facebook, que sirven de disparador tanto para contarnos el origen de este boom mediático como para intentar desmenuzar las motivaciones emocionales detrás de tales explosiones sociales.
El planteo no es nada nuevo: por un lado se expone esa clase que "mueve el mundo" desde posiciones de poder, y que tiene que lidiar con ciertos genios algo más marginales (no tanto, Zuckerberg estudiaba en Harvard), quienes impulsan nuevos movimientos dentro del mundo económico y lo obligan a reacomodar su estructura. Por otro lado, el intento que se hace de mostrar que detrás de gran parte de las construcciones sociales siempre hay una búsqueda afectiva es rescatable pero no alcanza a sostener la película, y resulta un poco ingenua viniendo de Fincher (quien para mí nunca superó con films posteriores su excelentísimo Club de la Pelea).


Unas notas sobre las actuaciones: 
1. Jesse Eiseberg hace lo mismo de siempre, pero acá viene justo, así que bien; 2. Justin Timberlake, seguí haciendo música; 3. Andrew Garfield (del Imaginario mundo del Dr. Parnassus), muy bien; 4. Max Minghella, un poquito decepcionante. 

En fin, una película para ver sin grandes expectativas, interesante pero con poco vuelo. Eso sí, me sirvió para otra vez preguntarme por qué no habré estudiado economía.

... Je vais bien, ne t'en fais pas (2006)

ESTOY BIEN, NO TE PREOCUPES
de Philippe Lioret; con Mélanie Laurent y Julien Boisselier.
[Alquilada en dvd]

Hay una característica de cierta clase de buenas películas que se manifiesta durante su propio tiempo de vida: En plena película, uno se da cuenta de que está disfrutando aquello que ve, y se dice para sí mismo -a veces sin palabras, a veces en voz baja, e incluso con miradas al que está al lado-, "que lindo lo que estoy viendo". Esa conciencia de que el film es bueno agrega empatía, complicidad con la trama, los personajes, y casi siempre resulta en un hermoso recuerdo cuando éste termina. Por ese disfrute extendido (que no aparece, como con otras grandes películas, al repensarlas una vez concluidas) es que poco importa el final de estos lindos especímenes cinematográficos.
Fue tal fenómeno el que me ocurrió con Je vais bien, ne t'en fais pas, a pocos minutos de iniciada. No estoy diciendo por ningún motivo que su final no me haya gustado, sólo digo que llegada esa instancia poco importaba la conclusión, ya sabía que la película me había encantado. 
A dicho encantamiento claro que ayudó el inmenso carisma de Mélanie Laurent, pero sobre todo un guión directo, natural como sus diálogos y la agradable fotografía que moldea el director con dulzura. E igualmente -en un punto aparte- su preciosa música, creada por una banda francesa llamada Aaron (Artificial Animals Riding On Neverland), de quienes ya me bajé su disco homónimo; este último contiene la emocional "U-Turn (Lili)", incluida con precisión en momentos claves de la historia.


Para quienes todavía necesitan más detalles para convencerse: Je vais bien... es un film sobre la melancolía, sobre la ternura y sobre el desconcierto. Una joven regresa a su casa familiar para encontrarse con la desaparición de su hermano, quien representa una parte tan grande de ella misma hasta el extremo de no saber dónde está el "otro". Sin embargo, si bien la historia puede tomarse como que no hay "otro" y "uno" entre la parte ausente y la protagonista, ésta también se trata de un hermoso homenaje al vínculo fraternal estrecho, tan presente, asegurador y "espejante" en nuestras vidas de hermanos.
Asimismo, la película se permite reflexionar también sobre muchos otros temas sin hundirse en ninguno, y los sobrevuela con tanta amabilidad y coherencia, que el relato se vuelve simultáneamente sutil e intenso, y siempre agradable.
Para concluir el tren de halagos, aclaro que aunque el final puede discutirse, a mí me pareció acertado, simple y necesario. Pero claro -como dije antes-, yo ya sabía que esta película me había gustado, mucho antes de que terminase.

... Rouge (1994)

TRES COLORES: ROJO
de Krzysztof Kieslowski; con Irène Jacob y Jean-Louis Trintignant.
http://www.imdb.com/title/tt0111495/
[Alquilada en dvd]

El comentario sobre la peli que faltaba: A decir verdad, a Rouge la había visto de muy chica; sólo me quedaba de ella un recuerdo confuso de algo super dramático, con el rostro de Irène Jacob, y mezcladísima en la memoria con La doble vida de Verónica (también de Kieslowski, también con Jacob). 
En esta segunda visión, además de entenderla, el último film de la trilogía de Kieslowski me resultó parecido -en su narración- al formato de una novela escrita. Rouge tiene una presentación literariamente cuidadosa y poética de sus personajes, con historias paralelas que se funden en un hermosísimo final.
Las historias paralelas son las de, en primer lugar, la bellísima Irène Jacob en el rol de una solitaria estudiante-modelo, llevando una vida simple pero muy real, impregnada del rojo que le da intensidad a lo cotidiano. En segundo lugar, un viejísimo Jean-Louis Trintignant (¡Qué quedó del hombre de Un hombre y una mujer!) encarna otro solitario que se cruza en el camino de la protagonista. A esto se le suma una línea paralela que es la historia de un joven inexorablemente ligado al personaje de Jacob, y de destino tan idéntico al viejo Trintignant que puede asumirse como éste mismo. Si suena confuso es porque pretende serlo, y ahí está la belleza de las líneas paralelas, que son lo mismo, vienen y van hacia lo mismo, pero no se cruzan. Aquí el autor se da el lujo de no solamente cruzarlas (¡y he ahí la fraternidad!) sino también de darles unas vueltas temporales al representar un único personaje en dos tiempos pero también en el mismo. 
Con una música fantástica igual que las dos precedentes, esta película cierra afectivamente no sólo las líneas de sus protagonistas, sino también las de aquellos de las primeras: (como se menciona por ahí en los extras de los dvd, en unas muy buenas entrevistas a Kieslowski y a los actores) El autor se encarga de "salvar" a todos sus personajes, en un gesto análogo al que realiza cuando los rescata emocionalmente contando sus historias.
En síntesis, mucha belleza narrativa y visual desplegada a ritmo lento; Rouge es un film lindísimo para verlo con paciencia.

... Blanc (1994)

TRES COLORES: BLANCO
de Krzysztof Kieslowski; con Zbigniew Zamachowski y Julie Delpy.
 
http://www.imdb.com/title/tt0111507/
[Alquilada en dvd]
Atendiendo a mi inclinación por las sagas, Bleu no podía estar mejor acompañada en su visión que por Blanc, también llamada La igualdad es blanca. Esta segunda película de la trilogía es (siendo llanamente directos) peor que la primera, pero tiene su clima especial y es muy recordable.
Blanc narra en un tono casi cómico las tragedias de un polaco en su divorcio con una francesa (una jovencísima Julie Delpy), de quien continúa enamorado o al menos vinculado, profunda e inevitablemente. La película arranca con un pequeño guiño a Bleu pero de ahí en más no se preocupa por mantener su clima, sino que se hunde en un mar de tragicomedia y blancura grisácea conformada por la nieve polaca; adornada, igual que el film anterior, de hermosos planos honrando el color que la titula.
Para destacar es justamente ese abandono de la melancolía francesa retratado en Bleu, de la cual se desprende con rapidez al abandonar ese país y transcurrir mayormente en Polonia, permitiéndose así más crudeza y más contrastes. Por otro lado, son también llamativos los planos milimétricamente diseñados por Kieslowski, un director que aparentemente fue muy dedicado y con una visión clara de lo que buscaba plasmar (como lo recuerda Julie Delpy varios años después, en los comentarios del dvd).


En cuanto al concepto de igualdad, me costó encontrarlo en forma transparente en la película, pero mi suposición es que la dependencia entre la pareja protagonista denota eso que tenemos todos, por lo cual nos necesitamos los unos a los otros, y que posibilita los vínculos a través de esa identidad humana que nos iguala.
En síntesis, Blanc me gustó, por su originalidad (sobre todo en los personajes) y carácter propio, donde además la música sigue siendo parte fundamental de la obra. Tal vez me quedaron muchas ideas sueltas, pero no sé si la vería de nuevo.

... Bleu (1993)

TRES COLORES: AZUL
de Krzysztof Kieslowski; con Juliette Binoche. 

Trois couleurs: Bleu es la primera película de la trilogía que hizo el director polaco Kieslowski en base a los colores de la bandera de Francia y a los emblemas de la revolución francesa. A juzgar por esta primera entrega, el propósito no parece ser retratar nada en particular de esos emblemas sino enmarcar cuestiones humanas universales en algún contexto, basándose en estos conceptos de libertad, igualdad y fraternidad. Algo así como una excusa que da eje y alinea la temática de cada film, y de paso los agrupa.

 

En Bleu o La libertad es azul, se hace un ensayo sobre la libertad en cuanto pérdida: la necesidad de investir las personas y las cosas para vivir en este mundo, y a fin de cuentas depender de ellas, resignando parte de la libertad individual que brinda la soledad.
Juliette Binoche es excelente, como siempre, en el rol de una mujer que pierde su familia y se enfrenta a la posibilidad de vivir sin investir; de deambular por el mundo ligada sólo a percepciones fugaces de los objetos y la gente que la rodea, de un entorno que -claro- intentará entrar a su libertad solitaria o libre soledad.
Un elemento importantísimo en la película es la música, conjugada con las escenas de forma vital, las construye y las completa. Parte de los elementos que buscan entrar en la vida del personaje de Binoche es justamente una pieza musical inconclusa de su difunto marido, y en la construcción de esa pieza se habla del interjuego artístico que acaba con la soledad y con la libertad: la creación también es limitación, al tomar de un conjunto de elementos una de las infinitas combinaciones posibles que de ellos se pueden hacer (como comenta Kieslowski en los extras del dvd). Además, las escenas se interrumpen cual obra de música, con pausas de oscuridad que sugieren el final de las mismas, pero son sólo silencios en una melodía.
Es ésta una película exquisita, donde el azul es pura melancolía y puro arte, omnipresente en los muy cuidados planos que constituyen en su totalidad una joya del cine, sin duda.

... noticias sobre una película prometedora


















Estoy percibiendo en el blog un enfoque excesivo en filmes franceses dramáticos, o bien yanquis sobre residentes malos (que no son de Calle 13), por lo cual veo necesario un reenfoque sobre nuestro querido continente sudamericano.
¿Se acuerdan de esa película ecuatoriana que me gustó tanto, Qué tan lejos? Fue la ópera prima de la directora Tania Hermida. Hace unos días encontré en esta página sobre cine de Ecuador, algunos comentarios sobre su próxima realización, a ser titulada En el nombre de la hija.
Este es un minisitio sobre la inminente película escrita y dirigida por Hermida, donde se encuentra la sinopsis argumental y otras informaciones sobre los realizadores, el proceso de filmación y demás. Al parecer, los planes son estrenarla a principios del año próximo. Para tenerla en cuenta.

... mi futuro pochoclero



Con menos que el trailer conocido de la película Eat, Pray, Love (un par de afiches, alguna que otra nota leída por ahí), lamento informarles que caí en la nube mediática que la transporta, casi por arte de magia. A los que están en la zona despejada, les comento que la escritora Elizabeth Gilbert hizo el libro Eat, Pray, Love sobre un período de transición en su vida (pero firmó contrato para escribir sobre esta etapa justo cuando la iniciaba, lo que demuestra la autenticidad de todo, ¿no?), lo cual vino casi de la mano con una adaptación a la pantalla grande de lo que inmediatamente fue un best-seller. La película viene por su parte con megaproducción del creador de Glee y protagonizada por Julia Roberts.
Por mi parte, la cuestión es así: hace un par de semanas estaba husmeando libros en una librería (el mejor lugar para hacerlo) y me encuentro con un ejemplar de Eat, pray, love. ¿Y qué tal si...? pensé dentro mío, frente a un diseño de tapa tan agradable y la promesa de un relato tan ameno como tomarse un helado. Racionalizándolo con un "es para practicar inglés", decidí comprarme la edición vieja (la del diseño lindo), pero no la reedición con Julia Roberts en la tapa, porque eso sí era demasiado pop.



Días más tarde, me encuentro (alternando entre otras lecturas, no se preocupen por mi salud intelectual) atrapada en esta especie de libro-blog, con una literatura que no supera a la de este medio (los blogs), pero que es inevitable disfrutar en su simplicidad.
El sucumbir al fenómeno se completa de la siguiente forma: Cuando iba por algo así como un tercio del libro, me entero que el 1ero de octubre estrenan acá en Brasil la película, de visión inevitable una vez entrado uno en la espiral mediática mencionada. En otras palabras, estoy condenada a completar dentro de pocos días el ciclo de consumo libro-pop + peli-pop.
Con nada de pesar por tener que ir a verla (tengo recuerdos de que sí es posible disfrutar este tipo de filmes), ya puedo verme sentada en la butaca del cine dispuesta a ponerle la cara de Julia a todo lo que me había imaginado con el rostro de la autora. También puedo visualizarme quejándome acá con ustedes después de haberla visto, sobre todo lo vacío y superficial y poco comprometido y...
Algunas cosas son inevitables.



... Resident Evil 4 en 3D (2010)


RESIDENT EVIL: AFTERLIFE (3D)
de Paul Anderson; con Milla Jovovich, Ali Larter y Wentworth Miller.
http://www.imdb.com/title/tt1220634/
[En Box Cinemas João Pessoa]

A los apáticos/sarcásticos/amargados que bostezaban sedientos de acción en mi post anterior, lleno de caricias y cuanta cosa melosa, acá les tengo su revancha: Resident Evil 4. En 3D. Tomá.
Hay bastante para contar porque además ésta fue mi primera peli en 3D, pero primero tenemos que remontarnos a un par de años atrás, para conocer la historia completa de mi relación con los malos residentes. Para ello introducimos a mi hermana otra vez, quien se está haciendo muy popular en este blog.

Escenario: Video club, mi hermana y yo eligiendo película.
-Hermana: (Con cara de entusiasmo) ¡Llevemos ésta! -señalando una de las primeras Resident Evil.
-Yo: (Con cara de consternación y gesto de levantar el labio superior de un solo lado, pruébenlo ahora frente al monitor para saber lo que digo) ¡Nooo!, ¡llevemos ésta! -señalando una película cool alternativa atractiva a los snob.
-Hermana: Ufa.
(Éste es un resumen de las guerras de video club, por lo general la cosa daba más vueltas hasta que Resident Evil 1 ó 2 terminaba sin alquilarse.)
Esta escena se repitió varias veces, incluso a pesar de mi inclinación por las películas de acción (acción de pelea, no de cosas que explotan); hasta que, habiendo salido ya Resident Evil 3, mi hermana con gran habilidad recurrió a mi debilidad por ver sagas completas y un día propuso, como sin mucha importancia:
-Hermana: ¿Y si alquilamos las TRES Resident Evil y hacemos una especie de maratón?
-Yo: (Revoleando los ojos y haciéndome la que no me encantaba la idea, mientras el número "tres" ya retumbaba en mi cabeza, y pensaba en las peleas y en hacer pochoclo y...) Bueno... puede ser, qué sé yo (¡¡¡SI!!! por dentro).

La maratón pasó, las pelis 1-2-3 no son gran cosa (ni siquiera en lo que a peleas se refiere), pero eso no importa ahora, porque voy a contarles sobre mi experiencia tridimensional.
Antes de entrar a la sala para ver la 4 tuve una especie de revelación acerca de que la película, más que de acción, es de zombies, y yo soy una cagona total para el cine de terror (reduzcámonos a ese ámbito, por favor). Sumándole a ésto que no sabía cuán alto podía ser el poder del efecto 3D, me imaginé por anticipado sufriendo varias noches de sobresaltos relacionados con zombies... Creo (bah, estoy segura) que fue más el miedo a tener miedo que el miedo que finalmente tuve. Los zombies (me acordé cuando ya empezó la película) son un bolazo, y por otro lado esta última entrega de la saga Evil es aún más que evil con sus espectadores: ¡Es malísima! Con una carencia total-total de argumento, el chiste (¿?) nomás resultó que aparecía Wentworth Miller (Prison Break) haciendo de preso por equivocación (pobre, ojalá después le ofrezcan otra cosa) y, claro, los efectos 3D.
Sinceramente me gustó mucho el asunto 3D, pero una duda que tuve es que transforma la película en algo más irreal de lo que sería normalmente, ¿no les parece?. Como que quita fidelidad, ambientación, sobriedad. Me cuesta discernir si es por el bodrio que fui a ver o si es algo general, pero el producto se parece más a un videojuego que a una película, y no me imagino cómo puede quedar en algo más realista. Sé que Scorsese está utilizándolo en su próxima película, y honestamente ni idea de cómo resultará este recurso usado en serio. Siendo Scorsese, seguro le sale bien.

... Un homme et une femme (1966)


UN HOMBRE Y UNA MUJER
de Claude Lelouch; con Jean-Louis Trintignant y Anouk Aimée.
http://www.imdb.com/title/tt0061138/
[Alquilada en dvd]

Durante el semi-colapso sufrido en mi segunda visita a mi nuevo video club me alcanzaron las neuronas para pensar que era necesario ponerle algún orden a todo esto (léase: al enjambre de películas buenísimas para ver). Mi nuevo mejor amigo me ha ayudado a tal fin, previamente y sin saberlo (¡esos sí que son amigos!), clasificando películas por directores o rubros como: nacionales, todas las películas de Stallone (buenísimo! todas las Rocky, Rambo, etc.) o todas las Batman, pero principalmente por directores.
Apenas llegué a la zona de directores clásicos supe que era hora de conocer a Truffaut. El plan es empezar por Les 400 coups y darle para adelante, pero esa es otra historia que ya les contaré, porque consensuando con los potenciales co-videntes del film (es decir, nuevamente mi hermana, presente en todos los paréntesis), elegimos esta caricia al corazón, a los ojos y a los oídos que es Un homme et une femme.



Caricia al corazón: La más simple historia de amor en que dos personas se conocen y se enamoran, contada también simplemente en menos de dos horas por un genio, se transforma en una obra de arte. Es increíblemente inexplicable, pero uno se sienta, se entrega a la pantalla, y no hay dudas de que ahí hay algo cierto y el corazón se estremece ante la posibilidad de que dos personas se unan, al menos por instantes. Esto es obra de un Lelouch joven y atrevido, seguro, artista, quien en los extras del dvd nos cuenta que su ser no-cariñoso es lo opuesto a lo filmado, y me hace quererlo aún más mientras maltrata al equipo de filmación y relata el poco glamour con que se rodó esta película.
Caricia a los ojos: En la otra película mucho más actual de Lelouch que les he comentado en este blog, se percibe el mismo trato sensible sobre el encuentro de una pareja, pero en el caso de hoy, la fotografía (a veces blanco y negro y a veces color por cuestiones de presupuesto, lo cual termina siendo algo apropiado y perfecto) se lleva gran parte del mérito, mientras hace que el mundo entero se enamore del rostro de Anouk Aimée. Además de los primeros planos a esa increíble mujer, hay ciertas escenas en las playas del sur de Francia que son como para pegarse un tiro por su belleza (o disfrutarlas, si no son depresivos).
Caricia a los oídos: Finalmente, la música (a bajarse el disco, googlear: Francis Laï - Un homme et une femme) completa el hechizo. Hecha por Laï, incluye una versión en francés de la hermosísima Samba da Bênção de Vinicius y Baden Powell, y matiza en forma precisa el ritmo de las escenas. La canción original para la película seguro les va a sonar, y en sus tres versiones conmueve y acompaña la ficción, contando la historia simultáneamente con las imágenes.



Hoy he estado muy melosa y halagosa, con caricias y todo eso, así que disculpen si los agarré en un día apático o sarcástico o puramente amargado... pero es que son filmes como éstos los que me recuerdan la belleza del cine, y la cantidad de otras hermosas películas que existen y no he visto, imbatibles frente al paso del tiempo, esperándome para que las descubra. Al igual que con los libros, ésto me da una eterna esperanza en el mundo, en la gente, y en las sorpresas que esconde la vida para los que la viven con cariño.

... mi primera peli francesa en Brasil


VIOLENCE DES ÉCHANGES EN MILIEU TEMPÉRÉ (2003)
de Jean-Marc Moutout; con Jérémie Renier.
http://www.imdb.com/title/tt0376961/
[En un ciclo de cine francés; bastante buena pero simplona].

Para ser más específicos con el tema de la mudanza, ahora estoy en Brasil (a los despistados: antes vivía en Argentina). Para despedirme de Argentina, la última película que vi allá (en cine) fue Igualita a mí y, si bien no preparó el terreno para ninguna nostalgia gauchesca, de todas formas es simpática y la pasamos bien en el cine.
Una más que aceptable bienvenida que me ha dado este país cinéfilamente hablando fue, además del videoclub del que les conté, una peli francesa en el marco de un ciclo anual de cine francés. ¡Y qué película en particular! Ésta tiene historia:
Como a mí me gusta todo lo francés, y sobre todo el cine (francés), siempre la he pasado más que bien en la Semana del Cine Francés (queda como actividad divertida para el lector contar cuántas veces uso la palabra "francés/a" en este post), de la cual me acuerdo haber reportado un par de películas (ésta y ésta). Un día hace un par de años, en que faltaba poco para que comenzara dicha Semana, en la Alianza Francesa me encuentro un folleto con las películas que iban a pasar, y entre ellas zas! una (Violence des échanges... ) con uno de mis actores francoparlantes favoritos: Jérémie Renier, a quien seguro ya he mencionado (pueden buscarlo acá a la derecha en donde dice "Buscar en este blog"). Más que encantada, le comento a todo el mundo que van a pasar Violence... y les muestro, a interesados o no, la sinopsis y la fotito y a Jérémie. Me llevo el folleto a casa para atesorarlo y más tarde, cuando le pego otra mirada: era el del año anterior.
No sólo no la vi en esa Semana de cine (porque no la pasaban, ja!) sino que nunca pude ver esta película en Argentina, así que fue todo un gesto de Brasil el ponérmela a disposición apenas llegada a sus tierras. El paquete francés fue completo: la película fue presentada por un francés (no lo estoy haciendo a propósito para que cuenten más "francés/a", los sinónimos posibles son rídiculos) de carne y hueso, quien después de verla nos introdujo -en portugués- a un debate sobre las implicancias políticas del argumento del film. Esto es porque Violence... es sobre un joven e inocentón auditor embarcado por primera vez en su tarea de realizar, para los dueños de una fábrica que se está por vender, una evaluación de sus empleados (de cara a una reducción de personal).



Por mucho que siempre me gustaron los cine-debate, pocas veces pude participar activamente de ellos por una timidez que me hace difícil decir delante de tanta gente todo lo que les suelto sin remordimientos en este blog. Pero esta vez se vé que la atmósfera franco-brasileña me enloqueció de alguna forma, porque apenas el francés abrió el debate me encontré iniciando una frase sobre esto de introducir el rol de la consultora (para algo así como "tercerizar" el despido) de modo de prevenir la reacción de los empleados frente a los patrones... Abierta ya la boca y emitidas las primeras palabras, internamente me di cuenta de que estaba intentando hacer una reflexión política en portugués, mientras que todavía la gente local no me entiende cuando les pido un poco de pan: algo de pánico sobrevoló mi cabeza, pero por algún motivo yo me sentía cómoda, el francés asentía, y le dí rienda suelta a mi comentario.
Me dijeron que mi aporte se entendió ("me dijeron" = eufemismo para "dijo mi hermana", quien tampoco es Jorge Amado). Qué importa, a mí me gustó la película y participé del debate, así que estoy tan contenta que ni les voy a hacer una reseña en español.

... a mi nuevo mejor amigo

Pregunta: ¿Qué mejor que mudarse a un lugar nuevo y tener un video club a dos cuadras de tu casa?
Respuesta normal: Mudarse a un lugar nuevo y tener el mar a tres cuadras de tu casa.
Respuesta cinéfila: Mudarse a un lugar nuevo y tener un video club a dos cuadras de tu casa, y que el video club sea cinéfilo-compatible!!


Mi nuevo video club va a ser para mí lo que Championship Vinyl de Alta Fidelidad para los melómanos.

La historia es así: chequeando un video club normal a dos cuadras de mi nueva casa, con poster gigante de Furia de titanes incluido (el poster está en el video club normal, no en mi casa, por favor), y contenta por su cercanía a mi hogar, al salir de él descubro otro inmediatamente al lado. Curiosa por la curiosa ubicación de los dos competidores, entro al segundo video y me encuentro con la sorpresa: La competencia no es tal, porque allí donde en el video club 1 (normal) teníamos Dear John, en el video club 2 (genial) tenemos cantidades de películas independientes, de todas partes del mundo, cine-arte o clásicos. O al menos eso es lo que me pareció en un rápida mirada desesperada hacia las miles de cajitas. ¡ U A U !. Atendido por un señor malhumorado que, mientras leía, no me prestó mucha atención (lo cual alimenta mi fantasía de que es un super cinéfilo que me va a recomendar las mejores películas del universo), resulta un sueño hecho realidad y una promesa para este blog. Tengo agendada entonces una muy pronta vuelta al lugar para chusmearme todo y alquilar las primeras preciosidades. Yeah.


Mi nuevo mejor amigo no se parece a John Cusack.

... Taking Woodstock (2009)


TAKING WOODSTOCK
de Ang Lee; con Demetri Martin y Emile Hirsch.
http://www.imdb.com/title/tt1127896/
[Bajada de internet]

Esta es una película chica de Ang Lee (director ecléctico si los hay, ¿cómo unir esto con El tigre y el dragón, o con Sensatez y sentimientos?), basada más que nada en el personaje (no sé cuán realista) de uno de los habitantes del pueblo donde se hizo el mítico festival de Woodstock -y quien aparentemente lo llevó allí- en 1969.
Con una fantástica actuación de tal protagonista (un reprimido simpatiquísimo interpretado por Demetri Martin), y de los secundarios (sobre todo Imelda Staunton; Emile Hirsch respetable haciendo de un loco de la guerra, aunque su personaje no es suficientemente explorado ni explotado), en ese sentido intimista la historia se sobrelleva con mucho entretenimiento; pero cuando el foco se quiere hacer en una época que cuenta por otra parte con tanta significancia, Taking Woodstock se desinfla. Mientras mostraban la muchedumbre drogada, conmovida por el rock y la convocatoria, no podía dejar de pensar que en esos años se vivió tanta agitación intelectual, política, revolucionaria, entre las cuales yo no rescataría esta tan-pseudo revolución del hippismo para vanagloriarla. Que conste que no ataco el fenómeno hippie en sí mismo, sino que en comparación a las transformaciones que se produjeron/podrían haber producido en los '60-'70, un grupo de gente que abandona (algo torpemente) las estructuras que lo aprisionan son una reacción obvia frente a sociedades saturadas, pero con poco vuelo. Como un niño que se quiere escapar de su casa y no tiene a dónde.
Pero volviendo a la película, sí me reí un buen rato y es muy amena de ver, así que tampoco es para despreciarla; repitiendo: funciona como el relato de un despertar individual, con un telón de fondo (Woodstock) que no me animo a llamar "despertar" masivo y que resulta una mera anécdota, no más.

... Hr. Boe & Co.'s Anxiety (2001)


ANXIETY
de Christoffer Boe; con Nikolaj Lie Kaas y Maria Bonnevie.
http://www.imdb.com/title/tt0293263/
-Bajada;
-La vería de nuevo, las veces que hagan falta.

Si ya han entrado a este blog, lo que viene a continuación no es noticia: Me gustan las películas del danés Christoffer Boe y, con pocas excepciones, las de su actor amigo y compatriota Nikolaj Lie Kaas. A los nuevos, pueden leer: Acá, acá y acá.
Anxiety es un cortometraje previo al largo Reconstruction (y aunque bastante diferente, funciona como ensayo a este último), del mismo director (Boe) y con la misma pareja protagonista (Nikolaj + Maria Bonnevie). Permítaseme hacer entonces de esta reseña el homenaje a una de mis películas preferidas, Reconstruction, por lo cual no voy sino a halagar a Anxiety y sus realizadores.



Este es un corto sobre el sufrimiento casi físico que produce la separación entre la persona amada y el símbolo que la envuelve y la transforma en inasequible para el amante. Con puntos similares a Allegro, me gustó incluso más que ésta última.
Algo a relucir desde el comienzo: Como siempre, encontramos en el film esa premisa hermosa de Boe de explicitar el acuerdo entre creador y espectador sobre el mundo al que accede éste último a pedido del primero. También como siempre, se encarga éste de mostrar al amor, o a las relaciones de pareja, como algo terriblemente serio, de importancia preocupante y avasallante, como puede o no que lo sea en zonas más cálidas del planeta. La anxiety (angustia/ansiedad) en el protagonista masculino (Nikolaj) por alcanzar a su amada no es otra cosa que el producto de ese asunto serio, siempre retratado en su rostro. Y en su poderío Boeístico, las escenas hacen que uno se sienta efectivamente en presencia de algo importante, por esas ciudades danesas, con un tapado hasta las rodillas. Incluso sin comprender demasiado: es cierto que Anxiety es de esas películas en que no se entiende nada en particular, pero no importa porque la esencia se capta y el resto son asociaciones secundarias que pueden o no sumar al disfrute (lo cual no quita que me sentaría a interrogar a Boe por un par de horas por cada una de sus películas).
Y finalmente como siempre (excepto quizá Offscreen), aquí presente esa fotografía hermosa que uno se quedaría mirando toda la vida. Fotografía que aunque muchas veces oscura, siempre resulta atractiva y cautiva en los primeros planos de los protagonistas: entre toda esa oscuridad, la cámara sabe dónde encontrarlos. Qué desgracia que jamás he podido ver una peli de Boe en el cine.

... Mammoth (2009)


MAMUT
de Lukas Moodysson; con Gael García Bernal y Michelle Williams.
http://www.imdb.com/title/tt1038043/
-Bajada de internet;
-Es una muy buena película pero tampoco entusiasma verla de nuevo.

Mammoth plantea la problemática del ser humano en un mundo globalizado y capitalista, permitiéndose mediante perspectivas amplias de espacio y de tiempo observar al hombre con frialdad, como una especie singular, probablemente destinada a extinguirse eventualmente. Es así que durante la película se observan minuciosamente los eventos cotidianos de personajes muy disímiles entre sí, ligados por ese anhelo humano de algo que llene la parte vacía con que carga inevitablemente.
Las actuaciones sustentan la credibilidad de este examen a la especie, acompañadas por la fotografía, y el argumento se aleja pocas veces de situaciones creíbles o de diálogos posibles. Más que una película "coral", si bien su historia avanza en líneas paralelas, ésta se parece a un extenso primer plano: retratado ello explícitamente en un par de escenas en un planetario, donde desde la amplitud del universo se encuentra a la tierra como un oasis de vida, los relatos de los personajes son análogamente un enfoque aleatorio sobre oasis-personas ineludiblemente solos.
En un arranque simplista se podría afirmar que el film aborda dicha soledad (en una pareja, en la relación padres-hijos, a nivel laboral) en cuanto condición propia al ser humano por su conciencia, y exacerbada por el capitalismo posmoderno; pero como yo lo veo parece más un ensayo sobre la naturaleza de ese aislamiento modelo siglo XXI, una especie de descripción de los caminos por los cuales se empuja sin éxito en la vida para salir del oasis propio. No hace ni falta decir que ese empuje es con pocas excepciones infructuoso, y Mammoth tampoco se esfuerza en negarlo; es allí donde tal vez le falta algo a la película como obra de arte, o a sus realizadores: el romper con esos esquemas que niegan la comunicación y proponer una vía -cualquiera sea-, que más que esperanza le muestre al espectador que hay un artista detrás de la pantalla, capaz de elevarse sobre un mero -aunque válido- retrato y de alcanzar la creación.

... Looking for Eric (2009)


BUSCANDO A ERIC

de Ken Loach; con Steve Evets y Eric Cantona.
http://www.imdb.com/title/tt1242545/
-Bajada de internet;
-La vería de nuevo.

Embarcada en el universo agridulce, tierno y aguerrido de Ken Loach, del que hace poco les he hablado, era hora para mí de salir en busca de Eric. Esta búsqueda es la un hombre sufrido, un trabajador (Eric, cartero) como cualquier otro, que se encuentra en un estanque de su vida; listo para despegar de él con la ayuda de algunos amigos. Y lo simpático de la película es que entre esos amigos se encuentra una especie de alterego para el cartero Eric, su ídolo Eric Cantona. Este futbolista francés parece ser tan querido por los ingleses como Maradona por nosotros, y es ese estrecho vínculo entre la estrella y su público, entre el hincha y el jugador, el que integrado en la película muestra lo más simple del ser humano y sus afectos.
Más que bien actúa Steve Evets (Eric-cartero), con una fragilidad que empatiza a cualquier público, y acompañado de amigos en la ficción igualmente carismáticos. Leí por ahí, en una entrevista a Loach, que la primera escena en que a Eric-cartero se le aparece su ídolo en persona, tuvo su dosis de realidad: el actor Evets no sabía que Eric Cantona participaría en la película y se las ingeniaron para filmar su auténtica reacción de sorpresa ante la aparición de la estrella del futbol.
Aunque Buscando a Eric tiene un número de escenas super graciosas, es difícil catalogarla como comedia por el peso dramático que tiene la cotidianeidad de este cartero desorientado; pero es tal la ligereza que nos deja en el alma cuando terminamos de verla, que no admite dudas para considerarla como una comedia sobre la tragedia de la vida. (Carol Burnett dijo que la comedia = tragedia + tiempo, siendo reemplazable aquí el tiempo por algo de perspectiva, que es lo que Cantona, a mi parecer, aporta al Eric-cartero. O bien como dijo Aldous Huxley: "En la tragedia participamos, en la comedia observamos"; nuevamente Cantona desde su poster aporta otra perspectiva. Éste se hizo un paréntesis muy largo.)

Hoy ha salido un post enrededado. No se pierdan en él y mejor vayan a ver Buscando a Eric, que además del talentazo de Loach, tiene toda la simpleza que hoy le faltaron a mis palabras.

... Carlos (2010)


CARLOS
de Olivier Assayas; con Edgar Ramírez.
http://www.imdb.com/title/tt1321865/
-Bajada de internet.
-La vería de nuevo.

Ayer comenzó la proyección privada (o sea, en mi casa) de la miniserie Carlos, la cual finalmente conseguí (!), y que esperaba desde el año pasado.


EPISODIO 1
http://www.imdb.com/title/tt1672282/

Miércoles 25: Por ahora he visto el primer episodio, con mucho ritmo, cuenta el comienzo de las acciones "terroristas" de Ilich Ramírez en Francia, como parte del Frente Popular para la Liberación de Palestina, aunque con su propio bagaje de lucha. Me gusta de esta primera parte que no se preocupa en entretener, simplemente entretiene mediante un clima denso de eventos y, sobre todo, diálogos con mucha carga. (Increíble que ésto sea fruto del mismo Assayas que el de L'heure d'été, tan simbólica y lenta.)
Édgar Ramírez arranca muy verosímil como el chacal, con un discurso creíble y una expresión que todavía no alcanza a explicar por completo la naturaleza de este revolucionario tan seguro de sí mismo, con ideas claras, pasión y frialdad. Supongo que eso estará por venir.
Otra cosa notable es cómo la época está retratada con esa atmósfera única de los '70, envuelta del clima internacionalista de los movimientos revolucionarios y mostrando latinos, árabes, orientales y cientos de idiomas en el corazón de Europa.
Esta noche se viene el segundo episodio, que promete mucha acción en Viena y al servicio de Saddam, con un Carlos super canchero con su boina.


EPISODIO 2
http://www.imdb.com/title/tt1672283/

Jueves 26: En la segunda parte se nota un poco más la mano de Assayas, porque eso mismo que yo mencionaba como "no preocuparse por entretrener" es una especie de narración al parecer propia de este director, donde muestra y muestra situaciones, casi a modo puramente descriptivo, y uno se siente observando desde afuera una realidad.
En cuanto al personaje de Carlos, se empieza a vislumbrar un poco más esa antítesis entre el hombre de ideas (representado por otro personaje, Angie), y el terrorista famoso (Carlos), figura mediática con ganancias millonarias, y líder: una antítesis poblada de contradicciones y reflexiones sobre lo que realmente significa hacer una revolución. La lucha anti-imperialista suscita aquí otros imperios, en los que los gobiernos entretejen sus intereses y logran que se diluya la lucha del pueblo entre otras luchas de poder.
Entiendo que al verdadero Ilich no le gustó ni medio cómo quedó retratado en esta ficción, y comprendo que sea así, sobre todo por lo que se parece avecinar en la última parte: un Carlos al servicio de diferentes intereses políticos, pagado por entidades revolucionarias y cada vez más creído de su poderío; también entiendo que el verdadero compromiso con la causa o la problemática de Ilich como persona jamás podrá ser conocida íntegramente, así que sólo nos queda verlo como el personaje que nos decidió contar Assayas.
A excepción de la casi primera hora del Episodio 2, creo que me gustó más la primera parte.


EPISODIO 3
http://www.imdb.com/title/tt1672284/

Sábado 28:
Bueno, con todo Carlos procesado, ahora me veo en problemas de sintetizar la tercera parte, y la "película" en su totalidad. Sabrán perdonar que no esté a la altura de las circunstancias. Algunos comentarios, entonces:
Este episodio es aisladamente muy bueno (es importante que una vez vistos los tres episodios se hace evidente su homogeneidad y ya no es posible compararlos entre sí, sin dudas se trata de una película -muy larga, pero no de una serie-), y no destroza tanto la imagen del incansable Carlos como yo esperaba. A pesar de su eterna huida, su machismo, despotismo y actitud omnipotente, a través de todo ello se mantiene la intención de un cambio hacia afuera, del mundo. Algo de eso menciona el actor Edgar Ramírez en esta corta entrevista (en francés, je suis desolée), donde afirma que en su personaje coexistían equilibradamente una obsesión narcicista por lograr su lugar en la historia, con sus ideales y su voluntad de cambiar el mundo.
Más que eso no puedo resumirles el film: las circunstancias históricas son sumamente interesantes y justifican la mitad de ver la película, siendo la otra mitad la cuestión de replantearse una vez más cuál es el rol de cada uno frente a los imperios que dominan el mundo.

... The road (2009)


LA CARRETERA
de John Hillcoat, basada en la novela de Cormac McCarthy; con Viggo Mortensen.
http://www.imdb.com/title/tt0898367/
-Alquilada en dvd.
-Da para ver de nuevo (no pronto).

The road es la aclamada novela de Cormac McCarthy (también el escritor de No country for old men), publicada en el 2006, y que encuentra su forma fílmica en este largometraje de lo más intenso y desgarrador. Su director es el australiano John Hillcoat (¿o es el observador de Fringe?), quien se destaca en un relato visceral sobre la odisea de un padre y un hijo -sin nombres, como el resto de los personajes- en un mundo devastado.
Respetando la premisa de la novela, el estado apocalíptico del entorno no se explica, sino que sólo sirve como escenario para la lucha del hombre y del niño contra la muerte, contra la entrega al estado animal que implica no mantener el "fuego interior" (como bellamente se bautiza en la película); lucha que no es otra cosa que elegir la vida, en ése o cualquier entorno menos hostil.
La dinámica entre los personajes principales celebra esa continuidad de la vida y la intención necesaria para seguir en el camino, aún sin esperanzas claras o destinos predeterminados. Con actuaciones sensibles y emocionantes, tanto Viggo Mortensen (el padre) como el pequeño australiano Kodi Smith-McPhee (el hijo) alcanzan aquella fibra especial que remite a la esencia del ser humano, y que convierte a The road en una muy buena película.
Éste es un film visualmente diferente, con un clima muy propio y poblado de sensaciones ni tan ajenas ni tan inimaginables, aunque retraten la devastación total. Porque el viaje de los protagonistas no es otro que la empresa de vivir, y denota la dificultad intrínseca de no sólo no estar muerto, sino de ser una persona mientras tanto. Y para eso no hay descanso: En un mundo azotado y gris, la pesadilla es soñar con lo fácil o la felicidad (expresado por los sueños en colores, en el film); es decir, con cualquier cosa que no sea la lucha diaria por mantener el fuego.



Nota: Aquí un diario de rodaje del director.