Hoy vi...

... A dangerous method (2011)

2012-01-24T07:32:00.004+01:00

UN MÉTODO PELIGROSO - de David Cronenberg
con Michael Fassbender, Keira Knightley y Viggo Mortensen
http://www.imdb.com/title/tt1571222

A dangerous method es una especie de pequeño ensayo explicativo/demostrativo sobre el psicoanálisis y sus pioneros para el público no familiar con la teoría, pero creo que funciona también para los expertos porque cuenta con cierta sensibilidad humana alumbrando el recorrido de estos hombres de ciencia (Jung y Spielrein, sobre todo).

Yo me imaginaba algo más oscuro o intrincado, pero se trata de un desarrollo simple sobre la búsqueda de conocimiento y las limitaciones personales o del entorno a ese respecto. Como film de Cronenberg es casi irreconocible, y sin embargo mantiene una tensión increíble durante escenas de puro diálogo, algo que sin dudas este director maneja a la perfección.

Entre lo más publicitado de esta película tal vez se encontraba la participación de Viggo Mortensen como Freud, y sin embargo su rol es más bien un elemento necesario para contar la historia, sin resaltar y sin que la actuación de Mortensen afecte en mucho el resto del largometraje. En cambio, el protagonista, Michael Fassbender en el papel de Jung, cumple una tarea honorable con su rostro inexpresivo y dando la impresión de contener un millón de ideas y sensaciones en su pose indefinida. Pero es sin embargo la participación de Keira Knightley lo que hace que el conjunto del film sea memorable, porque aporta la intensidad requerida en su personaje y entrega una interpretación única. Me cuesta prodigarle tantos halagos porque jamás ha sido actriz de mi preferencia, pero aún con mi reticencia habitual durante el comienzo, la inglesita me terminó ganando.
Una obra cuidada, un ejemplo de cine minimalista y bien hecho; construida en base a los diálogos entre dos personajes (no puedo recordar una sola escena con tres personas hablando entre ellas), y a mi parecer rica para encontrarle detalles en una reflexión posterior. Muy recomendable.

... También la lluvia (2010)

2011-12-20T16:05:00.005+01:00

TAMBIÉN LA LLUVIA - de Icíar Bollaín

con Gael García Bernal y Luis Tosar

http://www.imdb.com/title/tt1422032/

[alquilada en dvd]

También la lluvia es una muy buena película que creo puede gustar a un público amplio. Está hilada con la simplicidad usual de Paul Laverty (guionista regular en los films de Ken Loach), quien nos cuenta la historia de un equipo español de filmación que se instala en Cochabamba (Bolivia), para hacer una película sobre la conquista de América.

Me gustó que sobre una base simple, en la cual se muestran las similitudes entre aquellos nada bienvenidos visitantes hispánicos y el actual equipo extranjero de filmación, se transmitieran también otros elementos más sutiles, como por ejemplo el rol del artista como denunciante social. Sin profundizar demasiado en ello, la elección de los personajes (y las consiguientes buenas actuaciones de la mayoría) permite dibujar en cada uno diferentes maneras de lidiar con las implicancias políticas de la tarea artística.

También rondando en el aire está el planteo de hasta dónde y cómo puede participar un "extranjero" en la problemática de la comunidad que visita. Por más comprometido que éste se encuentre, lo ajeno de la causa pone un límite y obliga al visitante a dar de sí solamente hasta cierto punto, y a un nivel más bien compasivo y humano. Nadie puede instalarse en terreno foráneo y enarbolarse con banderas que no le pertenecen, pero sí puede acompañar a quienes allí lo hacen, y tal vez aportar una mirada externa de apoyo.

Al margen de estas elucubraciones demasiado vuelteras para el tono simple y afectivo de la película, También la lluvia es fresca, con justas pretensiones, y calma la sed de cine humano que venía teniendo. Un film sencillo y grande, para latinoamericanos o extranjeros, visitantes o conquistados.

... Or noir (2011)

2011-11-09T21:53:00.020+01:00

ORO NEGRO - de Jean-Jacques Annaud
con Tahar Rahim
http://www.imdb.com/title/tt1701210/
[avant-première en Roubaix]

Emerjo de las cenizas, en parte inspirada por muchos de sus lindos comentarios sobre el blog, para tratar de retomar este espacio. Y lo que hoy les voy a contar es sólo cinéfilo en lo anecdótico, pero más que otra cosa es una reafirmación de las fuerzas internas y externas que realmente ordenan este mundo, invisibles y simpáticas (a veces).

Venía yo con algunas semanas medio duras de sobrellevar, de ésas que nos hacen replantear si las cosas están bien como las hacemos y si hay algo para decidir o si simplemente la molestia es reflejo del destino. Como el mejor remedio a todo suele ser una película, tenía programado ir a la avant-première de Oro Negro en un cine relativamente cercano, porque se presentaba imperdible. La figura: Jean-Jacques Annaud. Hombre que me ha conmovido de formas tan diferentes a lo largo de mi vida, con El Oso, Enemigo al acecho, y hasta con la criticada Siete años en el Tibet que a mí me gustó tanto, se merecía verlo presentar esta nueva obra.

En un estado para nada eufórico debido a mis conflictos del alma, llegué al cine como a una especie de visita médica para recibir el toque mágico del arte, que todo lo ilumina. Una vez adentro, me encuentro con más gente de la que yo esperaba y un "boletero" que pone cara de asunto serio: -No hay más entradas.

Por dentro sentí salir una especie de puteada ligera debido al no tan corto viaje que me hice hasta el cine, con el cansancio y la conflictiva, y sobre todo por la pérdida del medicamento que iba a sanar mis males. Sin embargo, también estaba en ese estado donde qué más da, y en respuesta rápida de quien se siente rechazado, pegué la vuelta sin protestar ni un poquito.

Cuando estoy acercándome a la puerta para salir del cine, ya enfurruñándome en mis pensamientos dramáticos otra vez, aparece cierto señor canoso en la entrada, rodeado de una comitiva aduladora, y mientras me doy cuenta de quién se trata, Mr. Annaud comienza a avanzar en mi dirección, pasando a mi lado y mirándome sin mucho interés.

Si uno va a la avant-première de la película de alguien y en un intento por irse se topa con ese alguien, hay algo que no cierra en la partida. Con una nueva motivación, enardecida por el reciente encuentro cholulo, me vi a mí misma avanzar determinada hacia el "boletero" (llamémoslo B), y reclamarle un lugar para la cinéfila sufriente (yo). B se asombró por mi regreso y me dijo que si bien no había más entradas, cierta gente no había venido, de modo que lugares libres efectivamente había.

Acá quiero hacer una pausa para enfocar esto, que no es más que una anécdota tonta, como me gustaría que lo vean: Lo que busco resaltar es que en algún punto antes de ir a ver la película, yo había decidido que tenía que salirme de lo cotidiano aunque no tuviera tiempo para hacerlo, en pos de ganar perspectiva: el método parecía un poco simplón, pero fue un movimiento reflejo hacia un lugar -el cine- que siempre se encarga de darme satisfacciones. Esa decisión tomada en no sé qué momento, ordena todo el resto. Yo ni siquiera me sentía con ganas de ir, no estaba entusiasmada, no me importaba que no hubiera lugar. Pero la decisión, de esas cosas no se entera:

Parada en un rincón, presintiendo que la cosa se estaba por poner divertida, me dediqué a esperar a B que iba a por noticias sobre los prometidos lugares desocupados. B vuelve con cara de satisfacción: -Hay lugares, pero son para estas señoras que (por un motivo no declarado al público plebeyo) tienen prioridad-. Miro a mi derecha: tres ricachonas señoras, aparecidas de no sé dónde y con sonrisa de estar en su derecho, se aprestaban a recibir sus entradas. Lanzo a B una mirada amenazante, pero él se excusa rápido y me intenta despachar.

A esta altura había aprendido que eso de irse no venía al caso esta noche, de modo que mientras las viejas-primera-clase pasaban a mi lado, volví a mi rincón de espera. (He ahí la clave de la vida: paciencia.)

Después de un tiempo prudencial, veo a tres chicas hablando con B acerca de posibles lugares libres de gente que tampoco llegaba, y me apresuro a sumármeles. B va a ir nuevamente a chequear (la sala estaba en un primer piso, así que mis aplausos a B por subir y bajar tantas veces por estos clientes hinchapelotas) y las chicas y yo esperamos impacientes. Antes de irse, B pasa a un lado mío y me dice: -Si hubiera lugar, las chicas tienen prioridad-. Yo le digo sí con la cabeza, maldiciendo por dentro a todas las prioridades del mundo, pero con certeza de que esa noche no tenía más que hacer que estar ahí, esperando.

Al regreso de B, y mientras intercambiábamos lo que yo creía eran sonrisas cinéfilas con el grupito de tres chicas que aguardaban conmigo su entrada, lo escucho decir agitado que efectivamente los últimos lugares libres existían, eran tres y estaban disponibles para ellas. Mi sonrisa cómplice hacia las chicas se transformó en diabólica, pero esto no acababa, y me quedé atrás observándolas recibir sus boletos. Una de ellas reclama: -¡Pero no están juntos los asientos, nosotras queremos sentarnos juntas!- Mientras yo pensaba a qué clase de espectador le puede importar esa minucia, pude ver cómo B dirigía su mirada con poderío boletero hacia mí, sabiendo sin dudas el final de esta historia: -¿Entonces no las quieren?- les dijo, mientras ellas ya se iban, dejando atrás su inexistente fanatismo por Annaud.

Yo emerjo desde el fondo, me acerco a B y le pido por última vez una entrada para mí. -Tuvo suerte- me dice -¡Hizo bien en quedarse todo este tiempo esperando!- un poco asombrado de que, o bien me importara tanto una avant-première o tal vez tuviera habilidades clarividentes.

En cuanto me acompaña por la escalera que tanto subió y bajó esa noche, B (que ya me había tomado cariño a estas alturas) advierte que mi lugar es en primera fila, es decir que mi cuello iba a tener que doblarse demasiados grados hacia atrás para disfrutar la peli. Contenta por lo logrado, poco importaba mi cuello, y en despedida le agradecí con sinceridad a B.

Cuando entro a la sala, descubro las últimas sorpresas de la noche: que el espacio entre la pantalla y la primera fila era ese perfecto que siempre busco en un cine normal, y que allí a dos metros de donde yo me estaba sentando, Jean-Jacques Annaud estaba empezando a hablar sobre sus aventuras filmando esta película y sobre los ojos de Tahar Rahim.

Mientras lo escuchaba hablar, me encontré tratando de abarcar todos los pedazos que se estaban juntando esa noche: la niña de 5 años que era yo, llorando en una sala de cine cuando veía El Oso, con la que más grande se enamoraba de un Jude Law francotirador, y la que llegó hasta Francia en parte impulsada por tanto cine; también con esa yo última que hacía un ratito se sentía tan mal y que sin hacer nada logró meterse a la sala, y conocer al director de tantas horas mágicas de su juventud. No es que las palabras de Annaud fueran tan aburridas, pero no podía dejar de pensar en que uno es tantas cosas al mismo tiempo, uno es todos los que fue y el que es ahora, pero también ahora es múltiple: es aquél que está impaciente y esa otra parte sabia que espera. A la que no le importan los motivos por los que espera, pero que se queda parada con paciencia y sabiduría, conociendo los engranajes de las cosas, que frente a una decisión bien tomada, se pliegan y ordenan para que todo salga como tiene que salir.

Perdida entre una sensación de atemporalidad potenciada por las circunstancias y por la historia super cinematográfica de Oro negro, disfruté después de todo de un muy respetable film. Una película de aventuras honesta y clásica, "de las de antes", hermoseada, claro, por los ojos de Tahar Rahim.

... Melancholia (2011)

2011-08-17T14:29:00.007+02:00

MELANCOLIA - de Lars von Trier

con Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg.

http://www.imdb.com/title/tt1527186/

[En UGC Ciné Cité Lille]

Podría hacerme la vida más fácil y no comentarles que fui a ver Melancholia, porque tengo miedo a lo que pueda salir de esta reseña. Sin embargo, y un poco para sacarme de encima la nube pesada que me dejó verla, voy a ver si puedo darle una vuelta para que tenga algún sentido.

Punto uno: Película loca, sin dudas. Desde el arranque nomás se permite sumergirnos sin introducción en el planeta espantoso y desolado de la depresión de Justine, el personaje de Kirsten Dunst. Después se mantiene con bastante "lógica" y argumento lineal, pero un ambiente de irracionalidad rodea todo el film. Éste está hecho -sin embargo- de forma más estructurada de lo que pensaba (más incluso que The tree of life, por ejemplo), en dos partes que permiten dos análisis separados:

Punto dos: El primer segmento, desde el punto de vista de Justine, nos presenta y envuelve en su visión angustiosa de la vida. En principio más sutil, y luego ya como una enfermedad, su depresión me produjo empatía por un corto rato y después me puso a pensar en el límite que existe entre la angustia existencial y la sintomática, por ponerle algún nombre. Quiero decir: frente a los eventos frívolos que rodean al personaje, su apatía es casi razonable y no cuesta mucho comprendrer su impresión de sinsentido de todo. A medida que avanzaba esta primera parte la película, pensaba yo que hay un límite donde -a pesar del sinsentido-, la incapacidad de transformar lo voluble de la realidad en algo alegre o positivo es una deformación. O sea, así como las cosas no tienen una naturaleza "buena" o "mala" per se, y un depresivo (al descubrir ésto) no puede encontrar nada de qué agarrarse, su capacidad de despegarse del entorno -si fuera sana- debería permitirle también reinventarlo para su disfrute.

Punto tres: El segundo segmento se ve desde los ojos de la hermana de Justine, Claire (Charlotte Gainsbourg con su aburrida actuación), quien durante la primera parte luchaba por ingresarla en las formalidades de la vida en sociedad, y aquí nos muestra su propio aislamiento. Toda esta parte está muy bien hecha, sobre todo en cuanto se va reflejando cómo su intolerancia a ingresar al mundo de la "melancolía" (hay toda una metáfora planetaria al respecto que no vale les comente) es una resistencia inútil a aceptarse en el mismo lugar que su hermana. Y también, que la convierte en alguien no preparado a la transformación final de descubrirse allí en la angustia, para ir hacia quién sabe dónde.

Me debo haber perdido miles de símbolos, pero el principal (el de los planetas y demás) me gusta tomarlo a mi manera, como acabo de decir: el final no tiene por qué ser tan simple como parece, y al fin y al cabo toda la película puede interpretarse como una reivindicación de la melancolía en cuanto modo de desapego. No porque sea necesario reinvindicarla, sino porque en tiempos de crisis no sirve mantenerse apegado a viejas estructuras, ni dejar de descubrir universos nuevos que nos puedan rescatar de este otro que ya explota.

Mi veredicto final: un poco snob, pero interesante.

... dos avant-premières a esperar!

2011-08-14T09:07:00.000+02:00

Noticias emocionantes para mí:

El nuevo film de Christophe Honoré, Les bien-aimés, a estrenarse el 24 de agosto en Francia, podrá ser visto (por mí!) en avant-première el próximo 23. No es que un día haga la diferencia, el factor emocionante en este caso es que será la primera vez que veré a don Louis Garrel en pantalla grande. La película: Un musical, con los actores de siempre de Honoré, pinta bien.

La que sí llegará mucho antes de su estreno oficial es la nueva obra de la todopoderosa Julie Delpy (como en las suyas anteriores, escribe, dirige y actúa): Le Skylab, que sale oficialmente en Francia el 5 de octubre, pero podré verla durante la semana del 11 al 18 de septiembre.

¿La razón del adelanto? Un festival que me tiene entusiasmada, el cual aportará muchas avant-premières prometedoras y al parecer participación de los realizadores: El CINESUN, que se viene para los que estamos al norte.

¡A esperar con impaciencia!

... Bridesmaids (2011)

2011-08-12T00:07:00.005+02:00

Ayer fui a ver la comedia Bridesmaids con (y escrita por) la simpatiquísima Kristen Wiig de Saturday Night Live, y resultó realmente divertida! Difícil reírse un rato con el humor yanqui, así que la rescato. Tal vez tiene algo que ver mi deleite con lo bien que me cae Kristen en sus sketch de SNL, pero cómo no quererla:

Perdón por los videos en inglés, de cualquier forma el humor es intraducible!

... Pieds nus sur les limaces (2010)

2011-07-16T15:08:00.005+02:00

PIES DESCALZOS SOBRE LAS BABOSAS - de Fabienne Berthaud

con Ludivine Sagnier y Diane Kruger.

http://www.imdb.com/title/tt1576450/

[Alquilada en dvd]

A los queridos esperanzados en que volviera a escribir algo, acá va un intento de retomar las reseñas, con todo el temor de tener la máquina herrumbrada:

Pieds nus... es una simplísima película sobre la familia, yo creo; sobre la verdadera comunión que existe con aquél que le permite a uno ser a sus anchas en compañía. Diane Kruger interpreta a la esforzada hermana mayor de una Ludivine Sagnier un tanto retrasada intelectualmente, salvaje y afectiva. El reencuentro entre las dos despierta en la mayor toda su naturaleza dormida y le hace replantear su realidad presente, entre otras cosas su matrimonio, amargado y establecido.

En un principio Diane no me resultó nada convincente en su sufrimiento, pero progresivamente el rostro impasible de la alemana se nota acertado, y se va transformando en la medida en que lo hace su personaje. Lo mismo con Ludivine, quien parece a fin de cuentas repetir lo mismo de siempre, pero muestra un arrojo mayor que otras veces en su actuación, y me termina convenciendo.

Sin desligarse del tema "familia", y justamente asociado a ella, otro lindo ángulo de la peli es aquél que se enfoca sobre la parte más animal de las personas, en un sentido delicado: con hermosísima fotografía se muestra el contacto del ser humano con la tierra, el sol y sus colores; se refleja perfectamente la sensación de expansión que se experimenta al tolerar el contacto con lo salvaje (a eso va apuntado, supongo, el título del film), y lo que significa realmente disfrutar las cosas. Combinando ambos tópicos, entonces, mi impresión general fue que la película hace una afirmación sobre que la verdadera familia la constituye quien nos permite experimentar el contacto con el otro y con el mundo a un nivel más primitivo y real.

En el aspecto argumental el asunto no es impecable (tal vez los personajes, y sobre todo los diálogos, no terminan de ser realistas), pero el enfoque bastante honesto de la directora y las interpretaciones hacen que la idea principal surta efecto... Que uno extrañe esos momentos que casi todos vivimos en la infancia, de chivateo entre los yuyos durante tardes de meriendas y de flores, quizá con algún hermano que reía al mismo tiempo que nosotros.

Retomar esa risa será el anhelo de muchos (para algunos no necesariamente recreando las circunstancias sino también recuperando la capacidad de reír como antes), y en estos tiempos también el mío. Dedicado va entonces, todo esto, a mi hermana y su compañía bajo el sol.

... Midnight in Paris (2011)

2011-06-11T12:10:00.006+02:00

MEDIANOCHE EN PARIS - de Woody Allen
con Owen Wilson, Rachel McAdams y Marion Cotillard.
http://www.imdb.com/title/tt1605783/
[En Le Majestic Lille]

Cerrando la trilogía de películas del último Cannes que he visto por estos tiempos (ojalá pueda ver algunas más), tuve el agrado de encontrarme con esta simpática película romántica (porque sin duda otro género no le cabe mejor) de Woody Allen, que tiene mucho de comedia y una ligereza siempre bienvenida.
Midnight in Paris cuenta la historia de un hombre sencillo que, como muchos otros, tiene sus esperanzas puestas en lo inalcanzable (París, el romanticismo, épocas pasadas) e intenta evadirse de su entorno banal-americano. Si bien el mensaje que encierra es claro y repetido hasta el cansancio durante la película: "no todo tiempo pasado fue mejor, el presente es la tierra de las posibilidades", la idea que a mí me gustó ver dibujada en el film fue la del significado de una pareja. Pareja es aquella que comparte el camino, el paisaje: Nuestro protagonista se siente separado de su futura esposa (norteamericana como él) por sus anhelos divergentes, y esto se traduce en que cada uno termine viendo realidades separadas en una misma Paris. Entonces la simpleza de la narración consiste en seguir paso a paso la reconciliación de este hombre pseudo-romántico con su entorno y su concepción de la pareja, hasta ese punto de equilibrio donde no hace falta escaparse de lo prosaico, pero tampoco renunciar a lo mágico.

El humor típico de Woody Allen está presente, y si bien arranca un poco flojo, se va remontando hacia la mitad de la película y tiene pasajes super graciosos. Entre ellos, la breve aparición de Adrien Brody, quien nunca me gustó como actor y encima tiene aquí el nada fácil rol de Dalí; sin embargo, sale airoso del desafío (hay que verlo). También tiene varios personajes muy bien armados (los suegros, entre ellos), otros no tanto (lo de Carla Bruni es completamente soso), y la mayoría funciona con lo suficiente (Wilson, Cotillard, McAdams).

En fin, tengo que admitir que quizá gran parte de mi agrado hacia este film puede venir de la desilusión que me trajo el viejo Woody con su Conocerás al hombre de tus sueños, la última suya que vi, y que me resultó aburrida, chata y sin sentido. Con tremenda preparación, fui casi resignada a la sala y me sorprendí en cambio con pura simpatía. Insisto: no encontrarán aquí una gran película (tal vez la última que Allen hizo así fue Match Point) pero es inmensamente disfrutable, por eso la vería de nuevo.

... The tree of life (2011)

2011-06-04T12:28:00.005+02:00

EL ARBOL DE LA VIDA - de Terrence Malick

con Brad Pitt, Jessica Chastain y Sean Penn.

http://www.imdb.com/title/tt0478304/

[En UGC Ciné Cité Lille]

Uno de los principales desafíos de quienes hacen cine es lograr que el espectador ingrese, sin darse cuenta, al espacio que le presentan con su película. En ese sentido, por más talentoso que sea un director, siempre es necesario un mínimo de consentimiento por parte de la audiencia para entrar a ese lugar desconocido, con reglas propias, que de antemano le es ajeno. Todo esto viene a que, durante la proyección de El árbol de la vida, mucha gente de la sala que la veía conmigo empezaba a quejarse, comentar o reírse de todos los elementos atípicos que hacen de este film lo que es. Sin duda, esto sucede porque la gran mayoría va esperando determinada cosa de la pantalla, lo que me hace preguntar entonces para qué ir a ver una película nueva, si se busca algo conocido. Porque El árbol de la vida, como toda gran película, tiene un universo propio con una intensidad muy particular, que no recuerdo haber encontrado en ninguna otra (de mis preferidas o no). Sí, tiene varios agregados desconcertantes, pero completamente lógicos en el conjunto, y a lo sumo pueden dejar alguna que otra pregunta dando vueltas, lo cual la vuelve más sugerente.

Sumada a la poca disposición de la gente a un formato no muy convencional, creo que un factor importante para el disgusto de buena parte del público es la intolerancia al tipo de sensaciones que remite esta historia trascendental, que se encarga de retratar -en una de las formas más puras que he visto- la esencia misma de la vida. Es que Terrence Malick ha conseguido aquí mostrar todo aquello que es hermoso en esta tierra, todo lo que late y lo que brilla, los colores, los aromas, los detalles y, con destreza, las sensaciones que todos ellos producen a su contacto. Se trata de una experiencia completamente sensorial dosificada en escenas tremendamente identificables en nuestra historia personal, que nos hacen rebrotar la percepción de esos momentos, y parecen cuestionarnos en presente cuándo perdió uno la sensibilidad necesaria para registrar tanta exhuberancia que nos rodea. Con mano delicadísima e increíble sentido estético, Malick demuestra haber coleccionado un esplendoroso ramo de situaciones e impresiones, en secuencias de profunda y entera belleza. Y no es éste sólo un despliegue de la belleza de lo agradable, también -y sobre todo- la belleza de la angustia, de la inmensidad, la del dolor.

El argumento central -un hilo fuerte, por momentos invisible ante tanta fastuosidad cinematográfica- narra el porvenir de una familia, entre sus vínculos y sus pérdidas, moviéndose en el tiempo y focalizándose sólo en eventos aislados, de importancia emocional más que otra cosa. Sumamente resaltables aquí (Brad Pitt, no tanto) Jessica Chastain como la madre, una especie de ángel de la tierra, expresívisima y hermosa; e igualmente el niño-actor Hunter McCracken (una mezcla entre el protagonista de ET y Emile Hirsch), quien tiene como contraparte adulta un Sean Penn haciendo gestos conocidos, en una de las secciones más flojas de la película.
Hay mucho de original en cuanto al tratamiento de la historia: Aunque sabemos que determinadas circunstancias les pasan a los personajes, y la narración pareciera avanzar, también se nos destaca que en un plano más general todo se vuelve anecdótico, y que lo que subsiste son las secuelas perceptivas de los eventos. Que el tiempo del universo es otro, y que nuestra vida es un corto destello del cual podemos atrapar tantas luces como queramos. Esa es, para mí, una hazaña a nivel fílmico: manifestar el sinsentido y la plasticidad de las formas, y sin embargo mediante ellas transmitir lo que se desea; explotar al máximo la potencia visual y auditiva, y la del campo de las ideas, para trascender libre a través de ellas. (Creo que no me quedan ya más halagos para esta película.)

Si bien la presente reseña me tomó más tiempo del que hubiera querido, lo cierto es que la postergué porque por mucho que quisiera hablar al respecto de El árbol de la vida, se trata de las veces en que no hay grandes aportes para hacer sobre un film y su estupendo poder artístico se manifiesta sólo viéndolo con los sentidos despejados. Y en esta línea de ideas, elegirles un par de imágenes para ilustrar el comentario resulta una de las tareas más ridículas que puede emprenderse: Si yo antes había mencionado los hermosísimos planos de Le gamin au vélo, aquí me quedo corta para explicarles o mostrarles lo que se puede hacer con una cámara y el conocimiento sobre su entorno que parece tener Malick.

En síntesis, y para no prolongar algo que no necesita de más vueltas o explicaciones, es ésta una de las películas que más me ha impactado en todas (pero todas) mis idas al cine, y considero una muestra de valentía lo que ha hecho su director al armarla. Porque pueden interpretársele aires complicados de snobismo en su originalidad, pero es ella en esencia un producto simple, una muestra de simpatía hacia la vida, envuelta en una afirmación de todo aquello que existe y merece ser celebrado. ¡A no perdérsela en pantalla grande, apenas puedan verla!

... Le gamin au vélo (2011)

2011-05-18T12:09:00.002+02:00


EL CHICO DE LA BICICLETA, de Jean-Pierre y Luc Dardenne con Thomas Doret, Cécile de France y Jérémie Renier http://www.imdb.com/title/tt1827512/ [En UGC ciné cité Lille]

Esto que se viene va a ser una catarata de elogios similar a la que despaché con El silencio de Lorna, cuando les presenté a mis queridos Jean-Pierre y Luc. Pero la razón es que, cuando algo es tan afín a uno, se pierde todo registro de objetividad y escritura crítica: ¡Me encantó esta película! Me encantó en sí misma y todo lo que me hizo sentir, de principio a fin.

Vamos primero a un poco de contexto: Durante tiempos de Cannes en tierras francesas, el cine se pone más barato y traen por acá varias de las películas al día siguiente de ser estrenadas en el festival. Asimismo, a la apertura la pasaron en directo en una sala de cine (no pude ir a verla) junto con el film inaugural; y sin embargo, en este clima más que entusiasmante para mí, la nueva de los Dardenne es lo que me alegraba el alma por estos días pasados, sólo un poco menos que después de verla.

Razones no me faltan: un guión super sólido como siempre, actuaciones sin defectos, el ritmo Dardenniano un poquito más rápido que de costumbre y ahora más colorido. Parece que, según ellos mismos dicen, se sentían un poco más felices cuando filmaron esta última obra. Tal vez es porque nunca había visto nada suyo en cine, pero la selección de los planos me resultó tan pero tan exquisita, que a veces me dibujaba una sonrisa.

La historia es la de un niño abandonado y su lucha, algo así como el triunfo del espíritu y lo soleado de la vida frente a los desvíos y baches del camino. (En particular, el sol aparece acá más que en ningún otro film de los Dardenne, aceptando de alguna forma la naturaleza optimista de este relato.) El niño, su bicicleta y sus múltiples desventuras son retratados con suma simpleza y ternura, exponiéndose a parecer querer comprar la audiencia con el drama, pero en realidad cargando con mucha claridad sobre los vínculos humanos y sobre todo con mucha dulzura. A esa dulzura la potencian enormemente Thomas Doret, como el niño, y Cécile de France, en el rol de la mujer que se hace cargo de él. Esta última no suele aportar mucho más que carisma en otras de sus películas, pero acá reluce definitivamente gracias a una buena elección para el personaje y sobre todo a la dirección; aún así, el mérito central cae en las manos blancas y regordetas de Doret. Dotado de una expresividad enorme en el rostro y capaz de transmitir el sufrimiento con su caminar empecinado, este niñito está a la altura de los otros descubrimientos de los Dardenne y es el corazón completo de la película.

Quiero aclarar, a un margen, que si bien yo insisto con la participación de Jérémie Renier en el film (y espero que se entienda que es en broma), por perfecta que sea en la historia, la de Jérémie es una aparición casi anecdótica, como las de los igualmente Dardennianos Olivier Gourmet y Morgan Marinne. Sólo un guiño a su público fiel, supongo.

La verdad es que en estos últimos posts ya he reflexionado demasiado sobre la vida y sus complicaciones, así que por mucho que Le gamin au vélo dé para adentrarse en estos temas, solamente me voy a referir al talento de sus realizadores para hacer esta reflexión directamente y sin palabras, para evocar con sus escenas tanta emoción de forma tan sencilla. Porque si hay algo que emociona es eso, constatar que nuestra felicidad es tan simple como un paseo en bicicleta durante una tarde soleada, aunque a veces necesitemos complicarnos intentando sostenerla con palabras.

Aquí el trío de talentos en el Festival: los Dardenne con Duret. No sé cuántas probabilidades hay de que alguno de ellos gane en Cannes, pero lo tendrían más que merecido.

... un pedacito de Cannes

2011-05-16T18:06:00.000+02:00

Cannes me queda un poco más cerca este año, pero continúa lejos. Eso no quita que en un rato nomás me voy a ver la recién estrenada en el festival Le gamin au vélo (El chico de la bicicleta), de los Dardenne. Queriéndolos tanto a estos directores y siendo la primera película suya que veo en cine, cómo no compartir acá mi alegría anticipada, antes de irme al encuentro de Jérémie más contenta que chico con bici nueva.

... La nostra vita (2010)

2011-04-25T00:05:00.002+02:00

NUESTRA VIDA - de Daniele Luchetti;

con Elio Germano, Raoul Bova e Isabella Ragonese.

http://www.imdb.com/title/tt1509636/

[En Cinéma Métropole Lille]

La única idea fuerte que me quedó de La nostra vita es acerca de la igualdad que tenemos todos frente a los golpes que la realidad nos da para llamarnos, o más bien en cuanto a los momentos de comprensión de cómo son las cosas gracias a esos golpes de realidad. Quiero decir, no es que alguien menos reflexivo no entienda por momentos el sentido exacto de estar vivo, tanto o más que alguien dedicado a pensar sobre su existencia. El problema suele estar a veces en procesar eso en algo material, artístico o intelectual, o en simple trabajo sobre sí mismo. Entonces, si bien todos somos exactamente iguales en cuanto a número de comprensiones, no parece alcanzar con el "ver todo desde otro lado" que nos regalan los momentos claves de la vida, porque aquello equivale a una iluminación efímera que a fin de cuentas no transforma. Falta un paso posterior que Nabokov llamaría vdokhnovenie o el segundo tiempo de la inspiración, donde se requiere una atención sostenida para trasladar lo comprendido a cualquier idea o producto (para Nabokov, a una obra literaria) que sobreviva a la fugaz inspiración del entendimiento.

Todo esto viene a que el protagonista de esta película, un trabajador de mente estrecha y comportamiento infantil, se enfrenta de lleno a una nueva realidad luego de morir su mujer y de un evento también significativo en su trabajo. Y un punto fuerte del film es mostrar ese nuevo horizonte, cruel e inexorable, que se le aparece al personaje y lo acosa, lo sacude con dosis de aquello que debe aceptar y comprender.

Más allá de si el protagonista tiene éxito o no en su empresa de superación y vdokhnovenie, me gustó ese detenimiento que hace el director en todo el período post-traumático que éste sufre; sobre todo porque la actuación de Elio Germano es tan impecable como para sostener la película entera. Me gustó que los cambios en el personaje sean sutiles, que frente a las crisis sólo se señale la necesidad de sobrevivir y de ver las cosas de otro modo para lograrlo, sin lecciones morales o lugares comunes. Porque esta necesidad es aplicable a todos, y en mayor o menor medida cada uno tuvo que recurrir a ella alguna vez en su vida, de forma que eso nos hermana en el camino.

Mucho más no tengo para comentar, porque como película la sentí un poco débil, con ciertos huecos y sin cuerpo. Actuaciones convincentes, linda fotografía, pero dirección dudosa. Igualmente, demasiado con todo a lo que La nostra vita da lugar para pensar y sentir viéndola, así que a fin de cuentas la reivindico, porque me dejó un recuerdo potente.

... lo que se viene

2011-04-13T23:30:00.001+02:00

El otro día en el cine ví el trailer a continuación, y la verdad tengo muchas ganas de escaparme pronto a ver esta peli italiana:

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La nostra vita

Además de pintar un buen dramón, participan en ella Daniele Luchetti y Elio Germano, director y actor respectivamente de la respetable Mi hermano es hijo único. Germano compartió en el Festival de Cannes pasado el premio a mejor actor por este film, con el mucho más publicitado Javier Bardem y su Biutiful. Otro detallito menor es que aquí también actúa Isabella Ragonese, quien me cayó super bien en Tutta la vita davanti (la cual les comenté hace varios meses).

No quedan excusas, entonces, parece: la próxima ida al cine tiene que ser para esta película.

... Never let me go (2010)

2011-04-04T20:24:00.004+02:00

NUNCA ME ABANDONES - dirigida por Mark Romanek;
con Carey Mulligan, Andrew Garfield y Keira Knightley.
http://www.imdb.com/title/tt1334260/
[En Cinéma Métropole Lille]

Yo sé que el gancho de hace un par de posts atrás fue prometerles los últimos estrenos franceses; pero a decir verdad todavía no me le animo a una película sin subtítulos de ningún tipo, armada yo tan sólo de mis conocimientos de francés (me acuerdo que a veces ni entendía lo que dicen las películas argentinas).

Tal es así que a mi último film francés lo vi en el avión hacia acá, con unos didácticos subtítulos que no impidieron que la suma de nervios, entusiasmo y espanto maravillado por mi mudanza me dejara una sensación toda nubosa alrededor del mismo (a saber: Les petits mouchoirs), del cual les contaré si algún día aclaro los pensamientos de esa noche durante el vuelo.

Pero volviendo al presente, y fiel a mi apología del cine diurno, fui de mediodía a ver (por recomendación de mi hermana, y la reseña va en su honor) la punzante y delicadísima Never let me go, para salir llena de su melancolía al sol de la tarde y cultivarla el día entero.

Se trata de una adaptación de la novela de -también productor del film- Kazuo Ishiguro, y este dato es importante porque su estructura transparenta la de ese tipo de narración, con tres segmentos bien marcados y susceptibles de ser detallados en varios capítulos, sugiriendo un excelente libro de base. En ese sentido, su adaptación al cine no parece haberlo hecho sufrir en casi nada, con una dirección impecabilísima y una fotografía que supongo suple (o tal vez agrega) una atmósfera literaria de melancolía eterna. Dentro de esta misma línea, el film se demora sin problemas en su primera parte (la infancia de los personajes), la cual parece en principio mejor que lo que sigue, pero que luego demuestra su utilidad para realzar la tercera parte y se incorpora con perfección al conjunto.

Antes de analizar un poco las ideas que encierra Never let me go, debo admitir que probablemente fracase en transmitir uno de sus principales méritos: el entrelazado de angustia universal y belleza que borda la vida, y que se plasma en ella desde su inicio hasta el final. Este tono, inmiscuido en la historia con habilidad mágica del director, hace que el argumento sea casi completamente funcional al mismo y que su simpleza ayude a instaurarlo.
Para decir lo que pretendo, voy a tener que revelar casi toda la trama, así que quedan advertidos los que no la vieron.
El relato describe los vínculos entablados por tres jóvenes creados (como muchos otros, en una realidad ficticia) con fines médicos, para donar sus órganos y morir en tal entrega. Esta característica tan determinante en sus vidas es trabajada desde el comienzo de la película de modo tal que al principio nos sacude como cruel, pero en el desenlace se transforma en un detalle menor (como así lo explicita un personaje mediante una aclaración que puede parecer innecesaria pero para mí no lo es, porque sostiene la simplicidad planteada en todo). Y en dicho proceso consiste básicamente el mérito del film: en desnudar la esencia de los períodos de la vida humana (descubrimiento, búsqueda, comprensión), y en mostrar que aquello que se acepta verdaderamente como destino pasa a ser circunstancia y pierde dramatismo o poder sobre la esencia de nuestro paso por este mundo. Aceptado así, el destino ya no es cruz y puede hasta ser cambiado, materialmente o en el sentido de que deja de ser lo que inicialmente creíamos.

Aquí me estoy refiriendo (por si no queda claro) al hecho de que la muerte, impuesta prematuramente a este grupo de personas, finalmente no difiere de la que nos espera a todos, así sepamos o no cuándo y cómo va a ocurrir. Pero además a que los eventos (la muerte, entre ellos), tanto en el pasado como en el futuro, tienen un poderío en el presente que puede ser interpretado de tantas formas como lo permita nuestra voluble capacidad de comprensión.

Otra idea importante, que no me es ajena y que me gustó mucho cómo fue introducida en Never let me go es la del "premio": Muchas veces los entendimientos profundos, logrados a base de renuncias o sufrimiento, o que simplemente nos quitan los placeres de la ignorancia, suelen reclamar en nosotros un reflejo positivo, una ventaja, un premio. En la película, el "entendimiento profundo" viene dado por el vínculo extremadamente íntimo entre dos personajes, que les otorga a ambos una consciencia mayor del sentido de las cosas. Este vínculo les sugiere puerilmente la recompensa de vivir más tiempo que aquel que tienen asignado, en tanto no lo reconocen como recompensa en sí mismo.
Ese último elemento me pareció de un romanticismo tremendamente cruel y real, porque señala que cuando uno se anima a los abismos de este mundo (el otro, el amor, la vida en general), son ellos mismos los que rompen destinos y cambian sentidos, y se constituyen como premio y castigo a la vez. Por eso, nada mejor que este film para transmitir la intensidad que puede tener el amor para trascender vida, muerte o el mismísimo tiempo, y la importancia del momento como eternidad cuando el amor es así de intenso. Como sólo lo puede decir un poeta:

Que não seja imortal, posto que é chama
Mas que seja infinito enquanto dure.

... y una apología al cine diurno

2011-04-02T01:59:00.001+02:00

Ir al cine de día, de vez en cuando y no estando de vacaciones, le viene bien a cualquiera. Intentaré no hacer generalizaciones vanas, pero tengo la impresión de que cuando uno va de noche, de alguna forma está implicando el carácter de "secundario", "hobbie" o "actividad de relajación" que tiene ir a ver la película. Así, al mismo tiempo está consolidando el peso del contexto diario (trabajo, vínculos, lugar donde uno vive), y reafirmando la mentira (que no es mentira) de la ficción. Y no estoy diciendo que todo lo anterior no sea válido en algún sentido, ni que haya que tomarse al cine como una institución (¡todo lo contrario!), sino que puede que en ese caso nos estemos perdiendo una de las herramientas más poderosas del séptimo arte, que es la de poner en suspenso nuestra realidad cotidiana y agarrarnos de la cabeza y soltarnos en otra realidad, desconocida.

En particular, durante la noche es más fácil para todos crear la suspensión del juicio y del enganche a los elementos familiares de nuestra vida necesaria para introducirnos en la ficción, en parte por el cansancio del día, en parte por el misterio de la noche. Y si bien, como contraparte, durante el día es más difícil abstraerse del entorno y voluntariamente arrancarse de él para meterse en una sala de cine (partiendo desde la imposibilidad material de escaparse de la escuela/trabajo/casa), la recompensa a este esfuerzo es aún mayor*, transformando la experiencia en una visita completa al universo de la película.

El mismo hecho de admitir voluntariamente el deseo de invertir unas horas de nuestro guión cotidiano para entrar en una realidad inventada conforma una mínima negación a la propia (a lo absoluto y estático de lo propio); es admitir que, afortunadamente, nada en el fondo es tan importante ni tan "real" o permanente. Que hay infinitas verdades existiendo simultáneamente y que la individual no tiene que -ni debería- ponerse en un pedestal, porque la sumatoria de circunstancias que sostienen cada día fácilmente desaparece por un rato en la oscuridad (así como descansa por la noche) si uno decide sumergirse en ella, mediante el simple hecho de entrar a esa sala oscura cuando afuera reina el sol.

*Si no, miren qué contentos los brasileros de la foto!

... y una especie de disculpa desde Francia

2011-03-31T01:56:00.005+02:00

El escritor es escritor antes de escribir. No se necesita obra literaria para considerarse portador del título porque ser escritor, en mi opinión, es una forma de ver el mundo mediante un grado de abstracción tal que las cosas son lo que son, pero también son elementos de un plano más profundo que el que los presenta.

En ese sentido, con un poco más de rigurosidad podríamos discriminar que no todo aquél consciente de los planos subyacentes a la “realidad” “cotidiana” (y si sigo así todo podría tener comillas) es escritor. Todos ellos lo que verdaderamente son –y no es poco- es personas reales, conscientes del sueño en el que habitan. Los escritores, y he aquí lo que los distingue, son aquellos que además de esa consciencia (y por alguna maldición tal vez traída de otra vida), se encuentran poseídos por el deber ineludible de dejar sentado para la eternidad lo que subyace al símbolo y sentir de cada día.

Estos días he sentido ese deber más fuerte que nunca. (Estos días me he sentido más escritora que nunca.) Pero no he visto películas y solamente he descubierto guiones por detrás de los personajes nuevos que voy conociendo en este viejo continente, dentro de este país cinematográfico. No fui al cine pero intuí magia, efectos especiales y fotografía esplendorosa en todos los paisajes que he visto y que jamás había imaginado. Me he sentido protagonista en un primer plano, pero también espectadora en una sala oscura; y es a causa de esa situación tan ideal para un escritor que, si hay algo que realmente quisiera, es ser capaz de hacerles una reseña fiel y fantástica de todo lo que “hoy vi”… Una reseña articulada, reflexiva y simpática, y al mismo tiempo honesta. Pero esto fue todo lo que me salió.

Nota al lector entendido: A pesar de una búsqueda tan rigurosa como infructuosa, aún NO me he encontrado con Louis Garrel. Continuaré los reportes al respecto.

Reajuste

2011-03-20T16:24:00.000+01:00

Aviso a los lectores:

Hoy vi... se mudó de continente y por eso ha sufrido algunos reajustes que han puesto en pausa el reporte frecuente de pelis. Sepan disculparme, y les prometo que si esto sigue, cuando siga, se viene con el mejor cine francés desde sus mismísimas tierras!

... The ghost writer (2010)

2011-02-22T18:59:00.004+01:00

EL ESCRITOR OCULTO
de Roman Polanski; con Ewan McGregor y Pierce Brosnan.
http://www.imdb.com/title/tt1139328/
[Alquilada en dvd]

The ghost writer me gustó muchísimo. Está sumamente bien hecha, y su desarrollo está tan bien calculado, que incluso nos da el tiempo necesario para apreciarla, en su clima, fotografía y sus planos muy cuidados y pensados.

En particular se destaca un guión sólido de principio a fin, hecho para atrapar hasta al más distraído: Un escritor "fantasma" (aquellos contratados para realizar los libros de celebridades que luego firman generalmente sus biografías, u otros ensayos) es ingresado al entorno de un ex primer ministro que pretende escribir sus memorias, sólo para encerrarse cada vez más en su atmósfera oscura, inhóspita y poblada de intrigas. El resto lo dejo para que lo experimenten al verla, siguiendo las desventuras del "fantasma", interpretado por Ewan McGregor.

Y sobre este último me detengo un minuto:
En sus principios, para mí Ewan McGregor era fantástico. Me acuerdo de haberlo visto por primera vez en la hermosísima Tocando el viento y de ahí en más seguirlo por Moulin Rouge, hasta El gran pez, donde ya no esperaba mucho de él, pero la película lo terminó salvando. En adelante (tal vez desde antes, también) se dedicó a hacer cualquier variedad de cosas, poniendo la misma cara y sin destacarse jamás. Dejó de ser garantía de algo y pasó a ser un actor del montón, al menos bajo mi criterio. En The ghost writer, si bien reitera su actuación por defecto, lo valioso es que integra un par de expresiones simpáticas que le agregan realidad a su personaje y permiten identificarnos con él, de modo que el ingreso al mundillo de la política por parte del escritor sea paralelo al del espectador. Y esto yo creo que es mérito de la dirección (un saludo a Roman), porque sin la inclusión planeada de esos detalles, gestos o comentarios que generan empatía instantánea con el "fantasma", el entorno misterioso que va desenrollando la trama con nosotros adentro no nos encerraría como lo hace.*
Si sumamos entonces al guión excelente y las actuaciones respetables -no sólo de McGregor sino también y sobre todo de Olivia Williams-, una magnífica dirección de Polanski, se obtiene este producto impecable. Pero ahí me detengo con los halagos que pueden perjudicarla o crearles a ustedes mayores expectativas; baste decir que The ghost writer constituye una experiencia imperdible, y un respetable ejemplar del cine de suspenso contemporáneo.

*En referencia al entorno hostil circundante al "fantasma", en el blog del cual tomé prestada esta última foto encontré un inventario gracioso de la prolijidad con que el director se encarga de plasmar el rechazo del medio a nuestro protagonista, empleando cada personaje secundario, situación, y hasta carteles u otros elementos; rechazo a través del cual nos induce a identificarnos unívocamente con él. Visítenlo

... Love and other drugs (2010)

2011-02-18T02:07:00.001+01:00

DE AMOR Y OTRAS ADICCIONES

de Edward Zwick; con Anne Hathaway y Jake Gyllenhaal.

http://www.imdb.com/title/tt0758752/

[En Cinemacenter San Luis]

Como me pasa a veces con los reclamos a personas nulas, me suelo plantear si vale la pena discutir o exponer mis argumentos sobre por qué no me gusta una película. Muchas veces es más fácil olvidarla y pasar a la siguiente, siendo tanto más placentero detenerme a contar las bondades de un film excelente o al menos debatible.

Pero teniendo en cuenta que muchas posturas se pueden definir a partir de lo que NO nos gusta o de aquello con lo que NO acordamos, creo que -en la medida de lo posible- hacer el esfuerzo por criticar lo desagradable construye un lugar más firme desde el cual finalmente nos gusta lo que nos gusta o acordamos con lo que creemos verdadero.

Es así que voy a señalar algunos puntos por los que Love and other drugs me pareció despreciable:

1. Una mezcla grosera de géneros (drama, comedia, romance) sin dirección fija ni base concreta. El resultado: cero drama, para nada graciosa, ningún enganche con la pareja protagonista.

2. Personajes traídos de los pelos: personas cínicas que con un sólo diálogo pasan a ser extremadamente humanas y entregadas, conflictos familiares metidos a la fuerza, personajes secundarios ridículos; en fin, caracteres no creíbles.

3. La inclusión de una enfermedad grave sólo para usarla cuando necesaria, pero omisible cuando el guión lo requiere.

4. El tratamiento de las parejas y la sexualidad a lo comercial (la gente se "consigue" y las relaciones sexuales parecen una especie de trámite apurado, todo encerrado en un aura supercanchera), acompañado de una transición a un romanticisimo trágico exageradísimo, creando dos planos en los cuales pocas personas verdaderas se manejan.

5. La triste utilización de los desnudos: generalmente, cuando en una película europea se usan desnudos, los actores emplean tal naturalidad que uno de hecho siente estar asistiendo a una escena íntima; aquí, el actor está tan incómodo y consciente de lo que hace, que la escena pierde importancia y se disocia de la película, reduciéndose a "esa parte donde tal actor sale desnudo".

6. El paupérrimo intento de hacer una crítica al sistema de salud y las drogas (médicas), que sólo se termina tratando (y utilizando) a nivel cool pero sin profundizar en el tema.

7. Jake Gyllenhaal y su actuación exagerada (¿por qué hace esos gestos con la cara?). A la Hathaway no la critico, pero en esta película no la puedo rescatar.

Por todo esto, y porque me dejó una fea sensación, es que no me gustó Love and other drugs, y (por más educativo que sea ver bofes) preferiría no haberla visto.

... Winter's bone (2010)

2011-02-12T21:41:00.002+01:00

LAZOS DE SANGRE

http://www.imdb.com/title/tt1399683/

de Debra Granik; con Jennifer Lawrence.

[En Cinema La Plata]

Aunque es una comparación grosera (o simplista), con esta película se me vino a la mente la genial genial Rosetta, de los Dardenne, en el sentido de la imagen de una jovencita ruda, poseedora de tanta belleza como sufrimiento, en un entorno hostil, áspero y frío.

En los dos casos las historias de tensión son sostenidas por actuaciones muy convincentes, de Émilie Dequenne, como Rosetta, y de la que hablamos hoy, Jennifer Lawrence, en una interpretación cautivante que aunque no se aleja mucho de lo que hizo en The burning plain, tiene más poderío y está mejor dirigida por la desconocida y promisoria Debra Granik. Dejando atrás mi superficial comparación con el film de los Dardenne, que es magistral, Winter's bone es igualmente una buena película.

El planteo del film consiste en seguir las desventuras de la protagonista en busca de su padre, y en busca de mantener a su familia (aparece allí una actuación muy buena de John Hawkes como su tío). En varios momentos la cuestión suena como algo ya visto, pero a pesar de ésto la película sale airosa al mantenerse siempre con un mismo tono, siendo rigurosa en el nivel de dramatismo y crudeza simple de la narración.
Recomiendo verla, sobre todo porque es parte de ese cine yanqui independiente que, a diferencia del otro, es más comprensible como arte y más accesible en su discurso para nosotros, al menos para mí. Además, Winter's bone crece en el recuerdo, y ahora que lo pienso, la vería de nuevo.

... Familia rodante (2004)

2011-02-02T04:07:00.001+01:00

FAMILIA RODANTE
de Pablo Trapero; con Graciana Chironi y Bernardo Forteza.
http://www.imdb.com/title/tt0359254/
[Alquilada en dvd]

He ido viendo las películas de Trapero en desorden cronológico, y siempre encontrándome con una nueva sorpresa en cuanto a las múltiples variaciones que es capaz de hacerle a su cine humano, tan rico visualmente, y comprometido. Familia rodante, en particular, fue un placer de descubrir como muestra de las capacidades de un buen realizador cinematográfico. Trapero toma aquí una familia en viaje, y sin necesitar más que de su talento como director, la filma en sus múltiples rincones, intimidad y entramado de vínculos, con un pintoresco resultado.

En esta película se combinan paisajes y música argentinos de forma hermosa aunque tosca, más realista que muchas otras, y sin falsos costumbrismos. Y ése es su mérito mayor, porque el simple retrato de este grupo de invidividuos amontonados y en movimiento resulta en una honesta y simpática descripción, sin discurso más que el que emana de la misma ficción (ficción más creíble todavía gracias a un elenco de excelentes y mayormente desconocidos actores). Esto no quita que existan planteos sutiles de fondo, rondando el concepto de familia, acerca de las diferencias entre la vida en la capital y el interior (en Nacido y criado tambien hay una ida al interior que igualmente recrudece los conflictos) y sobre los vínculos en general, gracias a los caracteres bien armados de cada personaje.
Pseudo-documental, comedia, homenaje al país y road movie, drama familiar o film experimental, todo sirve para describir esta película no genial, con una propuesta simple, pero impulsada por mero talento.

... The girl who kicked the hornet's nest (2009)

2011-02-01T02:24:00.002+01:00

LA REINA EN EL PALACIO DE LAS CORRIENTES DE AIRE

de Daniel Alfredson; con Michael Nyqvist y Noomi Rapace.

http://www.imdb.com/title/tt1343097/
[Alquilada en dvd]

A modo de cierre de los comentarios sobre Millennium, hago la (prometida) reseña más corta de todas:
La parte final* de esta trilogía levanta lo pesado de la segunda y construye un buen suspenso a partir de la recuperación de nuestra protagonista en el hospital; asimismo con el armado del juicio que se encarga de cerrar todo (todo) perfectamente en el desenlace. El personaje de Rapace termina así de construir su mito, dejándonos una Salander inolvidable, y el recuerdo de una historia concluida.
Tengo que asumir que la segunda y tercera película no llegan en ningún momento a la altura de la primera; aún así vale repetir que las tres Millennium son super recomendables como conjunto, por su originalidad en el estilo, pero sobre todo por ser buenos ejemplares del castigado género de los thriller.

*con el nombre más extraño de los tres: Luftslottet som sprängdes (algo así como "El castillo de aire que soplaba" según Google).

... My French film festival

2011-01-16T16:23:00.004+01:00

Esta es una iniciativa super original de hacer un "festival de cine" francés en la red, abierto a cualquiera y gratis, para ver películas (hay varias bastante atractivas) y votar por ellas. No sé cómo resultará, pero por lo menos, el trailer es gracioso:

Subtítulos caseros:

"Somos malísimos en el fútbol, somos snobs, hablamos inglés con un acento espantoso, nos gusta el queso que huele mal... pero tenemos el primer festival online mundial".

... Hereafter (2010)

2011-01-12T23:19:00.003+01:00

MÁS ALLA DE LA VIDA

de Clint Eastwood; con Cécile de France y Matt Damon.

http://www.imdb.com/title/tt1212419/
[En Box Cinemas João Pessoa]

Desde que leí que ésta no parecía una película de Clint Eastwood me preparé para encontrar realmente cualquier cosa en Hereafter, o sea, estaba con la mejor actitud para ir a ver una peli, y además bastante entusiasmada porque no soy muy fan de Clint.

Con lo que me encontré fue una especie de cuento de hadas contemporáneo y pseudomístico (mucho énfasis en lo de "pseudo"); una fábula con poca cohesión, sin moraleja, pero con final feliz. Y con todo lo mal que suena esto, no puedo decir que no me gustó. Ahora les explico los detalles:

Hereafter se encarga de tratar el tema de la muerte desde una perspectiva completamente simplista, occidental y desde lejos, pero eso no altera para nada su calidad como película. Aceptando que ése es el alcance que se le da al asunto, uno puede pasar a las tres historias que narra paralelamente, con total entrega.

Las tres historias que coquetean con la muerte -las de un hombre, una mujer y un niño-, y el modo de retratarlas podrían darle un aire Iñárritu a Eastwood (una suavísima brisa), pero el norteamericano le da vuelta completamente a la cuestión 21 gramos cuando se encarga, hacia el final, de resolvernos todo. (Y a lo largo de toda la película, también, con el tono delicado, la música amable y un poco de frialdad.)

-Atención que ahora se vienen comentarios sobre el desenlace, que pueden molestar a los que no la vieron-

Es decir, en una decisión completamente voluntaria y respetando el homenaje a Dickens que se hace en la película (explícitamente, con el personaje de Damon, y un poquito menos en el personaje Dickensiano del niño), los realizadores deciden encajar cada pieza del rompecabezas de modo que las cosas se equilibren, que la paz al final sea encontrada, y que la historia termine del modo que sólo les parece terminada a ellos, o sea feliz. Y esto no es una crítica a esa decisión, me parece completamente válida e incluso me gustó, emocionalmente y como consecuencia lógica del tono en que se tratan todas las cosas a lo largo del film.

Es que en realidad no hay nada particular que le pueda criticar a esta película, lo que no significa que me haya gustado ni lo contrario. Está en un término medio que roza la indiferencia, pero que la hace recomendable al que no la vio (es decir, vayan a verla). En pocas palabras, tiene un buen impacto estético, primero "gusta", y luego resulta olvidable.

... The girl who played with fire (2009)

2011-01-07T04:02:00.003+01:00

LA CHICA QUE SOÑABA CON UN FÓSFORO Y UN BIDÓN DE GASOLINA*
de Daniel Alfredson; con Michael Nyqvist y Noomi Rapace.
http://www.imdb.com/title/tt1216487/
[Alquilada en dvd]

* Título original en sueco: Flickan som lekte med elden, cuya traducción más fiel es ahora la del título en inglés: The girl who played with fire.

La cuestión con esta segunda parte de Millennium es sin duda que pierde en comparación con la primera (Los hombres que no amaban a las mujeres). Tal vez aquí se indaga un poco más en los personajes, pero no se agrega ningún elemento nuevo que compita con todos aquellos presentados en la primera película, que en su mayoría aquí se repiten sin mucho brillo, y algunos están ausentes.

El principal ausente, o presente pero desgastado, es el caso policial: En Los hombres..., el contrapunto ideal a ese estilo contemporáneo de la revista Millennium y su líder Blomkvist, sumado a los aires cibernético y reventado del personaje Lisbeth Salander, lo conforma un caso de desaparición y misterio clásico a lo Agatha Christie. Es en este contraste que el primer film encuentra una zona gris nueva y propia, llena de un suspenso oscuro, gótico y atemporal, donde conviven hackers con patriarcas de familias conservadoras, la investigación de escuela Poirot con la tecnología actual, y problemáticas de este siglo con aquellas del siglo pasado. Y es mi opinión que dicho espacio hace de Los hombres... una película original, entretenida, que no nos recuerda a nada ya visto y nos sumerge desde el comienzo en ese universo gris que fabrica.

Cuando en La chica que soñaba con un fósforo y un bidón de gasolina el foco se desplaza por completo a la cuestión presente y se elimina el elemento "clásico", la acción policial remite entonces a muchos otros filmes conocidos, y la trama se va llevando en forma pesada, haciéndonos perder interés. Supongo que el hecho de que aquí la problemática ronde más de cerca a nuestros protagonistas (en cuanto ellos son ahora no sólo investigadores sino también participantes-víctimas del caso en cuestión) debería sumar atractivo, por ser tales protagonistas tan originales y llamativos como lo son Blomkvist y especialmente Salander. Sin embargo, y tal vez porque esperaba eso mismo, ocurrió para mí lo contrario y me encontré viendo La chica... con mitad del entusiasmo con que descubrí Los hombres.... Puede también atribuírsele esto al cambio de director: Mientras que tenemos a Niels Arden Oplev para la primera parte de Millennium, en la segunda y la tercera dirige Daniel Alfredson. Sin embargo, no tratándose de cine de autor esa idea me suena un poco exagerada, sobre todo porque acabo de ver la tercera parte y me ha gustado bastante.

Para que no quede como que no es ésta una película digna de ser vista, reitero el halago a sus actores principales que hice en Los hombres..., acepto que es un producto bien hecho en su totalidad (con algunas exageraciones en el guión, pero vienen del libro, supongo); y nos recuerdo a todos la escasez de thrillers a la altura de éste, en el cine de nuestro tiempo.

... The girl with the dragon tattoo (2009)

2011-01-03T14:54:00.006+01:00

LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES

de Niels Arden Oplev; con Michael Nyqvist y Noomi Rapace.

http://www.imdb.com/title/tt1132620/
[Alquilada en dvd]

Hay una maestría en dirigir películas que es difícil de abstraer para un público no experto en materia de planos, secuencias, o todo lo que sea la puesta en escena de lo que inicialmente es sólo un guión. Mucho más si se trata de representar novelas, donde hay primordialmente una estructura y un estilo que se desenvuelven literariamente, y que no están basados en tiempos cinematográficos. En ese caso particular, como audiencia no educada formalmente en cine, resulta casi milagrosa la creación de un ritmo nuevo en el relato (logrado en primer lugar con la adaptación del guión) que resulte tan efectivo como el original, la introducción de planos que impacten estéticamente recreando el sentido de un paso en la narración, elegir qué información necesita o no el espectador, y, en fin, todas esas decisiones que hacen del director alguien talentoso o no, no sólo en adaptaciones de libros.

Esto es algo logrado con creces por el director de The girl with the dragon tattoo, conocida por estos lados como Los hombres que no amaban a las mujeres (al parecer la traducción fiel a su título original sueco Män som hatar kvinnor), la cual resultó del traslado al formato cine de la novela con el mismo título. Este film constituye la primera parte de la trilogía Millennium (en libro y en película), y alcanza con solidez ese estatus de "buena película", tan complicado de atribuirse a un motivo en particular, y tan fácil de ser reconocido por el público.

Los hombres... es un thriller con todas las letras, porque su principal objetivo es captar la atención del espectador con suspenso, con una historia inteligente, con personajes cautivantes y los tres pasos del relato ejecutados a la perfección (introducción, nudo y desenlace). No hace falta mucho análisis para disfrutarla, y quienes estén apuntando al trasfondo dramático-emocional, o a algún otro aspecto por debajo de su excelente ritmo narrativo, pueden salir defraudados. La película es -insisto- un thriller, de los buenos, pero sólo eso. No hay una búsqueda más allá por parte de sus creadores, y eso hace que cierre completamente, porque no hay otras pretensiones que puedan arruinar un producto con premisas claras.

Cerrando el comentario, no les hago sinopsis del argumento porque he ahí la mejor destrozadora de thrillers, pero destaco las intensas e increíbles interpretaciones de sus actores principales (Michael Nyqvist, y la ya abrazada por Hollywood Noomi Rapace), una de las claves de la película, y uno de los motivos por los que creo que su remake yanqui (a ser lanzada este año) va a fracasar.

Nota aparte: No quise ahondar en los libros Millennium, que no tuve oportunidad de leer, pero vale destacar a su autor, Stieg Larsson, con una vida apasionante, y con ideas que se deslizan en su obra y que por momentos lo entrelazan con el personaje de Nyqvist.

Nota 2: ¡POST Nº 100!

¡Felices Fiestas!

2010-12-29T04:41:00.000+01:00

No quería dejar de saludar en estas fechas a los que me siguen y leen aquí, desearles por supuesto que hayan pasado una feliz navidad, y sobre todo que tengan un increíble año nuevo.

Intentaremos en el 2011 como siempre seguir con el blog, con las fluctuaciones en los tiempos de publicación que impone la vida misma, pero con el infaltable amor por el cine que abrió este espacio en primer lugar.

Para los que les gustan los números, éste es el post número 99 (ya veremos en qué deviene el famoso nº 100), y por otra parte hemos llegado a 24 seguidores. ¡Gracias a ellos y a ustedes, y FELIZ 2011 para todos!

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... Olhos azuis (2009)

2010-12-26T18:08:00.002+01:00

Me había quedado pendiente contarles sobre la última noche en que fuimos al festival Aruanda, cuando vimos el corto Doce de coco, de Allan Deberton, y el largometraje Olhos azuis:

OJOS AZULES

de José Joffily; con David Rasche, Frank Grillo e Irandhir Santos.

http://www.imdb.com/title/tt1552436/

[En el VI Fest Aruanda]

Sin ser un espectáculo de otro mundo, ésta es una película bastante recomendable sobre la inmigración a los Estados Unidos, enfocada en un grupo de latinoamericanos (argentinos, hondureños, brasileros, etc.) que intenta ingresar a ese país. El tema es bien tratado, las actuaciones (excepto la de los argentinos!) son muy convincentes, y el guión se desenvuelve a un ritmo como para no aburrirse nunca, aunque tampoco despierte pasiones.

Acá hay un blog sobre la película, con reseñas y entrevistas (en portugués) para los interesados.

Por cierto, el protagonista brasilero de Olhos azuis es Irandhir Santos, la contrafigura del personaje de Wagner Moura en Tropa de Elite 2. Este último film, sobre la policía militarizada en las favelas de Río de Janeiro (secuela de una exitosa y excelente primera parte), ha sido un boom acá en Brasil, con récord de taquilla y gran aceptación del público (no sé de la crítica).

La cuestión es que habíamos ido a verla (a Tropa de Elite 2) al cine la noche anterior, y nos sentimos en pleno Hollywood (?) cuando apareció el mismísimo Santos para presentar Olhos azuis en el festival (de lila en la primera foto, con el director José Joffily y la actriz Zezita Matos). Un actor con mucha expresividad, aunque algo repetitivo en su expresión, quien nos entretuvo en la que fue nuestra última noche de cine Aruanda. Aplaudimos fuerte como para que también apareciera Wagner Moura, pero no hubo suerte.

... más del VI Festival Aruanda

2010-12-14T23:25:00.022+01:00

El día sábado 11, en el festival Aruanda vimos un bastante decente cortometraje llamado "Azul", de Eric Laurence. El largo que íbamos a ver originalmente se reprogramó y nos clavamos con más homenajes.

Pero, como anécdota de la noche, uno de los homenajeados fue el actor paraibano José Dumont, que antes de ser anunciado yo no sabía quién era... Y resultó ser aquél de 2 filhos de Francisco, la famosa película del colectivo! (¿se acuerdan?) Creo que no me reconoció (?) como su quejosa detractora, mientras era aclamado por el público; por otra parte, el hombre resultó ser toda una figura del cine nacional, así que fue interesante conocerlo.


GODARD, TRUFFAUT Y LA NOUVELLE VAGUE (2010) de Emmanuel Laurent. http://www.imdb.com/title/tt1528224/ [En el VI Fest Aruanda]

El domingo 12, el festival le rindió tributo a los 50 años de la Nouvelle Vague mediante un seminario y también con un documental llamado Deux de la Vague (Godard, Truffaut y la Nouvelle Vague), realizado por Emmanuel Laurent. El documental en sí mismo no está muy bien hecho, con una edición cuestionable y un relato variable y a veces no tan atractivo; pero como el tema es de por sí interesantísimo, eso no tuvo para mí ningún efecto negativo.

Como se desprende de su nombre, Deux de la Vague... relata la amistad entre los grandes del cine francés, Godard y Truffaut, desde sus inicios como críticos en los Cahiers du Cinéma hasta su distanciamiento a nivel personal, político y artístico. Además de lo que aporta a nivel informativo, rescato de esta película la descripción que hace de lo que conforma una verdadera amistad: la capacidad de ver el mundo desde un mismo lugar, simplificado en que te gusten las mismas películas, ampliado a hacer cine por un mismo motivo. Actualmente parece haberse impuesto la noción de "tolerancia" en las amistades, como si se pudiera ser amigo de alguien que ve otro universo allí donde uno ve el propio. Estos dos grandes demostraron, al juntarse y luego separarse por divergencias en cuanto al rol social del cine, que sólo cuando es posible compartir ideas y universos puede nacer el afecto verdadero.

Por último, y cruzándonos de tema diametralmente, ¡qué bueno que nominaron a Carlos a los Globos de Oro! Yo no estuve enterada de los premios de la crítica yanqui que viene ganando, y por eso ha sido una gran sorpresa (y alegría) saber que compite por mejor actor y como miniserie o película para TV.
El resto de las nominaciones a estos premios han sido bastante predecibles, con poco énfasis en la genialísima Inception y demasiado -para mi gusto- en la sobrevalorada Red social. Pero así parece que viene la cosa, de aquí hasta los Oscar, para deleite de Fincher y sus seguidores.

... Uma noite em 67 (2010)

2010-12-11T20:39:00.003+01:00

Ayer comenzó en João Pessoa la sexta edición del Festival Aruanda de cine brasilero, que se extenderá del 10 al 15 de diciembre. Como no podía ser de otra forma, nos sumamos a la apertura de anoche, que incluyó un homenaje al film que le da nombre a este festival, Aruanda, el cual cumple 50 años. Después de algunos otros homenajes y una simpática premiación al director de Aruanda, el festival abrió con el documental Uma noite em 67, presentado por uno de sus realizadores.


UNA NOCHE EN EL 67 de Renato Terra y Ricardo Calil. http://www.imdb.com/title/tt1754803/ [En el VI Fest Aruanda]

Este documental se armó en torno a un histórico festival de música realizado en 1967 por el canal de televisión Record, en el cual competían jóvenes artistas brasileros que luego se convertirían en íconos de la MPB. La película recupera las participaciones de cada uno de ellos en la final del programa, y es así como nos encontramos con graciosos, apasionados e irreconocibles Caetano Veloso, Chico Buarque, Gilberto Gil con Os mutantes, el ganador Edu Lobo con Marília Medalha, y Roberto Carlos, entre otros.

Pero si bien la excusa es esa tercera edición del Festival de Música Popular Brasileira de TV Record, gran parte del valor de la película se lo da el poder transmitir la esencia de una época clave para toda una generación, en términos músicales pero también políticos y culturales. Los sumamente disfrutables extractos del festival van acompañados también de entrevistas actuales a los músicos, entrevistas divertidas y directas que ayudan a comprender (a quienes no estuvimos por esas épocas ni en esos lugares) parte de lo que estaba en juego en años donde comenzaba la larga dictadura militar brasilera.

Durante la proyección, el público de este festival disfrutó tanto como el de aquel otro ocurrido más de 40 años atrás, y se podía ver a los más grandecitos recordar las letras de canciones como Alegria, Alegria, Roda viva o Ponteio; personalmente fue un placer sentirme en atmósfera brasilera mientras observábamos aquello que hizo de este país un enjambre de poesía, alegría y pura saudade.

... Tutta la vita davanti (2008)

2010-11-29T19:15:00.006+01:00

TODA LA VIDA POR DELANTE

de Paolo Virzì; con Isabella Ragonese.

http://www.imdb.com/title/tt1075114/
[En el canal MovieCity]

La de hoy es una película italiana chica, para nada un peliculón, pero de ésas que si te agarran con la disposición justa pueden recrear la hermosa sensación de ver las cosas desde otro lado.

Sin que éste sea el mejor ejemplo, una buena señal acerca de la calidad de un film es que cuando termina, a pesar de haberse inmerso uno en el universo particular de la ficción, ese vistazo del mundo con otros ojos (los del director) nos dan más ganas aún de salir a vivirlo con los nuestros, tal vez impregnados de alguna nueva perspectiva. No sé si a todos les pasa, pero es algo que a mí generalmente sí, y mi querido actor/director Louis Garrel, suele referirse a este fenómeno en sus entrevistas, reafirmando mi opinión de que el cine puede conllevar una experiencia mágica que se extiende más allá de la duración de la obra.

Pero volviendo a Tutta la vita davanti, ya les he aclarado que no se trata de un gran exponente de la mencionada experiencia mágica, pero casi. Es un film que parece más simple de lo que es, tal vez con más pretensiones de lo que logra, pero un paquete agradable en su conjunto.

El argumento nos presenta a una lindísima actriz principal, una filósofa que al graduarse se encuentra con el mundo post-universitario y las problemáticas de la cuestión laboral. Por un lado está el planteo a lo Fair Play acerca de la competitividad y lo inhumano del sistema capitalista a nivel empleo: A diferencia de Fair Play, aquí la testigo de la crueldad del sistema va siendo gradualmente consciente de lo que implican las reglas del juego, aunque no por ello libre de escaparles (y menos aún con la solución para enfrentarlas).

Por otro lado, hay una cuestión más humanista en cuanto a qué hace alguien con una formación intelectual que excede las necesidades del entorno, y la creatividad en cómo traducir esa comprensión mayor de las cosas en el trato cotidiano. Ese conflicto, de encarnar el conocimiento para que no sólo sea un título sino un lugar desde donde ubicarse, puede no tener una solución clara y tal vez no sea a lo que apunta la película, pero me parece que esta última sí sirve para describir la confusión que causa el desequilibrio entre los mundos académico y laboral. En este sentido, algo que sí se transluce del film es que no parece quedar más opción que aprender a sobrevivir en los dos y convertirse en puente entre estos ámbitos (conocimiento y trabajo) que uno desearía mejor entrelazados.

Todos estos análisis, incluyendo el problema del desempleo en Europa a partir de la crisis del 2008, son cubiertos (ciertamente no con una maestría estilo Ken Loach) con un ligero tono de comedia y bastante sensibilidad, lo que ayuda a convertir Tutta la vita davanti en una película amena y original, digna de ser vista.

... La vida secreta de las palabras (2005)

2010-11-22T19:21:00.002+01:00

THE SECRET LIFE OF WORDS
de Isabel Coixet; con Sarah Polley y Tim Robbins.
http://www.imdb.com/title/tt0430576/
[Bajada de internet, pero se consigue fácil en video]

La vida secreta de las palabras es un drama de la realizadora española Isabel Coixet, el cual reúne a dos personas que han atravesado un gran sufrimiento en su vida: un trabajador de una plataforma de petróleo (Tim Robbins) y la enfermera (Sarah Polley) que lo cuida luego de un grave accidente.
El planteo de la película en su inicio es mucho mejor a gran parte de lo que sigue después. La alta expectativa que crea la presentación de los personajes y de los escenarios donde se desarrolla la acción (en la plataforma de petróleo en alta mar, con un puñado de personajes secundarios muy atrayentes), contribuye a que la dramatiquísima resolución de la historia sea casi inconcebible para quien la estuvo acompañando con empatía.
Me gustaría recomendarla tanto como me hubiera gustado que mantuviera el tono sobrio con que arrancó.
Entiendo la necesidad de poner en palabras un llamado de atención sobre la guerra en Bosnia de los '90, pero artísticamente la cuestión no resulta, con unos diálogos excesivamente explicativos para mi gusto, y un intento moralizador que la situación no acompaña (mejores películas sobre el tema, que ahora me vienen a la cabeza: la visualmente hermosa Nieve, y la más cruda No man's land; estoy segura que existen varias otras).

De todas formas, aunque hay un par de cosas para recriminarle a la Coixet, no puedo enojarme con Sarah Polley, mujer de cine como pocas; y rescato el ambiente general y la fotografía imponente de un film que parece haberse hecho con buenas intenciones, en todo sentido.

Dos notas positivas aparte: Una simpática alusión al cuento de Cortázar "La señorita Cora" y algunas buenas canciones arrojadas en ciertas escenas.

Una última nota negativa: La tétrica (¿se supone que es tierna?) voz en off de la niña, ¿a quién se le ocurrió?.

... menos películas que libros

2010-11-20T16:38:00.002+01:00

Me quedo pasmado cuando termino algo. Me quedo pasmado y desolado. Mi instinto de perfección debería impedirme acabar; debería impedirme incluso empezar. Pero me distraigo y obro. Lo que obtengo es un producto que no resulta de una aplicación de mi voluntad, sino de una concesión que ella hace de sí misma. Empiezo porque no tengo fuerza para pensar; termino porque no tengo alma para interrumpir. Este libro es mi cobardía.

[Extracto del fragmento 152 del Libro del desasosiego, de Bernardo Soares o quizás Fernando Pessoa]

... The social network (2010)

2010-11-13T22:07:00.005+01:00

LA RED SOCIAL

de David Fincher; con Jesse Eisenberg y varios.

http://www.imdb.com/title/tt1285016/

[En Cinemacenter San Luis - de visita en Argentina!]

*Una breve reseña del film, a pedido de mi acompañante en el cine (¡más te vale que comentes!)*

The social network no es el peliculón que muchos anuncian. Es una película amena, concisa y pasable, pero en sí misma no tiene cuerpo de "obra de arte contemporánea" o como sea que la hayan llamado.

Argumentalmente, se basa en dos juicios legales hechos contra Mark Zuckerberg, el creador de Facebook, que sirven de disparador tanto para contarnos el origen de este boom mediático como para intentar desmenuzar las motivaciones emocionales detrás de tales explosiones sociales.

El planteo no es nada nuevo: por un lado se expone esa clase que "mueve el mundo" desde posiciones de poder, y que tiene que lidiar con ciertos genios algo más marginales (no tanto, Zuckerberg estudiaba en Harvard), quienes impulsan nuevos movimientos dentro del mundo económico y lo obligan a reacomodar su estructura. Por otro lado, el intento que se hace de mostrar que detrás de gran parte de las construcciones sociales siempre hay una búsqueda afectiva es rescatable pero no alcanza a sostener la película, y resulta un poco ingenua viniendo de Fincher (quien para mí nunca superó con films posteriores su excelentísimo Club de la Pelea).

Unas notas sobre las actuaciones:

1. Jesse Eiseberg hace lo mismo de siempre, pero acá viene justo, así que bien; 2. Justin Timberlake, seguí haciendo música; 3. Andrew Garfield (del Imaginario mundo del Dr. Parnassus), muy bien; 4. Max Minghella, un poquito decepcionante.

En fin, una película para ver sin grandes expectativas, interesante pero con poco vuelo. Eso sí, me sirvió para otra vez preguntarme por qué no habré estudiado economía.

... Je vais bien, ne t'en fais pas (2006)

2010-11-03T12:06:00.004+01:00

ESTOY BIEN, NO TE PREOCUPES

de Philippe Lioret; con Mélanie Laurent y Julien Boisselier.

http://www.imdb.com/title/tt0485241/

[Alquilada en dvd]

Hay una característica de cierta clase de buenas películas que se manifiesta durante su propio tiempo de vida: En plena película, uno se da cuenta de que está disfrutando aquello que ve, y se dice para sí mismo -a veces sin palabras, a veces en voz baja, e incluso con miradas al que está al lado-, "que lindo lo que estoy viendo". Esa conciencia de que el film es bueno agrega empatía, complicidad con la trama, los personajes, y casi siempre resulta en un hermoso recuerdo cuando éste termina. Por ese disfrute extendido (que no aparece, como con otras grandes películas, al repensarlas una vez concluidas) es que poco importa el final de estos lindos especímenes cinematográficos.

Fue tal fenómeno el que me ocurrió con Je vais bien, ne t'en fais pas, a pocos minutos de iniciada. No estoy diciendo por ningún motivo que su final no me haya gustado, sólo digo que llegada esa instancia poco importaba la conclusión, ya sabía que la película me había encantado.

A dicho encantamiento claro que ayudó el inmenso carisma de Mélanie Laurent, pero sobre todo un guión directo, natural como sus diálogos y la agradable fotografía que moldea el director con dulzura. E igualmente -en un punto aparte- su preciosa música, creada por una banda francesa llamada Aaron (Artificial Animals Riding On Neverland), de quienes ya me bajé su disco homónimo; este último contiene la emocional "U-Turn (Lili)", incluida con precisión en momentos claves de la historia.

Para quienes todavía necesitan más detalles para convencerse: Je vais bien... es un film sobre la melancolía, sobre la ternura y sobre el desconcierto. Una joven regresa a su casa familiar para encontrarse con la desaparición de su hermano, quien representa una parte tan grande de ella misma hasta el extremo de no saber dónde está el "otro". Sin embargo, si bien la historia puede tomarse como que no hay "otro" y "uno" entre la parte ausente y la protagonista, ésta también se trata de un hermoso homenaje al vínculo fraternal estrecho, tan presente, asegurador y "espejante" en nuestras vidas de hermanos.
Asimismo, la película se permite reflexionar también sobre muchos otros temas sin hundirse en ninguno, y los sobrevuela con tanta amabilidad y coherencia, que el relato se vuelve simultáneamente sutil e intenso, y siempre agradable.
Para concluir el tren de halagos, aclaro que aunque el final puede discutirse, a mí me pareció acertado, simple y necesario. Pero claro -como dije antes-, yo ya sabía que esta película me había gustado, mucho antes de que terminase.

... Rouge (1994)

2010-10-28T03:11:00.001+02:00

TRES COLORES: ROJO
de Krzysztof Kieslowski; con Irène Jacob y Jean-Louis Trintignant.
http://www.imdb.com/title/tt0111495/
[Alquilada en dvd]

El comentario sobre la peli que faltaba: A decir verdad, a Rouge la había visto de muy chica; sólo me quedaba de ella un recuerdo confuso de algo super dramático, con el rostro de Irène Jacob, y mezcladísima en la memoria con La doble vida de Verónica (también de Kieslowski, también con Jacob).

En esta segunda visión, además de entenderla, el último film de la trilogía de Kieslowski me resultó parecido -en su narración- al formato de una novela escrita. Rouge tiene una presentación literariamente cuidadosa y poética de sus personajes, con historias paralelas que se funden en un hermosísimo final.

Las historias paralelas son las de, en primer lugar, la bellísima Irène Jacob en el rol de una solitaria estudiante-modelo, llevando una vida simple pero muy real, impregnada del rojo que le da intensidad a lo cotidiano. En segundo lugar, un viejísimo Jean-Louis Trintignant (¡Qué quedó del hombre de Un hombre y una mujer!) encarna otro solitario que se cruza en el camino de la protagonista. A esto se le suma una línea paralela que es la historia de un joven inexorablemente ligado al personaje de Jacob, y de destino tan idéntico al viejo Trintignant que puede asumirse como éste mismo. Si suena confuso es porque pretende serlo, y ahí está la belleza de las líneas paralelas, que son lo mismo, vienen y van hacia lo mismo, pero no se cruzan. Aquí el autor se da el lujo de no solamente cruzarlas (¡y he ahí la fraternidad!) sino también de darles unas vueltas temporales al representar un único personaje en dos tiempos pero también en el mismo.

Con una música fantástica igual que las dos precedentes, esta película cierra afectivamente no sólo las líneas de sus protagonistas, sino también las de aquellos de las primeras: (como se menciona por ahí en los extras de los dvd, en unas muy buenas entrevistas a Kieslowski y a los actores) El autor se encarga de "salvar" a todos sus personajes, en un gesto análogo al que realiza cuando los rescata emocionalmente contando sus historias.
En síntesis, mucha belleza narrativa y visual desplegada a ritmo lento; Rouge es un film lindísimo para verlo con paciencia.

... Blanc (1994)

2010-10-17T17:35:00.004+02:00

TRES COLORES: BLANCO
de Krzysztof Kieslowski; con Zbigniew Zamachowski y Julie Delpy. http://www.imdb.com/title/tt0111507/
[Alquilada en dvd]

Atendiendo a mi inclinación por las sagas, Bleu no podía estar mejor acompañada en su visión que por Blanc, también llamada La igualdad es blanca. Esta segunda película de la trilogía es (siendo llanamente directos) peor que la primera, pero tiene su clima especial y es muy recordable.

Blanc narra en un tono casi cómico las tragedias de un polaco en su divorcio con una francesa (una jovencísima Julie Delpy), de quien continúa enamorado o al menos vinculado, profunda e inevitablemente. La película arranca con un pequeño guiño a Bleu pero de ahí en más no se preocupa por mantener su clima, sino que se hunde en un mar de tragicomedia y blancura grisácea conformada por la nieve polaca; adornada, igual que el film anterior, de hermosos planos honrando el color que la titula.

Para destacar es justamente ese abandono de la melancolía francesa retratado en Bleu, de la cual se desprende con rapidez al abandonar ese país y transcurrir mayormente en Polonia, permitiéndose así más crudeza y más contrastes. Por otro lado, son también llamativos los planos milimétricamente diseñados por Kieslowski, un director que aparentemente fue muy dedicado y con una visión clara de lo que buscaba plasmar (como lo recuerda Julie Delpy varios años después, en los comentarios del dvd).

En cuanto al concepto de igualdad, me costó encontrarlo en forma transparente en la película, pero mi suposición es que la dependencia entre la pareja protagonista denota eso que tenemos todos, por lo cual nos necesitamos los unos a los otros, y que posibilita los vínculos a través de esa identidad humana que nos iguala.

En síntesis, Blanc me gustó, por su originalidad (sobre todo en los personajes) y carácter propio, donde además la música sigue siendo parte fundamental de la obra. Tal vez me quedaron muchas ideas sueltas, pero no sé si la vería de nuevo.

... Bleu (1993)

2010-10-14T19:38:00.004+02:00

TRES COLORES: AZUL
de Krzysztof Kieslowski; con Juliette Binoche.

http://www.imdb.com/title/tt0108394/
[Alquilada en dvd]

Trois couleurs: Bleu es la primera película de la trilogía que hizo el director polaco Kieslowski en base a los colores de la bandera de Francia y a los emblemas de la revolución francesa. A juzgar por esta primera entrega, el propósito no parece ser retratar nada en particular de esos emblemas sino enmarcar cuestiones humanas universales en algún contexto, basándose en estos conceptos de libertad, igualdad y fraternidad. Algo así como una excusa que da eje y alinea la temática de cada film, y de paso los agrupa.

En Bleu o La libertad es azul, se hace un ensayo sobre la libertad en cuanto pérdida: la necesidad de investir las personas y las cosas para vivir en este mundo, y a fin de cuentas depender de ellas, resignando parte de la libertad individual que brinda la soledad.

Juliette Binoche es excelente, como siempre, en el rol de una mujer que pierde su familia y se enfrenta a la posibilidad de vivir sin investir; de deambular por el mundo ligada sólo a percepciones fugaces de los objetos y la gente que la rodea, de un entorno que -claro- intentará entrar a su libertad solitaria o libre soledad.

Un elemento importantísimo en la película es la música, conjugada con las escenas de forma vital, las construye y las completa. Parte de los elementos que buscan entrar en la vida del personaje de Binoche es justamente una pieza musical inconclusa de su difunto marido, y en la construcción de esa pieza se habla del interjuego artístico que acaba con la soledad y con la libertad: la creación también es limitación, al tomar de un conjunto de elementos una de las infinitas combinaciones posibles que de ellos se pueden hacer (como comenta Kieslowski en los extras del dvd). Además, las escenas se interrumpen cual obra de música, con pausas de oscuridad que sugieren el final de las mismas, pero son sólo silencios en una melodía.

Es ésta una película exquisita, donde el azul es pura melancolía y puro arte, omnipresente en los muy cuidados planos que constituyen en su totalidad una joya del cine, sin duda.

... noticias sobre una película prometedora

2010-10-04T14:40:00.004+02:00

Estoy percibiendo en el blog un enfoque excesivo en filmes franceses dramáticos, o bien yanquis sobre residentes malos (que no son de Calle 13), por lo cual veo necesario un reenfoque sobre nuestro querido continente sudamericano.

¿Se acuerdan de esa película ecuatoriana que me gustó tanto, Qué tan lejos? Fue la ópera prima de la directora Tania Hermida. Hace unos días encontré en esta página sobre cine de Ecuador, algunos comentarios sobre su próxima realización, a ser titulada En el nombre de la hija.

Este es un minisitio sobre la inminente película escrita y dirigida por Hermida, donde se encuentra la sinopsis argumental y otras informaciones sobre los realizadores, el proceso de filmación y demás. Al parecer, los planes son estrenarla a principios del año próximo. Para tenerla en cuenta.

... mi futuro pochoclero

2010-09-29T16:03:00.002+02:00

Con menos que el trailer conocido de la película Eat, Pray, Love (un par de afiches, alguna que otra nota leída por ahí), lamento informarles que caí en la nube mediática que la transporta, casi por arte de magia. A los que están en la zona despejada, les comento que la escritora Elizabeth Gilbert hizo el libro Eat, Pray, Love sobre un período de transición en su vida (pero firmó contrato para escribir sobre esta etapa justo cuando la iniciaba, lo que demuestra la autenticidad de todo, ¿no?), lo cual vino casi de la mano con una adaptación a la pantalla grande de lo que inmediatamente fue un best-seller. La película viene por su parte con megaproducción del creador de Glee y protagonizada por Julia Roberts.
Por mi parte, la cuestión es así: hace un par de semanas estaba husmeando libros en una librería (el mejor lugar para hacerlo) y me encuentro con un ejemplar de Eat, pray, love. ¿Y qué tal si...? pensé dentro mío, frente a un diseño de tapa tan agradable y la promesa de un relato tan ameno como tomarse un helado. Racionalizándolo con un "es para practicar inglés", decidí comprarme la edición vieja (la del diseño lindo), pero no la reedición con Julia Roberts en la tapa, porque eso sí era demasiado pop.

Días más tarde, me encuentro (alternando entre otras lecturas, no se preocupen por mi salud intelectual) atrapada en esta especie de libro-blog, con una literatura que no supera a la de este medio (los blogs), pero que es inevitable disfrutar en su simplicidad.
El sucumbir al fenómeno se completa de la siguiente forma: Cuando iba por algo así como un tercio del libro, me entero que el 1ero de octubre estrenan acá en Brasil la película, de visión inevitable una vez entrado uno en la espiral mediática mencionada. En otras palabras, estoy condenada a completar dentro de pocos días el ciclo de consumo libro-pop + peli-pop.
Con nada de pesar por tener que ir a verla (tengo recuerdos de que sí es posible disfrutar este tipo de filmes), ya puedo verme sentada en la butaca del cine dispuesta a ponerle la cara de Julia a todo lo que me había imaginado con el rostro de la autora. También puedo visualizarme quejándome acá con ustedes después de haberla visto, sobre todo lo vacío y superficial y poco comprometido y...
Algunas cosas son inevitables.

... Resident Evil 4 en 3D (2010)

2010-09-27T03:50:00.006+02:00

RESIDENT EVIL: AFTERLIFE (3D)
de Paul Anderson; con Milla Jovovich, Ali Larter y Wentworth Miller.
http://www.imdb.com/title/tt1220634/
[En Box Cinemas João Pessoa]

A los apáticos/sarcásticos/amargados que bostezaban sedientos de acción en mi post anterior, lleno de caricias y cuanta cosa melosa, acá les tengo su revancha: Resident Evil 4. En 3D. Tomá.
Hay bastante para contar porque además ésta fue mi primera peli en 3D, pero primero tenemos que remontarnos a un par de años atrás, para conocer la historia completa de mi relación con los malos residentes. Para ello introducimos a mi hermana otra vez, quien se está haciendo muy popular en este blog.

Escenario: Video club, mi hermana y yo eligiendo película.
-Hermana: (Con cara de entusiasmo) ¡Llevemos ésta! -señalando una de las primeras Resident Evil.
-Yo: (Con cara de consternación y gesto de levantar el labio superior de un solo lado, pruébenlo ahora frente al monitor para saber lo que digo) ¡Nooo!, ¡llevemos ésta! -señalando una película cool alternativa atractiva a los snob.
-Hermana: Ufa.
(Éste es un resumen de las guerras de video club, por lo general la cosa daba más vueltas hasta que Resident Evil 1 ó 2 terminaba sin alquilarse.)
Esta escena se repitió varias veces, incluso a pesar de mi inclinación por las películas de acción (acción de pelea, no de cosas que explotan); hasta que, habiendo salido ya Resident Evil 3, mi hermana con gran habilidad recurrió a mi debilidad por ver sagas completas y un día propuso, como sin mucha importancia:
-Hermana: ¿Y si alquilamos las TRES Resident Evil y hacemos una especie de maratón?
-Yo: (Revoleando los ojos y haciéndome la que no me encantaba la idea, mientras el número "tres" ya retumbaba en mi cabeza, y pensaba en las peleas y en hacer pochoclo y...) Bueno... puede ser, qué sé yo (¡¡¡SI!!! por dentro).

La maratón pasó, las pelis 1-2-3 no son gran cosa (ni siquiera en lo que a peleas se refiere), pero eso no importa ahora, porque voy a contarles sobre mi experiencia tridimensional.
Antes de entrar a la sala para ver la 4 tuve una especie de revelación acerca de que la película, más que de acción, es de zombies, y yo soy una cagona total para el cine de terror (reduzcámonos a ese ámbito, por favor). Sumándole a ésto que no sabía cuán alto podía ser el poder del efecto 3D, me imaginé por anticipado sufriendo varias noches de sobresaltos relacionados con zombies... Creo (bah, estoy segura) que fue más el miedo a tener miedo que el miedo que finalmente tuve. Los zombies (me acordé cuando ya empezó la película) son un bolazo, y por otro lado esta última entrega de la saga Evil es aún más que evil con sus espectadores: ¡Es malísima! Con una carencia total-total de argumento, el chiste (¿?) nomás resultó que aparecía Wentworth Miller (Prison Break) haciendo de preso por equivocación (pobre, ojalá después le ofrezcan otra cosa) y, claro, los efectos 3D.
Sinceramente me gustó mucho el asunto 3D, pero una duda que tuve es que transforma la película en algo más irreal de lo que sería normalmente, ¿no les parece?. Como que quita fidelidad, ambientación, sobriedad. Me cuesta discernir si es por el bodrio que fui a ver o si es algo general, pero el producto se parece más a un videojuego que a una película, y no me imagino cómo puede quedar en algo más realista. Sé que Scorsese está utilizándolo en su próxima película, y honestamente ni idea de cómo resultará este recurso usado en serio. Siendo Scorsese, seguro le sale bien.

... Un homme et une femme (1966)

2010-09-21T18:06:00.025+02:00

UN HOMBRE Y UNA MUJER
de Claude Lelouch; con Jean-Louis Trintignant y Anouk Aimée.
http://www.imdb.com/title/tt0061138/
[Alquilada en dvd]

Durante el semi-colapso sufrido en mi segunda visita a mi nuevo video club me alcanzaron las neuronas para pensar que era necesario ponerle algún orden a todo esto (léase: al enjambre de películas buenísimas para ver). Mi nuevo mejor amigo me ha ayudado a tal fin, previamente y sin saberlo (¡esos sí que son amigos!), clasificando películas por directores o rubros como: nacionales, todas las películas de Stallone (buenísimo! todas las Rocky, Rambo, etc.) o todas las Batman, pero principalmente por directores.
Apenas llegué a la zona de directores clásicos supe que era hora de conocer a Truffaut. El plan es empezar por Les 400 coups y darle para adelante, pero esa es otra historia que ya les contaré, porque consensuando con los potenciales co-videntes del film (es decir, nuevamente mi hermana, presente en todos los paréntesis), elegimos esta caricia al corazón, a los ojos y a los oídos que es Un homme et une femme.

Caricia al corazón: La más simple historia de amor en que dos personas se conocen y se enamoran, contada también simplemente en menos de dos horas por un genio, se transforma en una obra de arte. Es increíblemente inexplicable, pero uno se sienta, se entrega a la pantalla, y no hay dudas de que ahí hay algo cierto y el corazón se estremece ante la posibilidad de que dos personas se unan, al menos por instantes. Esto es obra de un Lelouch joven y atrevido, seguro, artista, quien en los extras del dvd nos cuenta que su ser no-cariñoso es lo opuesto a lo filmado, y me hace quererlo aún más mientras maltrata al equipo de filmación y relata el poco glamour con que se rodó esta película.
Caricia a los ojos: En la otra película mucho más actual de Lelouch que les he comentado en este blog, se percibe el mismo trato sensible sobre el encuentro de una pareja, pero en el caso de hoy, la fotografía (a veces blanco y negro y a veces color por cuestiones de presupuesto, lo cual termina siendo algo apropiado y perfecto) se lleva gran parte del mérito, mientras hace que el mundo entero se enamore del rostro de Anouk Aimée. Además de los primeros planos a esa increíble mujer, hay ciertas escenas en las playas del sur de Francia que son como para pegarse un tiro por su belleza (o disfrutarlas, si no son depresivos).
Caricia a los oídos: Finalmente, la música (a bajarse el disco, googlear: Francis Laï - Un homme et une femme) completa el hechizo. Hecha por Laï, incluye una versión en francés de la hermosísima Samba da Bênção de Vinicius y Baden Powell, y matiza en forma precisa el ritmo de las escenas. La canción original para la película seguro les va a sonar, y en sus tres versiones conmueve y acompaña la ficción, contando la historia simultáneamente con las imágenes.

Hoy he estado muy melosa y halagosa, con caricias y todo eso, así que disculpen si los agarré en un día apático o sarcástico o puramente amargado... pero es que son filmes como éstos los que me recuerdan la belleza del cine, y la cantidad de otras hermosas películas que existen y no he visto, imbatibles frente al paso del tiempo, esperándome para que las descubra. Al igual que con los libros, ésto me da una eterna esperanza en el mundo, en la gente, y en las sorpresas que esconde la vida para los que la viven con cariño.

... mi primera peli francesa en Brasil

2010-09-19T23:00:00.004+02:00

VIOLENCE DES ÉCHANGES EN MILIEU TEMPÉRÉ (2003)
de Jean-Marc Moutout; con Jérémie Renier.
http://www.imdb.com/title/tt0376961/
[En un ciclo de cine francés; bastante buena pero simplona].

Para ser más específicos con el tema de la mudanza, ahora estoy en Brasil (a los despistados: antes vivía en Argentina). Para despedirme de Argentina, la última película que vi allá (en cine) fue Igualita a mí y, si bien no preparó el terreno para ninguna nostalgia gauchesca, de todas formas es simpática y la pasamos bien en el cine.
Una más que aceptable bienvenida que me ha dado este país cinéfilamente hablando fue, además del videoclub del que les conté, una peli francesa en el marco de un ciclo anual de cine francés. ¡Y qué película en particular! Ésta tiene historia:
Como a mí me gusta todo lo francés, y sobre todo el cine (francés), siempre la he pasado más que bien en la Semana del Cine Francés (queda como actividad divertida para el lector contar cuántas veces uso la palabra "francés/a" en este post), de la cual me acuerdo haber reportado un par de películas (ésta y ésta). Un día hace un par de años, en que faltaba poco para que comenzara dicha Semana, en la Alianza Francesa me encuentro un folleto con las películas que iban a pasar, y entre ellas zas! una (Violence des échanges... ) con uno de mis actores francoparlantes favoritos: Jérémie Renier, a quien seguro ya he mencionado (pueden buscarlo acá a la derecha en donde dice "Buscar en este blog"). Más que encantada, le comento a todo el mundo que van a pasar Violence... y les muestro, a interesados o no, la sinopsis y la fotito y a Jérémie. Me llevo el folleto a casa para atesorarlo y más tarde, cuando le pego otra mirada: era el del año anterior.
No sólo no la vi en esa Semana de cine (porque no la pasaban, ja!) sino que nunca pude ver esta película en Argentina, así que fue todo un gesto de Brasil el ponérmela a disposición apenas llegada a sus tierras. El paquete francés fue completo: la película fue presentada por un francés (no lo estoy haciendo a propósito para que cuenten más "francés/a", los sinónimos posibles son rídiculos) de carne y hueso, quien después de verla nos introdujo -en portugués- a un debate sobre las implicancias políticas del argumento del film. Esto es porque Violence... es sobre un joven e inocentón auditor embarcado por primera vez en su tarea de realizar, para los dueños de una fábrica que se está por vender, una evaluación de sus empleados (de cara a una reducción de personal).

Por mucho que siempre me gustaron los cine-debate, pocas veces pude participar activamente de ellos por una timidez que me hace difícil decir delante de tanta gente todo lo que les suelto sin remordimientos en este blog. Pero esta vez se vé que la atmósfera franco-brasileña me enloqueció de alguna forma, porque apenas el francés abrió el debate me encontré iniciando una frase sobre esto de introducir el rol de la consultora (para algo así como "tercerizar" el despido) de modo de prevenir la reacción de los empleados frente a los patrones... Abierta ya la boca y emitidas las primeras palabras, internamente me di cuenta de que estaba intentando hacer una reflexión política en portugués, mientras que todavía la gente local no me entiende cuando les pido un poco de pan: algo de pánico sobrevoló mi cabeza, pero por algún motivo yo me sentía cómoda, el francés asentía, y le dí rienda suelta a mi comentario.
Me dijeron que mi aporte se entendió ("me dijeron" = eufemismo para "dijo mi hermana", quien tampoco es Jorge Amado). Qué importa, a mí me gustó la película y participé del debate, así que estoy tan contenta que ni les voy a hacer una reseña en español.

... a mi nuevo mejor amigo

2010-09-15T05:01:00.000+02:00

Pregunta: ¿Qué mejor que mudarse a un lugar nuevo y tener un video club a dos cuadras de tu casa?
Respuesta normal: Mudarse a un lugar nuevo y tener el mar a tres cuadras de tu casa.

Respuesta cinéfila: Mudarse a un lugar nuevo y tener un video club a dos cuadras de tu casa, y que el video club sea cinéfilo-compatible!!

Mi nuevo video club va a ser para mí lo que Championship Vinyl de Alta Fidelidad para los melómanos.

La historia es así: chequeando un video club normal a dos cuadras de mi nueva casa, con poster gigante de Furia de titanes incluido (el poster está en el video club normal, no en mi casa, por favor), y contenta por su cercanía a mi hogar, al salir de él descubro otro inmediatamente al lado. Curiosa por la curiosa ubicación de los dos competidores, entro al segundo video y me encuentro con la sorpresa: La competencia no es tal, porque allí donde en el video club 1 (normal) teníamos Dear John, en el video club 2 (genial) tenemos cantidades de películas independientes, de todas partes del mundo, cine-arte o clásicos. O al menos eso es lo que me pareció en un rápida mirada desesperada hacia las miles de cajitas. ¡ U A U !. Atendido por un señor malhumorado que, mientras leía, no me prestó mucha atención (lo cual alimenta mi fantasía de que es un super cinéfilo que me va a recomendar las mejores películas del universo), resulta un sueño hecho realidad y una promesa para este blog. Tengo agendada entonces una muy pronta vuelta al lugar para chusmearme todo y alquilar las primeras preciosidades. Yeah.

Mi nuevo mejor amigo no se parece a John Cusack.

... Taking Woodstock (2009)

2010-09-13T05:31:00.004+02:00

TAKING WOODSTOCK
de Ang Lee; con Demetri Martin y Emile Hirsch.
http://www.imdb.com/title/tt1127896/
[Bajada de internet]

Esta es una película chica de Ang Lee (director ecléctico si los hay, ¿cómo unir esto con El tigre y el dragón, o con Sensatez y sentimientos?), basada más que nada en el personaje (no sé cuán realista) de uno de los habitantes del pueblo donde se hizo el mítico festival de Woodstock -y quien aparentemente lo llevó allí- en 1969.
Con una fantástica actuación de tal protagonista (un reprimido simpatiquísimo interpretado por Demetri Martin), y de los secundarios (sobre todo Imelda Staunton; Emile Hirsch respetable haciendo de un loco de la guerra, aunque su personaje no es suficientemente explorado ni explotado), en ese sentido intimista la historia se sobrelleva con mucho entretenimiento; pero cuando el foco se quiere hacer en una época que cuenta por otra parte con tanta significancia, Taking Woodstock se desinfla. Mientras mostraban la muchedumbre drogada, conmovida por el rock y la convocatoria, no podía dejar de pensar que en esos años se vivió tanta agitación intelectual, política, revolucionaria, entre las cuales yo no rescataría esta tan-pseudo revolución del hippismo para vanagloriarla. Que conste que no ataco el fenómeno hippie en sí mismo, sino que en comparación a las transformaciones que se produjeron/podrían haber producido en los '60-'70, un grupo de gente que abandona (algo torpemente) las estructuras que lo aprisionan son una reacción obvia frente a sociedades saturadas, pero con poco vuelo. Como un niño que se quiere escapar de su casa y no tiene a dónde.
Pero volviendo a la película, sí me reí un buen rato y es muy amena de ver, así que tampoco es para despreciarla; repitiendo: funciona como el relato de un despertar individual, con un telón de fondo (Woodstock) que no me animo a llamar "despertar" masivo y que resulta una mera anécdota, no más.

... Hr. Boe & Co.'s Anxiety (2001)

2010-09-08T16:00:00.007+02:00

ANXIETY

de Christoffer Boe; con Nikolaj Lie Kaas y Maria Bonnevie.
http://www.imdb.com/title/tt0293263/
-Bajada;
-La vería de nuevo, las veces que hagan falta.

Si ya han entrado a este blog, lo que viene a continuación no es noticia: Me gustan las películas del danés Christoffer Boe y, con pocas excepciones, las de su actor amigo y compatriota Nikolaj Lie Kaas. A los nuevos, pueden leer: Acá, acá y acá.
Anxiety es un cortometraje previo al largo Reconstruction (y aunque bastante diferente, funciona como ensayo a este último), del mismo director (Boe) y con la misma pareja protagonista (Nikolaj + Maria Bonnevie). Permítaseme hacer entonces de esta reseña el homenaje a una de mis películas preferidas, Reconstruction, por lo cual no voy sino a halagar a Anxiety y sus realizadores.

Este es un corto sobre el sufrimiento casi físico que produce la separación entre la persona amada y el símbolo que la envuelve y la transforma en inasequible para el amante. Con puntos similares a Allegro, me gustó incluso más que ésta última.

Algo a relucir desde el comienzo: Como siempre, encontramos en el film esa premisa hermosa de Boe de explicitar el acuerdo entre creador y espectador sobre el mundo al que accede éste último a pedido del primero. También como siempre, se encarga éste de mostrar al amor, o a las relaciones de pareja, como algo terriblemente serio, de importancia preocupante y avasallante, como puede o no que lo sea en zonas más cálidas del planeta. La anxiety (angustia/ansiedad) en el protagonista masculino (Nikolaj) por alcanzar a su amada no es otra cosa que el producto de ese asunto serio, siempre retratado en su rostro. Y en su poderío Boeístico, las escenas hacen que uno se sienta efectivamente en presencia de algo importante, por esas ciudades danesas, con un tapado hasta las rodillas. Incluso sin comprender demasiado: es cierto que Anxiety es de esas películas en que no se entiende nada en particular, pero no importa porque la esencia se capta y el resto son asociaciones secundarias que pueden o no sumar al disfrute (lo cual no quita que me sentaría a interrogar a Boe por un par de horas por cada una de sus películas).
Y finalmente como siempre (excepto quizá Offscreen), aquí presente esa fotografía hermosa que uno se quedaría mirando toda la vida. Fotografía que aunque muchas veces oscura, siempre resulta atractiva y cautiva en los primeros planos de los protagonistas: entre toda esa oscuridad, la cámara sabe dónde encontrarlos. Qué desgracia que jamás he podido ver una peli de Boe en el cine.

... Mammoth (2009)

2010-09-05T20:37:00.001+02:00

MAMUT
de Lukas Moodysson; con Gael García Bernal y Michelle Williams.
http://www.imdb.com/title/tt1038043/
-Bajada de internet;
-Es una muy buena película pero tampoco entusiasma verla de nuevo.

Mammoth plantea la problemática del ser humano en un mundo globalizado y capitalista, permitiéndose mediante perspectivas amplias de espacio y de tiempo observar al hombre con frialdad, como una especie singular, probablemente destinada a extinguirse eventualmente. Es así que durante la película se observan minuciosamente los eventos cotidianos de personajes muy disímiles entre sí, ligados por ese anhelo humano de algo que llene la parte vacía con que carga inevitablemente.
Las actuaciones sustentan la credibilidad de este examen a la especie, acompañadas por la fotografía, y el argumento se aleja pocas veces de situaciones creíbles o de diálogos posibles. Más que una película "coral", si bien su historia avanza en líneas paralelas, ésta se parece a un extenso primer plano: retratado ello explícitamente en un par de escenas en un planetario, donde desde la amplitud del universo se encuentra a la tierra como un oasis de vida, los relatos de los personajes son análogamente un enfoque aleatorio sobre oasis-personas ineludiblemente solos.
En un arranque simplista se podría afirmar que el film aborda dicha soledad (en una pareja, en la relación padres-hijos, a nivel laboral) en cuanto condición propia al ser humano por su conciencia, y exacerbada por el capitalismo posmoderno; pero como yo lo veo parece más un ensayo sobre la naturaleza de ese aislamiento modelo siglo XXI, una especie de descripción de los caminos por los cuales se empuja sin éxito en la vida para salir del oasis propio. No hace ni falta decir que ese empuje es con pocas excepciones infructuoso, y Mammoth tampoco se esfuerza en negarlo; es allí donde tal vez le falta algo a la película como obra de arte, o a sus realizadores: el romper con esos esquemas que niegan la comunicación y proponer una vía -cualquiera sea-, que más que esperanza le muestre al espectador que hay un artista detrás de la pantalla, capaz de elevarse sobre un mero -aunque válido- retrato y de alcanzar la creación.

... Looking for Eric (2009)

2010-08-31T16:00:00.001+02:00

BUSCANDO A ERIC

de Ken Loach; con Steve Evets y Eric Cantona.
http://www.imdb.com/title/tt1242545/
-Bajada de internet;
-La vería de nuevo.

Embarcada en el universo agridulce, tierno y aguerrido de Ken Loach, del que hace poco les he hablado, era hora para mí de salir en busca de Eric. Esta búsqueda es la un hombre sufrido, un trabajador (Eric, cartero) como cualquier otro, que se encuentra en un estanque de su vida; listo para despegar de él con la ayuda de algunos amigos. Y lo simpático de la película es que entre esos amigos se encuentra una especie de alterego para el cartero Eric, su ídolo Eric Cantona. Este futbolista francés parece ser tan querido por los ingleses como Maradona por nosotros, y es ese estrecho vínculo entre la estrella y su público, entre el hincha y el jugador, el que integrado en la película muestra lo más simple del ser humano y sus afectos.
Más que bien actúa Steve Evets (Eric-cartero), con una fragilidad que empatiza a cualquier público, y acompañado de amigos en la ficción igualmente carismáticos. Leí por ahí, en una entrevista a Loach, que la primera escena en que a Eric-cartero se le aparece su ídolo en persona, tuvo su dosis de realidad: el actor Evets no sabía que Eric Cantona participaría en la película y se las ingeniaron para filmar su auténtica reacción de sorpresa ante la aparición de la estrella del futbol.
Aunque Buscando a Eric tiene un número de escenas super graciosas, es difícil catalogarla como comedia por el peso dramático que tiene la cotidianeidad de este cartero desorientado; pero es tal la ligereza que nos deja en el alma cuando terminamos de verla, que no admite dudas para considerarla como una comedia sobre la tragedia de la vida. (Carol Burnett dijo que la comedia = tragedia + tiempo, siendo reemplazable aquí el tiempo por algo de perspectiva, que es lo que Cantona, a mi parecer, aporta al Eric-cartero. O bien como dijo Aldous Huxley: "En la tragedia participamos, en la comedia observamos"; nuevamente Cantona desde su poster aporta otra perspectiva. Éste se hizo un paréntesis muy largo.)

Hoy ha salido un post enrededado. No se pierdan en él y mejor vayan a ver Buscando a Eric, que además del talentazo de Loach, tiene toda la simpleza que hoy le faltaron a mis palabras.

... Carlos (2010)

2010-08-25T16:03:00.023+02:00

CARLOS
de Olivier Assayas; con Edgar Ramírez.
http://www.imdb.com/title/tt1321865/
-Bajada de internet.
-La vería de nuevo.

Ayer comenzó la proyección privada (o sea, en mi casa) de la miniserie Carlos, la cual finalmente conseguí (!), y que esperaba desde el año pasado.

EPISODIO 1
http://www.imdb.com/title/tt1672282/

Miércoles 25: Por ahora he visto el primer episodio, con mucho ritmo, cuenta el comienzo de las acciones "terroristas" de Ilich Ramírez en Francia, como parte del Frente Popular para la Liberación de Palestina, aunque con su propio bagaje de lucha. Me gusta de esta primera parte que no se preocupa en entretener, simplemente entretiene mediante un clima denso de eventos y, sobre todo, diálogos con mucha carga. (Increíble que ésto sea fruto del mismo Assayas que el de L'heure d'été, tan simbólica y lenta.)
Édgar Ramírez arranca muy verosímil como el chacal, con un discurso creíble y una expresión que todavía no alcanza a explicar por completo la naturaleza de este revolucionario tan seguro de sí mismo, con ideas claras, pasión y frialdad. Supongo que eso estará por venir.
Otra cosa notable es cómo la época está retratada con esa atmósfera única de los '70, envuelta del clima internacionalista de los movimientos revolucionarios y mostrando latinos, árabes, orientales y cientos de idiomas en el corazón de Europa.
Esta noche se viene el segundo episodio, que promete mucha acción en Viena y al servicio de Saddam, con un Carlos super canchero con su boina.

EPISODIO 2
http://www.imdb.com/title/tt1672283/

Jueves 26: En la segunda parte se nota un poco más la mano de Assayas, porque eso mismo que yo mencionaba como "no preocuparse por entretrener" es una especie de narración al parecer propia de este director, donde muestra y muestra situaciones, casi a modo puramente descriptivo, y uno se siente observando desde afuera una realidad.
En cuanto al personaje de Carlos, se empieza a vislumbrar un poco más esa antítesis entre el hombre de ideas (representado por otro personaje, Angie), y el terrorista famoso (Carlos), figura mediática con ganancias millonarias, y líder: una antítesis poblada de contradicciones y reflexiones sobre lo que realmente significa hacer una revolución. La lucha anti-imperialista suscita aquí otros imperios, en los que los gobiernos entretejen sus intereses y logran que se diluya la lucha del pueblo entre otras luchas de poder.
Entiendo que al verdadero Ilich no le gustó ni medio cómo quedó retratado en esta ficción, y comprendo que sea así, sobre todo por lo que se parece avecinar en la última parte: un Carlos al servicio de diferentes intereses políticos, pagado por entidades revolucionarias y cada vez más creído de su poderío; también entiendo que el verdadero compromiso con la causa o la problemática de Ilich como persona jamás podrá ser conocida íntegramente, así que sólo nos queda verlo como el personaje que nos decidió contar Assayas.
A excepción de la casi primera hora del Episodio 2, creo que me gustó más la primera parte.

EPISODIO 3
http://www.imdb.com/title/tt1672284/

Sábado 28: Bueno, con todo Carlos procesado, ahora me veo en problemas de sintetizar la tercera parte, y la "película" en su totalidad. Sabrán perdonar que no esté a la altura de las circunstancias. Algunos comentarios, entonces:
Este episodio es aisladamente muy bueno (es importante que una vez vistos los tres episodios se hace evidente su homogeneidad y ya no es posible compararlos entre sí, sin dudas se trata de una película -muy larga, pero no de una serie-), y no destroza tanto la imagen del incansable Carlos como yo esperaba. A pesar de su eterna huida, su machismo, despotismo y actitud omnipotente, a través de todo ello se mantiene la intención de un cambio hacia afuera, del mundo. Algo de eso menciona el actor Edgar Ramírez en esta corta entrevista (en francés, je suis desolée), donde afirma que en su personaje coexistían equilibradamente una obsesión narcicista por lograr su lugar en la historia, con sus ideales y su voluntad de cambiar el mundo.
Más que eso no puedo resumirles el film: las circunstancias históricas son sumamente interesantes y justifican la mitad de ver la película, siendo la otra mitad la cuestión de replantearse una vez más cuál es el rol de cada uno frente a los imperios que dominan el mundo.

... The road (2009)

2010-08-22T18:23:00.002+02:00

LA CARRETERA
de John Hillcoat, basada en la novela de Cormac McCarthy; con Viggo Mortensen.
http://www.imdb.com/title/tt0898367/
-Alquilada en dvd.
-Da para ver de nuevo (no pronto).

The road es la aclamada novela de Cormac McCarthy (también el escritor de No country for old men), publicada en el 2006, y que encuentra su forma fílmica en este largometraje de lo más intenso y desgarrador. Su director es el australiano John Hillcoat (¿o es el observador de Fringe?), quien se destaca en un relato visceral sobre la odisea de un padre y un hijo -sin nombres, como el resto de los personajes- en un mundo devastado.
Respetando la premisa de la novela, el estado apocalíptico del entorno no se explica, sino que sólo sirve como escenario para la lucha del hombre y del niño contra la muerte, contra la entrega al estado animal que implica no mantener el "fuego interior" (como bellamente se bautiza en la película); lucha que no es otra cosa que elegir la vida, en ése o cualquier entorno menos hostil.
La dinámica entre los personajes principales celebra esa continuidad de la vida y la intención necesaria para seguir en el camino, aún sin esperanzas claras o destinos predeterminados. Con actuaciones sensibles y emocionantes, tanto Viggo Mortensen (el padre) como el pequeño australiano Kodi Smith-McPhee (el hijo) alcanzan aquella fibra especial que remite a la esencia del ser humano, y que convierte a The road en una muy buena película.
Éste es un film visualmente diferente, con un clima muy propio y poblado de sensaciones ni tan ajenas ni tan inimaginables, aunque retraten la devastación total. Porque el viaje de los protagonistas no es otro que la empresa de vivir, y denota la dificultad intrínseca de no sólo no estar muerto, sino de ser una persona mientras tanto. Y para eso no hay descanso: En un mundo azotado y gris, la pesadilla es soñar con lo fácil o la felicidad (expresado por los sueños en colores, en el film); es decir, con cualquier cosa que no sea la lucha diaria por mantener el fuego.

Nota: Aquí un diario de rodaje del director.

... algunos programas de tv con buen cine

2010-08-19T16:00:00.004+02:00

Fuera de los canales de cable con los super estrenos, quería señalarles dos programas de televisión que vienen pasando cine que me gusta, uno en Canal 7 (Argentina), los sábados por la noche:
Versión original - Conducido por Leonardo Sbaraglia; las veces que me fijé estaban pasando películas de los Dardenne (El hijo), Caroline Link (En algún lugar de África), entre otras, y sin propagandas. Pueden chequear cuál pasan cada sábado a las 22 hs acá en la grilla.

Por otro lado, I.Sat suele tener lindas películas en su ciclo Primer Plano (miércoles 22 hs), pero el canal además hace este mes un "especial" con los films de Linklater, todos los viernes de agosto a la medianoche. Avisé un poco tarde, ya se perdieron la loca y muy buena A Scanner Darkly, y Fast food nation, más comprometida e imperdible también. Pero no se quejen, porque luego de una desconocida por mí Suburbia (viernes 20 a las 12.30 am) se viene la que todos queríamos: Antes del atardecer (viernes 27, mismo horario).

Nota: Los horarios son para Argentina, cualquier cosa fijarse en la página de I.Sat (sólo para Internet Explorer ¡¡!!).

... Sweet sixteen (2002)

2010-08-15T22:23:00.004+02:00

DULCES 16
de Ken Loach; con Martin Compston.
http://www.imdb.com/title/tt0313670/
-Bajada de internet;
-La vería de nuevo.

Hoy me toca rendirle tributo a un grande: el director inglés Ken Loach. Maestro como pocos porque en su caso, el ser buen cineasta completa su figura de hombre con ideas; sus películas son afirmaciones, tienen fondo, contexto y corazón.
Una de las primeras suyas que vi es Tierra y Libertad, cruel y apasionado film sobre la guerra civil española narrado a raíz de la historia de un británico que viaja a sumarse a la lucha (con algunas idas y vueltas). Ésta y muchas de las creaciones de Loach (generalmente con Paul Laverty como guionista) han sido premiadas y aprobadas por la crítica, en particular la genialísima El viento que acaricia el prado (Palma de Oro en Cannes '06). Si no la han visto, los invito a dejar de leerme y hacerlo ahora mismo. Protagonizada por Cillian Murphy (super talentoso de la República de Irlanda, quien también participó en Inception pero que no llegué a halagar por cuestión de síntesis), narra las experiencias de dos hermanos durante la guerra de independencia irlandesa a principios del siglo XX, y es de esas películas enteras, enormes, infaltables para cualquiera.
Pero todo esto viene a que vi Sweet sixteen, otro de sus films premiados en Cannes y ahora también por mí.

Martin Compston y Ken Loach

Los días de un joven quinceañero previos a sus "dulces 16" nos entregan en esta película un pedazo de Escocia, un pedazo de la vida de una clase baja que se reiría de las chicas de Limpieza Sunshine. Para lograrlo, Loach se vale aquí (como siempre) de la actuación impecable del debutante Martin Compston, mi nueva adquisición en mi colección de actores preferidos. Compston (Liam, el quinceañero), dueño de un rostro expresivísimo y un personaje más que entrañable, se encuentra rodeado de una familia y un entorno social decadente, donde sus posibilidades a futuro son sólo variantes de esa misma decadencia.
Pero en su caso lo marca algo más, un costado "inocente" paralelo a su madurez callejera, que insiste en reclamar sus necesidades de niño. Quiere a su madre, quiere que esté todo bien, quiere lo mismo que el espectador cuando se adentra en su historia. Y es esta entrega de Liam en su insistencia la que arma un viaje emocional a disposición del público, quien empieza como observador y culmina codo a codo con la tragedia de una vida sin salida: porque aunque esté planteada así desde el principio, su protagonista parece por momentos convecernos de que hay otra posibilidad, una salida.
Sé que este tipo de películas pueden arrancar pesadas (lo cual es subjetivo, no es que se aceleren después, es que luego uno ya está adentro), a lo que se suma cierta reticencia del que mira a visitar realidades no gratas, habiendo otras más coloridas en películas "felices". Pero a esos reticentes les insisto en tener la confianza en que un (buen) realizador como éste, con su don mágico de cineasta, transforma todo detalle negativo, todo personaje extraño y circunstancia no atractiva, en algo a lo que podemos acceder y transitar por el tiempo que dura el film. Así, ya no queda lugar para aburrirse, no existen los golpes bajos, la ficción desaparece como tal y sólo queda una excelente película para disfrutar, en el sentido más amplio del verbo.

... Sunshine cleaning (2008)

2010-08-12T15:09:00.010+02:00

LIMPIEZA SUNSHINE
de Christine Jeffs; con Amy Adams y Emily Blunt.
http://www.imdb.com/title/tt0862846/
-Alquilada en dvd.
-No la vería de nuevo.

Si ahora voy a darle con un caño a Sunshine Cleaning, que no deja de ser una película visible, es por dos motivos: el primero es que el universo necesita un equilibrio y -si se fijan- las últimas críticas vienen siendo todas positivas (por lo cual ya se hace necesario despotricar); el segundo es que el film honestamente no está a la altura de otros grandes que vengo viendo, por lo cual pierde en comparación.
Este pequeño drama pretende retratar la vida de la clase media-baja norteamericana, poniendo a sus otrora glamorosas actrices protagonistas a ensuciarse y trabajar como cualquier otro mortal. Pero no pasan muchos minutos para que uno se quede afuera de la trama, expulsado por una falta notoria de "corazón", por actores carismáticos pero no creíbles (Amy Adams casi lo logra) en personajes que no son nadie, en una historia que no nos compele.
La imagen que me transmitió esta película (con ciertas pretensiones de "humor de lo patético") es la de un director intentando reproducir esos films simples (raramente yanquis) donde las escenas cotidianas construyen un drama verdadero. No logrado esto, se obtiene una suma de anécdotas (unas más dulces, otras más amargas) pero que no llegan a ser nada, montadas sobre una casi caricatura de ese emblema que es la mujer limpiando.
Si no tienen otra cosa para ver, véanla, porque no es malísima; pero mi advertencia es que al terminar se siente más bien como una promesa no cumplida, y dan ganas de ver una película en serio.

... Inception (2010)

2010-07-31T00:02:00.009+02:00

EL ORIGEN
de Christopher Nolan; con Leonardo Di Caprio.
http://www.imdb.com/title/tt1375666/
-En Cinemacenter San Luis.
-La vería de nuevo, claro! Imperdible en cine.

Bombardeo mediático es el que hemos sufrido con Inception. Desde que salió su trailer, todo aquél que lo mencionaba tenía interés en ir a verla, y una vez estrenada, las críticas excelentes y criticonas llovían por todas partes. Bajo ellas me puse el paraguas -no leí ni una- y cerré los ojos frente a los muchos resúmenes sobre el argumento. Mis únicos datos: el director es Nolan, algo sobre los sueños y Di Caprio (alcanza); desprovista de más detalles, allá fuimos mi entusiasmo y yo (y un sánguche de jamón y queso colado en el cine).
El veredicto: Tre-menda. Tenemos que sumarle el factor subjetivo y aclarar que mi estado anímico no es de lo más estable actualmente, y la película puede gracias a eso impactar mejor, pero la verdad, me sacudió. Empieza (excepto la primerísima escena, promesa de que la cosa va a otro lado) más como una Misión Imposible con efectos especiales (aparte de los de acción, claro); pero cuando aparece la historia del personaje de Di Caprio y su esposa (Marion Cotillard), zas! ahí me mataron. No sé si les ha pasado eso de dormir una siesta (soy del interior, yeah) e irse tan, pero tan lejos en los sueños, que cuando se despiertan de día, a la extrañeza de la luz solar vespertina se le suma una angustia infinita de saltar entre realidades: De sentirse anclada a ésta corporalmente y todavía seguir más frágil, soñando. Bueno, no tengo idea de si eso mismo estaba en la película o es mío, pero el personaje de Cotillard me representó exactamente eso, aún con su actuación de siempre, aún con un guión resuelve-todo.
El resto de la historia es densa (te mantiene la cabeza activa gran parte del tiempo), y a su vez tan simple que no vale la pena contar el argumento. Sí, no tiene la sutileza y libertad con que podría tratar el tema un film europeo, ni una expresividad artística más allá de los límites yanquis, pero eso nadie lo prentendía, ¿o si?. No, no parece un sueño ni tiene clima surrealista, pero a fin de cuentas es esencialmente un thriller. Además de bien llevada (casi 2:30 h), tiene cierta capacidad de encerrarte en la película, y están increíblemente logrados los relatos pseudo-paralelos, así como ese impacto sensorial que les comentaba sobre dormirse de día. Qué más pedirle. En la actuación me dejaron dudas los jovencitos Joseph Gordon-Levitt y Ellen Page, algo así como demasiado comunes para fomentar la trama onírica. Di Caprio sigue siendo el rey. En fin, les recomiendo Inception y me pongo ya mismo a leer todas las críticas que estuve guardando! (Les aviso si me gusta alguna.)

Nota: Sale Tom Berenger! Cuando lo vi me mataba por acordarme el nombre (no pude).

... no muy buenos números

2010-07-29T15:34:00.012+02:00

Leyendo los anuncios de las películas en competición para el próximo festival de Venecia, me entero que entre ellas está The Solitude of Prime Numbers, o La soledad de los números primos, dirigida por Saverio Costanzo. Ni sabía que estaba hecha esta adaptación del libro homónimo, obra del encantador físico teórico italiano Paolo Giordano.
Vale aclarar que dicha novela sobre el sufrimiento, por muy bestseller que haya sido/es, y premios que haya ganado (entre ellos el Strega, el más importante de la literatura italiana), no me gustó para nada: superficial, afectada, aunque bastante entretenida (se lee en pocos días). Pero aún así, tengo intriga sobre esta película y planes de verla cuando sea posible.

(Me informan los programadores del festival de Venecia que, por inverosímil que parezca, el autor de la novela NO actúa en la película. Bueno, creo que la veremos igual.)

... Fair play (2006)

2010-07-22T19:40:00.002+02:00

FAIR PLAY
de Lionel Bailliu; con Jérémie Renier, Eric Savin, entre otros.
http://www.imdb.com/title/tt0454602/
-Bajada, os cor.
-La vería de nuevo, probablemente.

Un mal para los bajadores de cine, no tan frecuente como molesto, consiste en no conseguir los subtítulos de esa película que va a ser tan fantástica cuando entendamos lo que dicen los actores. Existen casos críticos, como el del cine danés, donde no hay chance alguna de imaginarse qué hay detrás de tantos groben y lygter; pero aún siendo más familiar a nuestros oídos, al francés también cuesta seguirlo, especialmente en este caso: Fair play está construida alrededor de sus diálogos veloces, de modo que no había curso de francés ya hecho que me ayudase a entender las intrigas que se arman en las seis secuencias en que se divide este film. Es así que cuando hace un par de días le conseguí finalmente subtítulos (hace cerca de un año que la tenía), me puse más que contenta: mejor que película que promete, es una película que promete con actores que nos gustan (Jérémie Renier, Marion Cotillard y el GENIAL Benoît Magimel).
Ya vista (y leída), no me decepcionó para nada; Fair Play es una graciosa crítica al capitalismo salvaje, montada en las guerras de oficina de personajes desagradables, involucrados siempre en escenarios de contienda deportiva. El mejor de tales segmentos "deportivos" que la conforman es, sin asomo de duda, el segundo (y a mi parecer el más flojo, el segmento final), entre el personaje de Jérémie Renier y su jefe -un impecable Eric Savin-. Más allá de que actúen algunos de mis actores preferidos, se trata de una propuesta original y recomendable de ver, sobre todo con subtítulos.

... through the looking Glass (2)

2010-07-15T20:52:00.002+02:00

Prosigue J. D., unos años antes:

"...Es una mujer irritante, empecinada en sus opiniones, un tipo que B. no soporta. No creo que la viera como es. Una persona desprovista, de por vida, de toda comprensión o gusto por la principal corriente de poesía que fluye en las cosas, en todas las cosas. Podría estar muerta, y sin embargo sigue viviendo, deteniéndose en los almacenes finos, viendo a su psicoanalista, consumiendo una novela por noche, poniéndose la faja, conspirando contra la salud y la prosperidad de M. La quiero. La encuentro increíblemente valerosa."

[de Levantad, carpinteros, la viga del tejado]

Porque tampoco es cuestión de rechazar lo prosaico.

... through the looking Glass

2010-07-10T18:06:00.004+02:00

Dijo mi amigo, el genio Jerome David Salinger:

"...Pienso que los versos clásicos chinos o japoneses son, en su forma más alta, expresiones inteligibles que agradan, iluminan o ensanchan al invitado fisgón casi hasta matarlo. Pueden ser, y con frecuencia lo son, especialmente gratos al oído, pero debo decir que por lo general, si el verdadero fuerte de un poeta chino o japonés no reside en reconocer, cuando los ve, un buen níspero, un buen cangrejo o una buena picadura de mosquito en un buen brazo, por largas, insólitas o fascinadoras que sean su semántica o sus tripas intelectuales, o por encantadoras que suenen al tañerlas, nadie en el misterioso Oriente lo tomará en serio como poeta, si es que lo considera poeta."

[de Seymour: una introducción]

Se aplica al poeta japonés, chino o argentino, pero también al cineasta; se aplica a todo el que habla.

... Away from her (2006)

2010-07-06T23:00:00.001+02:00

LEJOS DE ELLA
de Sarah Polley; con Julie Christie y Gordon Pinsent.
http://www.imdb.com/title/tt0491747/
-Por I-Sat;
-La vería de nuevo, pero dentro de un tiempo.

Away from her es la ópera prima de (escrita y dirigida por) la también actriz Sarah Polley. Esta canadiense fue la impecable protagonista de Mi vida sin mí (de la Coixet, con quien también hizo La vida secreta de las palabras, en mi lista a ver), un hermoso film con puntos similares a éste del que hablo hoy, en su tono melancólico, sin pretensiones, y sensible.
Un resumen breve sobre Away... seguramente dirá que es acerca de las desventuras de una pareja entrada en años, en la cual la esposa sufre el mal de Alzheimer. Yo agregaría que es también una película sobre la aceptación, sobre el carácter transitorio de todo, y como siempre, sobre la soledad del ser humano. Creo que con el plano inicial/evocación ya demuestra que es un film con corazón, que va a ahondar en nuestra memoria sensible de las cosas; y aunque después se disfrace de un conjunto de situaciones cotidianas bellamente fotografiadas y actuadas, tiene un fondo inasequible, como el del texto que lee el protagonista en una escena, de "Letters from Iceland". Bordada de un frío cálido y de nieve, Away from her es una demostración de que más al norte que el norte se hace lindo cine.

... cumple un año!

2010-06-30T04:59:00.000+02:00

A diferencia de Ulrich acá arriba, no tengo un gran discurso preparado (menos mal), pero sí quiero celebrar que este proyectito ya duró un año entero, desde aquel primer post sobre Brutti, sporchi e cattivi.
¡Gracias por seguirme los que me siguen, por leerme los que me leen, y por comentar los que comentan! Esperemos que la vida siga trayendo buenas películas y que esas películas cambien nuestras vidas.
¡A festejar!

... sigue vivo

2010-06-28T04:59:00.000+02:00

Sabrán disculpar algunas ausencias, es que estos días ando bastante... ocupada.

... Celda 211 (2009)

2010-06-14T16:33:00.008+02:00

CELDA 211
de Daniel Monzón; con Alberto Ammann y Luis Tosar.
http://www.imdb.com/title/tt1242422/
-Alquilada en dvd;
-La vería de nuevo.

¡No dejen de ver esta película! Argumento simple: un novato guardiacárcel queda atrapado en un motín y aprovecha que su primer día de trabajo aún no ha llegado (nadie lo conoce) para hacerse pasar por un preso. No les arruino nada con tal preámbulo porque esto pasa en los primeros 10 minutos y la cosa se pone mejor.
Probablemente han leído algo de la prensa que tuvo (ganó 8 premios Goya -película, guión, director, actores, entre ellos-), y a pesar de las dudas que eso genera, este film español se va reivindicando a sí mismo a medida que avanza. Celda 211 tiene mucho suspenso, buena acción, ritmo, y mejor aún, un guión con ideas claras que se mantiene coherente: La cárcel mostrada como lo que es, una necesidad sólo para un sistema podrido como el que impera; los carceleros en su rol igual de criminal que el del presidiario, o peor, por su situación de poder (parafraseando a uno de ellos: "algunos de los presos están acá por un tiempo, nosotros estamos en la cárcel toda la vida").
Además de ser perfecta en su resolución, cuenta con actuaciones que son un caso aparte: el argentino Alberto Ammann (hijo de Luis Alberto Ammann) debuta en el cine con mucha entrega, y tan facilitador de la empatía público-protagonista, que se hace imprescindible para la narración. Luis Tosar se luce más que este último, y a la luz de este film le pido disculpas si lo calumnié cuando sufrí Cargo. Hablando de Daniel Brühl (¿?), Alberto Ammann se le unirá en esta nueva película, así que no podemos esperar por verla!

... este trailer

2010-06-06T22:54:00.013+02:00

El avance (sólo apto para políglotas) corresponde a la película Carlos, a la que vengo esperando desde el año pasado, y que resultó ser una miniserie de 5:30 h!. Fue emitida en 3 episodios por Canal + en Francia, y presentada fuera de competencia en el pasado Festival de Cannes 2010.

La desgracia es que si llega al cine, será acortada en una versión de dos horas, y a televisión es seguro que no llega, al menos este año... ¿Ideas para poder verla? Yo tengo un par!

... el final de Lost

2010-05-27T19:04:00.006+02:00

LOST - THE END (2010)

He venido evitando hacer comentarios sobre series dado que este es mi espacio consagradísimo al séptimo arte; pero, como sabemos todos, la experiencia Lost escapa al concepto de televisión y su super-capítulo final The End ha sido más que merecedor de elaboraciones posteriores. En mi caso, empecé a ver esta serie desde su primera temporada y me acompañó tantos años que ha sido un placer completar la experiencia de esta forma.
Hay miles de análisis posibles para hacer tanto de Lost en general como en particular de su final, y yo en este caso me voy a limitar a explicar mis 3 razones por las que el último episodio me pareció GENIAL:
[Obviamente, recomiendo leer esto al que lo haya visto.]

1. El "acordarse": Recurriendo a un fenómeno casi de insight, el hecho de que cada personaje completara su ciclo en la historia "acordándose" de todo lo vivido en la isla me pareció un modo fantástico de representar una misión personal, el cierre de aventuras individuales épicas realizadas mediante sus aventuras terrenales -o no tanto-. Si en las primeras temporadas los flashbacks mostraban conflictos que los personajes resolvían mayormente en la isla, en esta nueva realidad "alternativa" la resolución ya había ocurrido pero era preciso recuperarla, hacerla consciente para capitalizarla. Nadie tiene ya que "hacer" nada en particular, como ha sido la línea de toda la serie, sino simplemente ser consciente de todo lo hecho para que su presente sea real o significativo. Y esto se relaciona con lo siguiente genial del capítulo:

2. Los guionistas se tomaron una libertad tremenda y que aprecio en particular, la de quitarle el acento a la resolución en hechos y ponérselo a la conciencia de los mismos. Logran así un nivel de abstracción donde no importa qué pasó exactamente con cada personaje, qué es lo que hizo cada uno, sino lo que eso significa en su leyenda personal. Que la escena de la reunión en la iglesia (y en general, toda la realidad "alternativa") no tuviese un tiempo definido es algo que puede molestar a una mente lineal y mecanicista, pero que se intuye tremendamente cierto cuando vemos que cada uno llega a ese lugar a su propio tiempo. Un lugar que siempre estuvo y que sigue estando, accesible en la medida en que los personajes se "acuerdan".

3. La tercera razón por la cual The End fue genial es su realización técnica/artística, y por supuesto el guión. Los actores también se notaban al nivel de las circunstancias y transmitían lo trascendente que fundaba e infundía todo el capítulo. A pesar de lo que expliqué en los primeros dos puntos, los realizadores de Lost no abandonaron del todo el plano de la acción y resolvieron a la perfección el dilema Jack-Locke con una super batalla a lo Matrix Revoluciones; también le dieron un final conmovedor a Jack, que cierra un círculo completo en su vida como todos querrían, como le corresponde al héroe de la historia. Es verdad que la sexta temporada no venía mostrando el mismo nivel de algunas otras, pero este episodio se remontó hacia lo mejor de la serie y además (como siempre hizo Lost) permite una revisión de toda la temporada con nuevos ojos.

No me queda más para decir, salvo recomendarle a aquel que está fuera de la Lostlocura el pack de las 6 temporadas para un shock de ficción de la buena; o simplemente recomendarle vivir su vida de forma que, cuando llegue el momento de pasar a lo siguiente, encarne verdaderamente su aventura en la isla que es este mundo.

... Offscreen (2006)

2010-05-24T17:51:00.006+02:00

OFFSCREEN
de Christoffer Boe; con Nicolas Bro.
http://www.imdb.com/title/tt0418982/
-Bajada;
-No sé si la vería de nuevo...

Este es un experimento más que bien llevado a cabo por el director danés Christoffer Boe (atención a su próxima peli!, se viene otra colaboración con Nikolaj). Planteado en forma de documental, desarrolla la evolución emocional de un hombre solo, en su creciente confusión. El camino hacia la locura, hacia el aislamiento del protagonista, es realizado por Boe en forma diestra y muchas veces cómica, manteniendo la atención del espectador todo el tiempo.
En la medida en que la situación se vuelve más irracional, se destaca la actuación comprometidísima del sujeto principal, una versión muy especial de sí mismo interpretada por Nicolas Bro.
Si Offscreen no termina de ser una buena película es porque se perfila más como un ensayo; a mi me dejó una impresión de ideas abiertas más que de obra completa. Sin embargo, es muy interesante de ver, por su originalidad y por ser otra muestra de que el cine danés es creativo, inteligente y osado. En síntesis, un film impactante, no sólo por sus cada vez más crudas imágenes, sino porque transmite con claridad la locura que habita en el ser humano, en y fuera de la pantalla.

... Carancho (2010)

2010-05-14T20:25:00.007+02:00

CARANCHO
de Pablo Trapero; con Ricardo Darín y Martina Gusman.
http://www.imdb.com/title/tt1542852/

-En Cinemacenter San Luis.
-La vería de nuevo.

La de Carancho fue una experiencia intensa porque como película es buenísima, pero impacta lo que se describe, y los recursos que se usan para hacerlo. Digna continuación para la genial Leonera (también recomiendo de Trapero Nacido y Criado, donde el trabajo de Guillermo Pfening es brillante), este film asalta visualmente y se queda en la memoria.
La historia se centra en las tranfugueadas derivadas de los accidentes automovilísticos, pero de ningún modo Carancho (apodo para los abogados a la pesca de víctimas de accidentes, dispuestos a obtener ganancias tanto de las aseguradoras como de las mismas víctimas) se queda en la descripción de una realidad. Ahonda en ella, y mientras nos lleva a las entrañas de la situación -entre hospitales tercermundistas y la saturación de corrupción por todas partes-, con maestra sutileza se va colando un thriller de los buenos.
Martina Gusman ya había deslumbrado en Leonera y aquí no lo hace menos: si bien su trabajo no es transformarse drásticamente, encarna el rol de joven médica con tanta confianza que no queda más que creerle. Por su parte, Darín es el de siempre, pero aquí se nota una muy buena dirección de los actores, para aprovechar de un personaje más o menos conocido aquéllo preciso que la película necesita.
Agresiva, con ritmo impecable y un tratamiento irreprochable de la temática, Carancho es buen cine por donde se la mire, aunque por ello no resulte del todo placentera.

... Stanno tutti bene (1990) y Everybody's fine (2009)

2010-05-09T00:52:00.016+02:00

STANNO TUTTI BENE
de Giuseppe Tornatore, con Marcello Mastroianni.
http://www.imdb.com/title/tt0100681/
-Bajada;
-La vería de nuevo.

Me propuse ver esta película antes de arrojarme a la remake que hicieron con De Niro. Sé que probablemente eso ayuda a embarrar la versión norteamericana más de lo que ya debe venir de fábrica (escribo esto antes de ir a ver la yanqui Everybody's fine), pero tenía ganas de empezar con Marcello.
El doblete de "Todos están bien" cuenta la historia de un hombre mayor que, una vez viudo, decide recontactarse con sus hijos diseminados por el país. La distancia emocional entre ellos le impide enterarse de la verdadera realidad de cada uno en la medida que los visita, hasta que el viejo padre orgulloso va siendo acercado inexorablemente al presente de sus hijos y el suyo propio.
El de Tornatore es un film sumamente sensible, que llega bien profundo a las sensaciones humanas no sólo de afecto familiar, sino también a los miedos y el imaginario que los rodea, así como a los recuerdos (genial el sueño/recuerdo en la playa). Así es cómo, con extrema dulzura se nos muestra a cada hijo mantenido niño en la memoria de este padre abandonado, y la angustia de la adultez se hace presente en cada reencuentro.
El Mastroianni de aquí nada tiene que ver con el joven y carismático de 8 y 1/2, pero es igualmente magistral. Además de en el actor, se refleja en el resto de la película el hecho de que haya sido realizada hace dos décadas, un poco por el ritmo lento y otro poco por la estética. Si bien eso le quita algo del impacto completo que me pudo haber causado verla en su época, Stanno tutti bene es sin duda otra genialidad de Tornatore.

EVERYBODY'S FINE
de Kirk Jones, con Robert De Niro.
http://www.imdb.com/title/tt0780511/
-En Cinemacenter San Luis;
-La vería de nuevo si me dan argumentos.

En la segunda ronda de estas películas que nos hacen lagrimear y añorar a nuestros papis, me encontré con mi idolatrado De Niro. No he tenido mucha oportunidad en este blog de hacer alusión a este genio actoral que además me encanta por su glamour neoyorquino, así que aprovecho ahora para alabarlo, si bien la película no lo ayuda como se merece.
Les cuento que intenté acercarme a este film con toda la disposición a que me conmueva, llevando en claro que está dirigida a otra idiosincracia y tratando de adaptarme a pesar de ella. Contaba con el apoyo de diversas ancianas que me acompañaban en la sala de cine, quienes sin duda se identificaban con el abuelo Robert y los abandonos, y desde unas filas más atrás sollozaban en los momentos críticos. Aunque por suerte pude sentir algunas de las escenas como lo que pretendían ser, me encontré con otro escollo que no preveía a la hora de indentificarme con este drama familiar: los norteamericanos no sólo plasman los conflictos a un nivel superficial, sino que les huyen. Voy ahora a desarrollar estas dos ideas:
-Mientras que la película italiana original utiliza efectos surrealistas y conjuga otros y diferentes elementos para ilustrar la sensación de pérdida de los hijos (el sinsentido de criar a alguien que debe abandonarnos y demás), la yanqui abusa de los recortes como si el espectador pudiera confundirse si la historia se desvía o amplía la línea principal. Ejemplos: en el film de Tornatore se incluye un hijo que no sigue el exacto patrón de los demás en los engaños (eliminado en la yanqui, seguramente por "innecesario"), aparece una legión de jubilados que acompaña por un breve tiempo a Mastroianni, entre otros factores que ayudan a crear un clima de evocación, una sensación de que el viaje que hace el protagonista no es sólo hacia sus hijos sino hacia su verdadera vida, cubierta por una niebla de negación pero también de ensoñación. De Niro, en cambio, se restringe a un viaje terrenal -sin duda por culpa de los realizadores y no suya-, pero su aventura carece de profundidad y veracidad emocional. En Everybody's fine, el recurso de los hijos apareciendo como niños ante el padre sólo me resultó efectivo en la escena del hospital con el hijo menor; los sueños no tienen impacto sensorial, y el empeño del padre por ver a feliz a su descendencia queda reducido a un complejo de inferioridad por el cual el personaje de De Niro les impone éxito y clandestinidad a la vez.
-El segundo punto, cuando digo que en la película yanqui se evade el conflicto, se relaciona con esto último que mencioné: El planteo original de querer que "estén todos bien", más que a tener hijos exitosos creo que apunta a esa dificultad inherente a los seres humanos de comunicarse entre sí, extendida a la paternidad. Un padre quiere y teme saber cómo está su hijo, vincularse con él, y probablemente no pueda; quiere y teme que crezca: debe saber quién es su hijo pero al mismo tiempo permitirle delimitarse como un otro a fin de cuentas inaccesible para él. Todo esto, excelentemente retratado por Mastroianni y por la resolución de Stanno tutti benne, es evitado por el film yanqui, que reniega del planteo original no sólo mediante un final feliz sino intentando explicar todo distanciamiento como producto de una falta de sinceridad. Al no animarse a aceptar la soledad de nunca estar seguro de que quien amamos "está bien", el guión de Everybody's fine no transmite nada real y por eso mismo la película fracasa como obra de arte, resultando sólo un dramón para ver por televisión. Una lástima, considerando que con un De Niro protagonista bien se podría haber transmitido todo esto, de haber sido acompañado por realizadores más comprometidos.

... Déficit (2007)

2010-05-03T20:02:00.005+02:00

DÉFICIT
de Gael García Bernal; con él y otros.
http://www.imdb.com/title/tt0773318/
-Bajada, no quedó otra;
-La vería de nuevo sólo con muy buenos argumentos.

A esta peli me quedé con ganas de verla la vez que estuve más cerca de ir al Bafici, y que tampoco pudo ser (este año era la tesis o el Bafici). Con sinceridad, es exactamente lo que esperaba. Nada del otro mundo, una pequeña muestra de los contrastes sociales un poquito más marcados en México pero nada lejanos a los argentinos. Por momentos me encontraba esperando que desencadenara en algo más desagradable, crudo o al contrario, algo más anecdótico o "policial" (como una muerte accidental). Sin nada de eso, y manteniéndose en márgenes limitados por lo que quiere mostrar, retrata a la perfección la desorientación de la generación actual, donde hasta al personaje más sensato (la argentina) le falta activar sus neuronas.
Es recomendable en la medida de ser algo visible, con sentido, pero no llega a ser gran cine. Tres estrellas para Gael, dejándome con ganas de ver lo próximo que haga (por ahí hay unos cortos tentadores).

... Crazy heart (2009) y otras

2010-05-03T01:22:00.012+02:00

LOCO CORAZÓN
de Scott Cooper; con Jeff Bridges y Maggie Gyllenhaal.
http://www.imdb.com/title/tt1263670/
-En Cinemacenter San Luis,
-La vería de nuevo si me dan argumentos

No tengo mucho para decir sobre esta película simple, bastante bien lograda. Cuando la veía me hizo acordar un poco a la mucho más genial El Cantante (con Gérard Depardieu y Cécile de France) y por eso, a la bidimensionalidad con que los yanquis siempre tratan los distintos asuntos. Esto es algo que ya he mencionado y no voy a caer hoy en repeticiones; queda por destacar, claro, la actuación de Jeff Bridges, y la música, que no por ajena a nuestras almas sudamericanas resulta extraña o desagradable, todo lo contrario. Una linda experiencia country en el cine, sobre todo si uno no va muy predispuesto al peliculón.

Para compensar este post cortito, también les voy a hacer un breve comentario de otras películas que he visto en estos tiempos y sobre las que no tengo mucho para decir. Acá van, divididas en las secciones SI y NO las vean:

La Ola (2008)
de Dennis Gansel; con Jürgen Vogel.
http://www.imdb.com/title/tt1063669/
-Alquilada en dvd.
-La vería de nuevo si me dan argumentos.
Esta es una buena película alemana con el querido Jürgen Vögel (otras a ver con él: Emma's Glück y Ein Freund von mir). Va creciendo desde el inicio, con grandes planteos sobre el fascismo, en una interacción super atrayente entre un profesor de secundario y sus alumnos; al final se queda sin respuestas y no llega a ser lo que podría haber sido -en mi imaginación-.

Love in thoughts (2004)
de Achim von Borries; con Daniel Brühl, Anna Maria Mühe y August Diehl.
http://www.imdb.com/title/tt0325733/
-En Eurochannel.
-La vería de nuevo si me dan argumentos.
Otra peli alemana, mejor que la anterior y con el aun más querido Daniel Brühl. Aquí un tanto joven, rodeado de otros actores muy buenos, en una historia interesante, narrada con ritmo lento y paciencia de guión con sustento. Con atmósfera cautivante de los años 1920 y hermosa fotografía, relata las andanzas de unos muchachos pasionales que piensan mucho. Basada en una historia real, si sirve el dato.

MR 73 (2008)
de Olivier Marchal; con Daniel Auteuil
http://www.imdb.com/title/tt0920470/
-Alquilada en dvd;
-La vería de nuevo si me dan argumentos.
Este es otro de esos infaltables thriller franceses con Daniel Auteuil. Oscuro, negro, no tan predecible y salvable. Es pesada por momentos pero nunca se hunde.

NO

Synecdoche, New York (2008)
de Charlie Kaufman; con Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener y Samantha Morton.
http://www.imdb.com/title/tt0383028/
-Me la pasaron;
-no la veo ni completa!
De vez en cuando uno se encuentra con gente que no sabe qué significa la palabra snob. Uno busca ejemplos para explicarlo, sin saber que esta película es el mejor de todos. Una de esas pocas que decidí dejar de ver (Por eso mismo no hago más comentarios, pero considérense alertados).

Up in the air (2009)
de Jason Reitman; con George Clooney, Vera Farmiga y Anna Kendrick.
http://www.imdb.com/title/tt1193138/
-En Cinemacenter San Luis. Oh, sí, fui a verla al cine...
-No la veo de nuevo aunque me paguen!
No hace falta reclamar por qué nominaron a Oscars (no ganó nada, ¿no?) a esta película, porque esos premios hace rato que no significan nada en cuanto a valoración artística. Pero sí hace falta gritar a los cuatro vientos que Up in the air es terriblemente mala, no sólo por mediocre en todo sentido, sino porque es pesadísima de ver. ¿Es una supuesta alusión a la responsabilidad sobre la crisis económica? ¿Tiene algún reclamo sobre lo inhumano del sistema capitalista? Yo no vi nada de eso, mucho menos con George Clooney en el medio haciéndose el actor.

... una tesis aprobada!

2010-04-27T18:00:00.002+02:00

Interrumpimos nuestra programación habitual para anunciar que la persona detrás del alias Eunice Waymon ha rendido ayer su tesis de licenciatura y está por ello más feliz que lo común.
!!!

Ahora sí, podemos seguir hablando de cine.

... An education (2009)

2010-04-11T03:30:00.002+02:00

ENSEÑANZA DE VIDA
de Lone Scherfig (Basada en las memorias de Lynn Barber); con Carey Mulligan, Peter Sarsgaard y Alfred Molina.
http://www.imdb.com/title/tt1174732/
-En Cinemacenter San Luis.
-La vería de nuevo. En realidad venía dispuesta a ponerle un "3- si me dan argumentos" pero subió de 3 a 4 mientras escribía ésto, parece que es de las películas que crecen en la memoria.

Me gustó; es tan simple que a veces roza lo sobreexplicado, pero muy "linda" en todos los sentidos. La actuación de Carey Mulligan, en el rol de una estudiante con todas las herramientas para la libertad -pero seducida por lo que todavía no le corresponde-, es cautivante; con tanta delicadeza y calma en su gestualidad, se compra la pantalla. Creo que es entre ella, los años 1960 siempre perfectos para las películas, y una hermosa fotografía, que el film se hace válido y es tan agradable. Los personajes secundarios son un poco exagerados pero me gustaron también -sobre todo los padres mediocres-, y Peter Sarsgaard, como el "adulto" seductor, hace lo justo a la perfección, aunque cerca de la resolución su papel se vuelve más burdo.
An education no abandona el plano anecdótico, pero retrata tan bien lo que quiere, que tal vez hubiera sido mejor menos publicidad (con las nominaciones al Oscar y todo eso) para que uno se sorprendiera en la sala de cine con una película medianamente sensata en tiempos de Precious, que no pienso ir a ver.

... a Jean-Luc

2010-04-07T20:20:00.006+02:00

"Sólo quiero hablar de cine, ¿por qué hablar de otra cosa? A través del cine se habla de todo, se llega a todo."

dijo Jean-Luc Godard.

(En realidad dijo: "Je ne veux parler que de cinéma, pourquoi parler d'autre chose? Avec le cinéma on parle de tout, on arrive à tout", pero porque no sabía español.)

P.D.: Hablando de cine, ¿Vieron el conjunto de cortos "Chacun son cinéma, ou Ce petit coup au coeur quand la lumière s'éteint et que le film commence" ("A cada uno su cine, o ese pequeño golpe en el corazón cuando la luz se apaga y el film comienza"), que se hicieron en homenaje al sexagésimo aniversario del Festival de Cannes? (http://www.imdb.com/title/tt0973844)
Bueno, véanlos (delen!).

... La frontière de l'aube (2008)

2010-04-03T15:18:00.002+02:00

LA FRONTERA DEL ALBA
de Philippe Garrel; con Louis Garrel, Laura Smet y Clémentine Poidatz.
http://www.imdb.com/title/tt1073535/
-Bajada de la red.
-La vería de nuevo.

Cumpliendo con mi promesa por partida doble (Garrel padre y Garrel hijo intervienen aquí), retomamos el camino francés. Sin embargo, no voy a hablar de Louis (a pesar de ser ésta, para mí, su mejor actuación hasta ahora) porque en este caso la película le gana a los personajes, y porque el motivo de este post es darle algunas vueltas a las poderosas ideas y sensaciones que me dejó La frontière de l'aube.
He aquí un film exquisito de Garrel padre, que podría explicarse en función del porvenir de un hombre inocente ligado a la culpa; una historia trágica de amor y de angustia. Pero que esté filmada en blanco y negro logra que la película no sea sobre eso, y cale más profundo: La pantalla se abre desde retratar la belleza en un rostro hacia la más densa oscuridad, circunscribiendo esa grieta, esa frontera que es el alba.
La frontera es aquella entre dormir (¡y cómo duermen!) y estar despierto, entre soñar y la realidad. La frontera que separa la muerte de la vida, y claro que sí, la noche del día. Estos grandes elementos se encuentran conjugados en el film de forma horrorosa y hermosa a la vez, como lo amerita ese abismo entre los polos que hacen pulsar al hombre.
Así, entregarse al sueño parece aquí el escape a lo mediocre (el protagonista dice algo como "nosotros somos la gente que duerme, la gente que hace historia es mucho más común"), pero es también un pozo oscuro que comunica directamente con la muerte. Aceptar la vida, sin embargo, implica esfuerzo, y su claridad esconde banalidad, renuncia. En el medio está una imagen, el reflejo de uno, la separación entre la luz de lo real y las tinieblas. Pero lo que no dice esa imagen es que lo desconocido es oscuro en la medida en que no logramos hacerle un espacio interno, dejar que transpase los límites e iluminarlo para descubrir su verdad; de otra forma, nos traga en su severa absolutez, y entonces llega la muerte.
Así y con todo, los invito a visitar la frontera del alba.

... Julie & Julia (2009)

2010-03-31T05:01:00.001+02:00

JULIE & JULIA
de Nora Ephron; con Meryl Streep y Amy Adams.
http://www.imdb.com/title/tt1135503/
-Alquilada en dvd,
-Tal vez la vería de nuevo, puede ser...

Hay que aclarar que, como blogger, esta película te compra más que si no supieras de qué están hablando, y como alguien con pretensiones de escritora también. Ya con estos dos puntos sumados, y las buenas actuaciones del elenco, no tiene por qué no gustarnos el film.
Esta es la historia light de dos casi tocayas que logran aferrarse a una tarea mundana para sobrevivir a una existencia mediocre. El guión está bien armado para ir saltando de una Julia cocinera, ama de casa en París post-segunda guerra, de clase acomodada y un poco molesta, a una Julie más querible, contemporánea y trabajadora/blogger. En forma sutil trata el tema de la insatisfacción y el qué hacer cuando se tiene una pareja estable y la rutina pierde el sentido sin conflictos mayores. Dos formas de agarrar las riendas, una haciendo, la otra escribiendo.
No les cuento más del guión porque no tiene sentido (tampoco creo que cambie mucho no ser yanqui y no conocer de antemano a Julia Child como ícono de la cocina), pero sepan que se trata de algo simple, agradable y superficial. Me gustaron particularmente los vínculos humanos bastante afectivos y realistas, la misma afectividad puesta en la comida, y el tono simpático de la película, salpicado de ese nosequé adorable de Ephron.

Como curiosidad (cosas que uno busca después de ver una película), el viejo blog de Julie se mantiene online (al parecer como archivo o algo así, sin comentarios activados) tal cual se ve en el film, y ahora tiene uno nuevo donde cuenta de sus libros y demás andanzas.
Algo más: véanla con comida a mano, porque si no, no se aguanta.

... Avatar (2009)

2010-03-23T16:36:00.002+01:00

AVATAR
de James Cameron; con Sam Worthington, Zoe Saldana y Sigourney Weaver.
http://www.imdb.com/title/tt0499549/
-En Cinemacenter San Luis.
-La vería de nuevo, puede ser, si es en 3D.

Finalmente la vi. Me resistí muchísimo un poco ridículamente, porque uno sabe que al final necesita saber de qué están hablando todos, y sacarse la duda de si no es esa película genial que uno estaba esperando. No lo es, pero aún así no quiero caer en ironías o subestimaciones, porque -con todos sus defectos- Avatar va en la dirección contraria.
Para explicarles la sensación que me produjo tengo que recurrir a esa búsqueda, que creo que tenemos todos, de la libertad y la plenitud; por más imperio sobre el que esté montado, Hollywood no le escapa y a su modo intenta plasmarla. Casi siempre ésta se confunde en melodramas con golpes bajos y felicidades bidimensionales que se traducen en mal cine, pero en este caso se percibe una intención verdadera. Qué hay más cierto que seres en armonía con su entorno, sometidos a una menor gravedad y en contacto con la fuente divina. Y aún así, con toda esta descripción del anhelo cósmico materializado, Avatar no deja de mostrar en su exuberancia el problema de sus creadores.
Puedo recordar que muchas películas me lograron transmitir esa misma sensación de plenitud que intentan los bichos azules, y lo hicieron con rostros humanos, situaciones simples, con más austeridad. El problema de Avatar no es justamente la ausencia de austeridad (aunque por momentos, tantos colores dejan de ser pura belleza para convertirse en molestos) sino que esa carencia está revelando una distancia a lo que el film cree expresar. Quiero decir, en un intento por materializar lo inmaterializable, se entrega a un festín de vuelos y colores que al espectador fácilmente puede caerle como infantilismo y superficialidad. Yo oscilé entre ésto último y el disfrute, y no pude dejar de pensar en quiénes estaban por detrás de todo esto. Se necesita estar muy lejos de lo sensible para requerir tremendo despliegue en pos de retratar la condición humana y sus anhelos.
Pero no me quejo, sin ser revolucionaria como algunos dicen, creo que Avatar es una película muy actual al mostrar cómo seguimos buscando lo mismo aunque tengamos los mil chiches con los que la filmaron. Creo que es posible disfrutarla recurriendo al lugar simple de cada uno, y sin obsesionarse mucho, porque como creo que ya dije, la sensación en que se basa se encuentra mucho mejor en tantísimas otras películas.

Nota al pie: Mi primer pensamiento cuando apareció el simpático de don Worthington fue: Jake Sully = John Locke... ¿quién le robó a quien?

Otra nota al pie: Como no ocurría desde hace tiempo, me tocaron sentadas atrás dos mujeres de mediana edad que al parecer eligieron como cita de charla la sala del cine. Y no me refiero a muchos comentarios sobre la película, sino a un parloteo constante sobre cualquier cosa menos Pandora. Mi súbita dada vuelta con mirada convincente de asesina no pudo acallarlas.

... La belle personne (2008)

2010-03-17T23:30:00.003+01:00

LA BELLE PERSONNE
de Christophe Honoré; con Louis Garrel, Léa Seydoux y Grégoire Leprince-Ringuet.
http://www.imdb.com/title/tt1263778/
-Bajada de internet, claro;
-la vería de nuevo.

Ustedes saben (o deberían saberlo) de mi devoción por Louis Garrel. Admito que abandona el plano cinéfilo rozando el "filantrópico", teñido de pura francofilia. Inmersa en tantos filos, la única razón por la que todavía no había visto La belle personne es porque no la conseguía. Este es el anteúltimo film de Christophe Honoré (ahora a la caza de Non, ma fille...), cineasta cuyas películas hay que ver con cuidado y preparados para sobresaltos. De las suyas, sí recomiendo En París y Las canciones del amor, y no recomiendo para nada Ma mère (basada en un texto de Bataille), que excedió lo visible para mí.
La belle... es una hermosa y punzante película que gira en torno a la soledad y al otro. No leí el texto clásico en que está basado, pero es curiosa la adaptación que ha tenido: el argumento se desarrolla en una secundaria francesa actual donde una jovencita bella y depresiva se hace cargo de mucho de lo que le deposita su entorno, al que recién ha llegado. El personaje principal (la jovencita, por Léa Seydoux) es notable porque sufre toda la atracción y sin embargo es, en su silencio y blancura, sólo un reflejo del resto. No le pude decodificar demasiado una idea traducible en reflexión, como para decirles a qué apunta toda la historia, pero me pareció tremendamente emocional y austera.
Como casi toda película de Honoré, cuenta con la presencia de Louis, que la ilumina, y un par de otros de sus regulares. También, con un final agradable y certero. Sobre todas las cosas, La belle personne es memorable y está filmada en forma preciosa, de un modo en que no se puede comparar mucho a otras. Para ver de nuevo.

... The hottest state (2006)

2010-03-10T23:30:00.003+01:00

THE HOTTEST STATE
de Ethan Hawke; con Catalina Sandino Moreno y Mark Webber.
http://www.imdb.com/title/tt0496319/
-Me la pasaron, ¡mil gracias!
-La vería de nuevo, con ganas.

Gracias a una vieja entrada de este blog, Ethan Hawke me contactó para ocuparse de que yo pudiera finalmente ver su film "The hottest state". Bueno, tal vez no para tanto, pero sí gracias a esa entrada me consiguieron dicha película! Así que, contenta de haberme sacado las ganas al fin de verla, les cuento que es una genialidad.
Y por qué es una genialidad es lo curioso. La película como tal no lo es, si bien está originalmente hecha, con actores bien elegidos y una cámara que da la impresión de libertad. Lo que la eleva sobre cualquier otro film romántico es el guión, los diálogos, la historia y su historia.
Resulta que Ethan Hawke escribió el libro homónimo The hottest state, basado en sus propias vivencias de juventud (el actor que lo representa reproduce perfectamente sus posturas y gestualidad). De allí lo adaptó al guión del film, el cual dirigió. Además de esto, y de actuar en el rol de su mismísimo padre, lo importante es que en la historia logra resolver un conflicto básico con su familia, las parejas y su propia condición de adulto. No sé si lo logró en la realidad o si es una de esas comprensiones que se logran escribiéndolas, lo importante es que quedó allí plasmada en ambos el libro y la película. Y tan genialmente que merece todo mi disfrute y envidia (como aspirante a escritora). 10 puntos para Ethan.

... C. R. A. Z. Y. (2005)

2010-03-02T21:36:00.007+01:00

C. R. A. Z. Y.

de Jean-Marc Vallée; con Marc-André Grondin, Michel Côté y Danielle Proulx.
http://www.imdb.com/title/tt0401085/
-Bajada de internet;
-la vería de nuevo, con pocos argumentos.

Marc-André Grondin es un joven actor canadiense que he conocido (en pantalla) hace poco, pero que por alguna casualidad del destino estoy viendo seguido en varias películas. No es que derroche talento, pero me pareció mencionarlo con motivo del film que voy a comentar, donde tuvo uno de sus primeros protagónicos.
Las letras de la palabra "crazy" son las iniciales de un quinteto de hermanos, de los cuales sólo en uno se enfoca C.R.A.Z.Y., la película. También son las letras que forman el título de una hermosa canción de Willie Nelson, una de las pocas piezas que mueven la sensibilidad del padre de este quinteto de varones. Entre un padre empecinado en la virilidad y una madre comprensiva, los muchachos no tienen escape más lejano que un carácter hosco o cuadrado.
Nuestro flaco protagonista, sin embargo, y por alguna locura salida de la canción de Willie, ha sido dotado de sensibilidad. La película desarrolla esto último en forma tan linda durante la infancia, encarnando a Z. en uno de los nenes más hermosos que he visto en el cine (y el hijo del director, según me apuntan), que cuesta adaptarse luego al actor adulto. Con un poco de pesadez al comienzo de la etapa adolescente, pero con mucha solidez, el resto de C.R.A.Z.Y. nos muestra cómo la homosexualidad es salida obligada frente a ese don de ser sensible en tales circunstancias. No sólo nos muestra eso, sino también cómo una vida está construida en base a impresiones sensoriales, a elementos repetidos, pero fundamentalmente a la familia. Una buena -y al parecer exitosa- película canadiense ambientada en los años 1970, no sin defectos pero redonda.

... Qué tan lejos (2006)

2010-02-19T18:11:00.002+01:00

Iba a escribir sobre The hurt locker y el buen impacto que me había producido. Sobre su mesura y validez, sobre los yanquis y su leyenda, ese imperio de verdugos sostenido por soldados verdugueados. Pero para qué hablar de un film tan comentado y acerca de un pueblo tan odiado por los otros, que nadie quiere rescatar -ni ellos mismos- de su gobierno. Para qué, si estamos más al sur, si estamos entre las víctimas de estos dobles verdugos. Hoy mejor voy a hablarles de Qué tan lejos.

QUÉ TAN LEJOS
de Tania Hermida; con Cecilia Vallejo y Tania Martínez.
http://www.imdb.com/title/tt0951297/
-Bajada de internet.
-La vería de nuevo.

Qué difícil escribir sobre una película así, simple, con tanto sentido del humor, que se explica a sí misma y no necesita de mis análisis. Vamos a hacer el intento de hablar de ella solamente para promocionarla.
Qué tan lejos me llegó bien recomendada, y resistió todo buen prejuicio por su carácter genuino. Es de ese género "road movie", como nos han dicho los yanquis que se dice, donde el movimiento de los personajes por su historia personal se va reflejando en un recorrido geográfico. Sin embargo, el del film no es un camino de libertad, es un recorrido más que nada hacia adentro, a descubrir las propias fronteras. El protagonista es ese espacio perenne alrededor y entre las personas, encarnado en el país (Ecuador) que cruzan los casi-protagonistas que se le van sumando al estrellato. Y no lo es porque sus paisajes asalten la pantalla sino porque hay tanto de Sudamérica en ellos como en los mismos personajes, en los diálogos, hasta en la española desorientada.
Yo sabía tan poco sobre Ecuador como cualquier argentino desinformado, que sabe más sobre Obama que sobre Correa. Pese a eso, apenas empezada la película con nuestra primera protagonista-país, me encontré desentrañando su acento tan gracioso mezcla de vos y de tú, y ya estaba atrapada en ese lugar (que es también el mío), sin querer salir hasta que el film se termine.
Y acá es donde dejo de desmenuzar la película, mejor verla entera. Qué más da que un personaje vaya en busca de sus emociones y otro se encuentre con la realidad, contarles que una es graciosa y al otro quizá ya lo conocemos, no importa el viaje o para qué lo hacen; lo importante aquí es saber cuán lejos se puede llegar cuando uno se queda donde realmente está.

... Two lovers (2008)

2010-02-15T19:09:00.003+01:00

LOS AMANTES
de James Gray; con Joaquin Phoenix, Isabella Rossellini, Gwyneth Paltrow y Vinessa Shaw.
http://www.imdb.com/title/tt1103275/
-En Cinemacenter San Luis
-La vería de nuevo.

Había que despedirlo a Joaquin Phoenix del mundo fílmico, si es cierto que se va para siempre. Si no, esta película dentro de todo vale la pena igual. El "dentro de todo" va en referencia a que Two lovers no es nada del otro mundo, si uno va buscando un peliculón (lo que habían hecho antes Gray y Phoenix era promisorio, We own the night, a diferencia de The Yards). Pero como película chica funciona bien, por momentos agrandada por su fotografía, buenas actuaciones, y un tono melancólico agradable.
Lo clave de este film -y por lo que me gustó- es el planteo que hace sobre aquel conflicto que solemos tener los humanos entre el destino y la voluntad, y por dónde pasa entre ellos la libertad.
El personaje de Joaquin se encuentra en un momento de pausa y repliegue en su vida, volviendo a la casa de sus padres; más allá de las circunstancias -para mí no relevantes- que lo llevaron ahí, la historia parte del estado regresivo-depresivo en que está. Allí aparecen dos mujeres entre las que nuestro triste protagonista, más que elegir, tiene que vislumbrar cuál es la real. Quiero decir (¡y a ver si soy clara!): una representa su cotidianeidad, el arraigo, lo lleva a continuar el negocio familiar, a ser lo que se espera que sea. La otra es el anhelo de romper con el destino y creer en la voluntad de ser quien uno quiere ser. ¿Cuál es cierta? ¿Quién es uno? ¿Los ideales, lo que se quiere y busca pero no se alcanza, o el cuerpo anclado que sustenta todos los días al soñador?
En la película, ese juego de idas y vueltas entre el arte y lo prosaico (entre elegir y aceptar) está bastante bien tratado, encarnado en cada mujer y disociado en su protagonista, un pobre tipo a fin de cuentas (¿o un artista trágico?). Tremendo conflicto también sale bien resuelto, de una forma que parece la única posible y auténtica, con un final sin defectos que no les voy a contar.

... Le silence de Lorna (2008)

2010-02-11T04:01:00.002+01:00

No saben cómo estaba esperando comentarles esta película de los Dardenne para poder desatar mi mar de loas y alabanzas hacia estos dos brillantes señores hermanos de mi predilección. Jean-Pierre y Luc Dardenne son un par de realizadores (guionistas, directores) belgas contemporáneos con los que uno tiene el placer de esperar su próxima realización porque sabe que se va a encontrar con algo igual de bello, de cierto y genial a la vez, que lo que ya pudo haber visto. Sus películas son suaves, crudas, simples, reflexivas y sobre todo humanas. Se apoyan increíblemente en los talentosos actores que siempre eligen (Jérémie Renier, Olivier Gourmet, etc.) e igualmente en su cámara inquieta, penetrante pero honesta y pudorosa. Los guiones no se pueden describir como sencillos porque tienen la textura de la vida cotidiana, con capas y ángulos para todos los gustos y espectadores, y por muy inexorables que resulten, no por eso son menos atractivos.

La primera película suya que ví fue El hijo (foto), que tal vez por sorprenderme con su talento fue la que me quedó más valorada en el corazón y la memoria, pero nada que criticarle hay a Rosetta o El niño.
Antes que salgan corriendo a verse todas las películas Dardenne que consigan, quiero advertirles que sí, son lentas, son de esas en que -al decir popular- "no pasa nada", sin música, y que terminan de golpe sin final de esos hollywoodenses. Todo eso y más. Pero a mí me gustan, qué le vamos a hacer...
Y antes también de que -después de mis advertencias- renuncien a ver todo lo de los Dardenne, por las dudas voy a finalmente comentarles lo que tenía planeado, su último film:

EL SILENCIO DE LORNA
de Jean-Pierre y Luc Dardenne; con Jérémie Renier y Arta Dobroshi.
http://www.imdb.com/title/tt1186369/
-conseguida a base de insistencia;
-la vería de nuevo, muchas veces más!

Lorna y su silencio venían más que anticipados por lo recién contado, pero además porque se hicieron rogar: la peli se me escapó del cine, en el videoclub que la trajo se les rompió la única copia que tenían, y mi conexión de internet andaba de males para bajarla.
Conseguida finalmente la película (¡gracias a la proveedora!), un día caluroso de enero la vi. La primera mitad es todo lo que esperaba de estos muchachos, con todos los halagos que he puesto allá arriba y aún más. Lorna es una sumisa pero pujante inmigrante albanesa en Bélgica (la genial desconocida Arta Dobroshi), metida en la venta de ciudadanía europea por casamiento, y casada por ello con un heroinómano (uno de mis actores preferidos en uno de sus mejores roles, Jérémie!) más muerto que vivo.
Desde su planteo, El silencio... retoma un poco del suspenso de La promesa y amplía su rango sensorial y narrativo con respecto a las otras de los Dardenne; durante esa primera parte era impecable. No quiero decir que pasada la mitad decaiga, ocurre que allí da un giro bien grandote que me hizo hacer una pausa, pensarlo dos veces, con la sensación de que la película anterior (la primera parte) se me escapaba.
Sí, una vez terminado el film y discutido, el gran giro -inicialmente sólo emocional-, se entiende: Lorna explota de silencio y toda la problemática denunciada pasa a un segundo plano frente a su falta de aceptación y su necesidad de apostar a la vida, así sea inventada. En esa parte final donde uno, al igual que ella, deja de aceptar todo como venía ocurriendo en su naturalidad Dardennesca y empieza a cuestionar qué está pasando, hay un arma de doble filo, peligrosa para el espectador no comprometido: mi primer impulso fue desear que la película hubiera terminado a la mitad porque no sabía qué carajo estaban haciendo estos tipos (los directores). Pero como ya dije, pensándolo dos veces (charlándolo una vez) se esclarece que al fin la vida agarra las riendas de la historia y que la libertad que se toman los autores es la misma que se toma Lorna para sobrevivir; la misma que debemos tomarnos para que esta película no sea simplemente un testimonio y sea arte. A verla de nuevo.

... está de vuelta

2010-02-10T21:50:00.012+01:00

Entre unas vacaciones donde descansé hasta de mí y en que pasaron cosas en el mundo que hacen de este blog una cuestión frívola, me estuvo costando volver a escribir.
Vi películas, muchas películas, de navidad a esta parte. Vi desde Sherlock Holmes hasta El silencio de Lorna, desde Guerrilla hasta Qué tan lejos. Y entre tantas películas buenas y malas y la vida que sigue este año, no queda otra que volver al lugar que le toca a uno, y seguir permitiéndome escribir estas cosas que no por decirlas están ahí, pero casi. Así que si tienen ganas, estamos de vuelta.
(Mañana nuevo post)

...y Bienvenidos al 2010, que llegó con todo!!!

... se despide hasta el 2010

2009-12-31T04:00:00.009+01:00

Después de haber pasado una excelente mitad del 2009 compartiendo la aventura cinéfila, quiero desearles un feliz año nuevo a los lectores de Hoy vi... y comentarles que durante el mes de enero estaré de vacaciones y sin internet. En ese sentido, este blog se tomará un descanso y tal vez (nunca se sabe) no haya posteos durante la primera parte del primer mes del 2010. Claro que en ese tiempo seguiré viendo películas, como no puede ser de otra forma, y sin duda tomaré algunas notas para traerles luego mis versiones sobre las muestras de esa maravilla que llamamos cine.
Mis mejores deseos para ustedes en estas fechas, y que la lucha les sea favorable; espero que hayan disfrutado tanto como yo de este blog y que el 2010 traiga buenas películas. ¡Hasta entonces!

... les desea una Feliz Navidad

2009-12-25T21:00:00.003+01:00

Quiero desearles una muy feliz navidad a los lectores de este blog, y agradecerles por el tiempo compartido aquí. Espero que la vida sea hoy un poquito más como en las películas -lindas-. Y para aquellos que aprovechan estos tiempos festivos para tirarse panza arriba a ver pelis, a modo de regalo les paso el link para bajar la tierna ópera prima de Caroline Link, que vi hace muchos años pero la recuerdo con cariño:

Más allá del silencio (Jenseits der Stille)

Acá van unos subtítulos en español, que espero sirvan para esta versión.
¡Hasta pronto!

... dos películas francesas

2009-12-19T15:47:00.009+01:00

A éstas dos películas muy familieras venía planeando verlas hace rato. La primera era para mí de esas cuya cajita uno siempre agarra en el videoclub, la mira un rato, la da vueltas y la vuelve a dejar (no sé por qué). Pero siempre tuve ganas de verla. Y la segunda me esquivó en el cine y fue una agradable sorpresa encontrarla para alquilar. Si bien ambas comparten la misma calificación (por ser una categoría amplia), son muy diferentes y una de ellas no me gustó mucho.

VIDAS ROBADAS (Voleur de vie, 1998)
de Yves Angelo; con Emmanuelle Béart, Sandrine Bonnaire y Vahina Giocante.
http://www.imdb.com/title/tt0153588/
-Alquilada en dvd;
-la vería de nuevo, con nuevos argumentos

Es la mejor de las dos, sin duda. Una peli algo viejita, oscura, pero buena.
Cuenta la historia de dos hermanas y la hija de una de ellas, viviendo en una casa que da la impresión de solitaria y aislada, fatalmente ubicada frente a un cementerio. Las actuaciones de las tres mujeres -y hasta de los actores secundarios- son tremendas y el guión, sin embargo, un poco simplón. Si uno la agarra con ganas de meterse en la historia y en esos parajes hostiles de la vida, resulta profunda y hasta conmovedora.

Pero de la austeridad de este primer film francés pasamos (diez años después) al desparpajo pseudo-vacío de:

EL PRIMER DIA DEL RESTO DE NUESTRAS VIDAS (Un conte de Noël, 2008)
de Arnaud Desplechin; con Catherine Deneuve, Mathieu Amalric y Chiara Mastroianni.
(nótese la creativa y poco feliz "traducción" del título)
http://www.imdb.com/title/tt0993789/
-Alquilada también.
-Sólo la vería de nuevo con buenos argumentos.

Yo sé que esta película ha sido laureada en todos lados y confieso que hasta la primera hora de su desarrollo venía dispuesta a sumarme a los elogios. Pero cuando tanto recurso afrancesado no desemboca en nada después de un rato, este "cuento de navidad" termina resultando frío, una pose de esa misma excentricidad francesa que tanto me gusta.
"El primer..." nos presenta una familia muy loca como todas, y esa primera hora que tanto disfruté se encarga de hacerlo con recursos deliciosos y actores impecables. Este conjunto de seres extraños -personajes buenísimos, a decir verdad- se encuentra en navidad, y la anticipación de tal reunión decae en un par de escenas que (excepto la de la charla de la madre con su hijo mayor en la hamaca del jardín) me parecieron carentes de emoción verdadera, snob, evocando un no-sé-qué que no estaba. Puede que yo me haya perdido algún sentido por detrás de lo meramente expreso, pero sé que aún en las formas no me convencía algo que, sin ser mal cine, se palpa sin fondo.

... The burning plain (2008)

2009-12-16T04:13:00.004+01:00

CAMINO A LA REDENCIÓN
de Guillermo Arriaga; con Charlize Theron y gran elenco (entre ellos Goodwin de Lost!)
http://www.imdb.com/title/tt1068641/
-En Cinemacenter San Luis,
-¿La vería de nuevo? dentro de unos años, algunas partes.

Esta película de Arriaga me resultó bastante pasable, pero no llega aún ni al nivel de -a mi parecer- la peor de la trilogía que realizó con Iñárritu, Babel (en mi ranking siguen 21 gramos y primera Amores perros, claro).
Me gustó una sensación general que transmite, un buen ritmo para contar la historia (no aburre nunca), y los escenarios, así como cierta simpleza que la rodea. Pero tengo dos críticas principales, y advierto que puede que no les convenga leerlas a quienes no hayan visto Camino...:

Primero, el relato temporal no lineal me pareció innecesario. Cuando termina la película, y uno piensa la historia cronológicamente, da la impresión de que la fragmentación de los tiempos es un poco para disimular un guión esencialmente novelero y con poco corazón. Sí, el recurso de hacer que la película deje de ser coral para ser básicamente el relato del personaje de Charlize Theron es original, pero no deja de ser un recurso.
Segundo, el final "feliz". Ahí la película se contradice a sí misma, nos había mostrado la vida como cambiante, llena de sufrimientos y complicaciones, y quiere en una escena convencernos de la ¿redención? No puedo hacerle mucho caso a la traducción al castellano del título, la única justificación (ni siquiera) que tendría esta resolución. A su vez, se puede argumentar que la historia se corta ahí por una cuestion de clímax y que nadie afirma la felicidad subsecuente, y también es cierto que viene bien cierto alivio para concluir la película, así que dejo la cuestión del final en discusión.

Último comentario: las actuaciones no son nada del otro mundo, todos con lo justo. Pero bien por la Theron por andar siempre con ojeras, sin drama de no mostrar lo super linda que es.
Sin seguir poniéndome vueltera, no es una mala película.

... noticias sobre el festival de cine en Cuba

2009-12-13T18:32:00.006+01:00

Hoy terminó el festival internacional de cine en La Habana, y leyendo algunos artículos en su página oficial me acordé de cuánto me gustaría ir alguna vez!

http://www.habanafilmfestival.com/

¿a ustedes no?

... tres películas yanquis, una peor que la otra

2009-12-09T18:08:00.003+01:00

Lo de "una peor que la otra" no es pura frase hecha, sino que es justamente como se va a desarrollar mi comentario de hoy. He aquí tres películas que he visto (no todas el mismo día, si no tal vez no sobrevivía), que me hacen dudar si algún día tendremos un mundo mejor, y que paso a comentarles desde la mejorcita hasta el cataclismo final.

EL REY DE CALIFORNIA (2007)
de Mike Cahill; con Michael Douglas y Evan Rachel Wood.
http://www.imdb.com/title/tt0388182/
-Alquilada en dvd.
-Sí, tal vez la vería de nuevo...

El rey de California puede pretender ser un poco aleccionadora en cuanto a la propia capacidad de lidiar con circunstancias desafortunadas de nuestra vida, como es este caso de tener un padre un tanto loco. Ya sabiendo eso, se puede mirar un poquito más de cerca y que agrade.
Michael Douglas no me convence demasiado con sus pelos despeinados, pero la postura corporal que adopta aquí es realmente de loco y zafa en cuanto a convincente. Lo de Evan Rachel Wood no difiere demasiado a sus otras interpretaciones, pero el papel de la hija es tan agradable que uno lo termina aceptando. Así, con muchos peros y con casi un número igual de pros y de contras, tiene su encanto y sirve para pasar el rato. Incluso un mejor rato que viendo...

PINEAPPLE EXPRESS (2008)
de David Gordon Green; con Seth Rogen y James Franco.
http://www.imdb.com/title/tt0910936/
-Alquilada también.
-No, no creo que la vea de nuevo.

Admito que jamás hubiera alquilado una película de este tipo si no trabajara en ella James Franco. No porque él sea una joyita actoral ni por su belleza sino porque últimamente se está jugando a hacer proyectos más propios y mejores. Es cierto, no sé cuán mejor es ésto que Spider-man, pero tiene bastante de comedia y sin mucho exceso, por decir algo positivo.
La verdad es que no había visto casi ninguna de lo que llaman la NCA o "nueva comedia americana", pero (como hoy estoy sin ganas de caer en el debate y darles a los yanquis y su estupidez con un caño) voy a sintetizar con que esta película me sirvió para constatar que las otras del NCA no serían de mi predilección, por más simpático que haya sido este expreso.
Y, ahora sí, para concluir:

2012 (2009)
de Roland Emmerich, con John Cusack y Amanda Peet.
http://www.imdb.com/title/tt1190080/
-En Cinemacenter San Luis.
-La vería de nuevo... en otra vida, brotha!

He dejado para el final una mala, mala película (¡pero qué buenos efectos! -dicen todos-) que me hizo sentir muy frívola (y también otro adjetivo popular argentino más vulgar) sentada en una sala llena de gente comiendo pochoclo y alegrándose de que el tonto protagonista sobreviviera.
No le puse nuestra puntuación más baja porque sí tenía que verla, para sacarme las dudas (completamente sacadas). Pero como, insisto, hoy estoy sin palabras para destripar lo desagrable, le cedo el paso a este muchacho que ha sintetizado mis pensamientos: Crítica de CineFreaks.

Sólo me queda un último comentario: ¿Notaron que las películas van en orden cronólogico? Oh, triste destino! ¡qué nos deparará el 2010!

... algo sobre dos películas que querré ver en el 2010

2009-12-06T22:40:00.010+01:00

CARLOS THE JACKAL
http://www.imdb.com/title/tt1321865/
De Olivier Assayas, con Edgar Ramírez y sobre la vida de Ilich Ramírez Sánchez.

POTICHE
http://www.imdb.com/title/tt1521848/
La nueva del loco de Ozon, con guión prometedor y un despliegue estelar francés y belga.
(La foto es de Les amants criminels).

... ojalá lleguen a la Argentina!

... otra peli en el colectivo

2009-12-04T04:32:00.006+01:00

ANGELES Y DEMONIOS (2009)
de Ron Howard; con Tom Hanks, Ayelet Zurer, Ewan Mc Gregor y Nikolaj Lie Kaas.

http://www.imdb.com/title/tt0808151/
-En un colectivo andesmar (les tendría que pedir plata como sponsors)
-No debería haberla visto!!

El otro día me volví a subir a un andesmar y el nuevo Ch que me tocó en suerte estaba más preocupado por darnos de comer rápidamente e irse a dormir que por cuestiones cinéfilas, así que debe ser por eso que nos regaló una perla del cine contemporáneo: Ángeles y demonios.
Si han visitado antes este blog, ya sabrán ustedes lo único positivo que significa para mí tener que aguantarse tremenda estupidez y fue por eso único que me quedé bien despierta a su espera. Y así fue, de entre un matorral de personajes ridículos (la física sexy, Tom Hanks, un raro Ewan McGregor mediocre, el típico cura malo y puedo seguir...) apareció el mata-curas re-malo Nikolaj Lie Kaas. Apareció más flaco, con anteojos, hablando inglés, con su cara de un poco loco pero siempre genialísimo, y yo sólo podía preguntarme ¿Por qué? ¿Por qué hacen eso, por qué actores así aparecen en películas tan malas? ¿Por la plata solamente? ¿Por ganar popularidad? Porque no es sólo la calidad de la película, es todo lo que representa: la negación del cine como arte, su afirmación como producto para masas estúpidas, así que insisto, ¿POR QUÉ?
En esa misma línea de pensamiento ¿por qué hace esto Gael?

Por hacerme sufrir creyendo que actores como éstos se venden, Ángeles y Demonios se gana la honrosa reputación de haber tenido la puntuación más baja que otorgamos en Hoy vi...
Igual, yo lo perdono a Nikolaj.

... Arizona dream (1993)

2009-12-01T04:00:00.004+01:00

SUEÑOS EN ARIZONA

de Emir Kusturica; con Johnny Depp, Faye Dunaway, Jerry Lewis, Lili Taylor y Vincent Gallo.
http://www.imdb.com/title/tt0106307/
-En un ciclo de Johnny Depp
-La vería de nuevo, pero dentro de bastante tiempo, tal vez.

Arizona dream es de esos ejemplos del cine que muestran que éste puede ser una expresión artística emocional a pesar de requerir bastante procesamiento intelectual, como también le ocurre a la literatura y no tal vez a la pintura o a la danza.

Un jovencísimo Johnny Depp da vida a Axel, un pseudo-pescador soñador en New York, sobrino de Jerry Lewis, quien con todo el peso familiar de los familiares lo trae de vuelta a Arizona. Allí aparecerán Faye Dunaway y Lili Taylor, que actúan de maravillas, y como el conejito de Alicia lo llevan a ese sueño que menciona el título, que es la película y es como los sueños de Axel. Estos últimos no hacen más que embellecer la película, no sólo por su estética, sino porque demuestran esa libertad del director (a todo esto no mencioné que es Kusturica) de contar su historia como él quiere.
Por momentos es una película de locos, pero no más locos que lo que estamos todos, o lo que debemos estarlo para tolerar películas hollywoodenses que no se permitan esta locura. Johnny Depp no brilla tanto como sus mujeres en la actuación pero tiene un carisma indudable, y aparece Vincent Gallo, quien antes de venir a putearnos a la Argentina, resulta gracioso en su pequeño rol.
No es buenísima, pero tiene sustento, emoción, y esa música característica que no deja que no creamos que la vida es hermosa, como le pasa a Johnny.

Nota: Hoy vi... se declara en contra del cine masivo basura que produce fenómenos ridículos como el de Crepúsculo, y por ello decide no cederle espacio ni aún para criticarla (¡o aumentar las visitas!); pero admite haber ido a ver Luna nueva bajo punta de pistola (o no tanto...) y no se aguanta sin decirlo: ¡que mala película! (nota dentro de la nota: no le gana en mala a la primera).